Pinduca's Blog

Quando uma ótima banda se torna uma péssima influência

2010-08-22T11:20:00.005-03:00

Radiohead: experimentais que geraram seguidores caretas

Algumas filosofias orientais acreditam que toda ação carrega em si uma carga de bem e de mal. É um tipo de pensamento que busca enxergar por trás das aparências e dos efeitos imediatos de um ato, analisando desde as reais intenções existentes ali até suas conseqüências a longo prazo e a longas distâncias. De tão intrincada e ampla, essa visão holística de mundo chega a apostar que o bater das asas de uma borboleta no Japão pode influenciar a vida de um cidadão no interior do Mato Grosso. Ou seja, por mais que a nossa boa intenção seja apenas a de conter um vazamento de um cano d’água, podemos, sem saber, estar ajudando a romper as comportas de uma grande represa.

A princípio, um assunto tão místico como esse estaria a léguas de distância do cético e materialista rock’n’roll. Mas, analisando um pouco a história do gênero, notamos que o princípio de bem e mal em uma mesma ação também se aplica ao estilo musical criado por Chuck, Elvis e Richards nos anos 50. E isso faz com que bandas excelentes, algumas até mesmo responsáveis pela ruptura de barreiras em determinadas épocas, sejam exatamente os entraves de outros momentos, por meio de uma influência nefasta em grupos absolutamente sem talento.

Os discípulos de Rolling Stones se ativeram à atitude cafajeste

da banda, em detrimento da boa música

O Rolling Stones é um desses exemplos de banda legendária, que, em contrapartida a sua inegável competência musical, ajudou a criar alguns dos piores monstros - no mau sentido - do rock. Basta ouvir vários grupos de hard rock e glam dos anos 70 e “rockões cafajestes” dos 80’s, que, inspirados pela atitude “bad boy” e o lado pesado da banda de Mick Jagger e Keith Richards, conseguiram a façanha de tornar o rock’n’roll um estilo quase... brega. No Brasil, muitas bandas seguiram essa tendência, como os setentistas do Tutti-Frutti e do Made in Brazil e os oitentistas do Barão Vermelho e do Garotos da Rua, alguns deles fazendo sua música até com certa competência. Mas, no geral, o resultado das bandas influenciadas por Stones é aquém do aceitável, com um rock previsível, de letras quase infantis de tão mal escritas, e componentes vestidos com jaqueta de couro preto e mullets de causar náusea em qualquer pessoa minimamente ligada em estética.

Uma outra excelente banda que gerou filhotes indesejáveis é o Van Halen. Liderada por Eddie Van Halen, um gênio da guitarra tanto em técnica quanto em bom gosto, o VH acabou ajudando a disseminar o que se convencionou chamar de Metal Farofa, com grupos formados por componentes muito ligados ao virtuosismo (e ao visual bizarro de roupas coloridas e cabelos com laquê!!!), mas pouco inspirados. Quer exemplos? Mr. Big, Tesla, Poison, Extreme, White Lion e por aí vai. A cena formada por bandas “poser” e guitarristas super técnicos – apelidados de “punheteiros” – se tornou tão popularmente grotesca no final dos anos 80 e começo dos 90’s, que o próprio Van Halen saiu com filme queimado da história, numa daquelas injustiças que o futuro há de reverter.

Mas a lista de bandas excelentes que serviram de influência para péssimos grupos não pára por aí. De cabeça, posso lembrar de U2 e sua escola de bandas que tentavam ser, ao mesmo tempo, pop e engajadas. Na maioria das vezes, o que se via nos aspirantes a U2 era um discurso político baseado em argumentos fracos e uma música pobre, longe da classe e força propagada pela turma de Bono Vox e The Edge. Outra banda excelente - quase revolucionária - que gerou rebentos chatérrimos é o Radiohead. Por algum motivo, seus filhotes optaram por deixar de lado a inteligência e o lado experimental da banda de Thom Yorke, para se apegar a uma música melosa e arrastada. Talvez o exemplo de rebento do Radiohead (e do U2, também) mais bem sucedido – e chato, na opinião deste que vos escreve – seja a banda inglesa Coldplay. Mas há outros seguidores meio pentelhos que vão desde Howie Day até (o competente, mas meio “over”) Muse.

No Brasil, dois grupos muito bons exerceram péssima influência sobre suas crias: Chico Science & Nação Zumbi e Los Hermanos. Enquanto o primeiro foi responsável pela proliferação de diversos grupos pseudo-folclóricos nas décadas de 90 e 00, apegados superficialmente a tambores e supostas raízes brasileiras, a banda dos barbudos cariocas fez com que um monte de gente achasse que a fórmula da boa música era simplesmente resgatar velhos discos de MPB dos pais e tentar escrever como Chico Buarque. Obviamente, a esmagadora massa de bandas seguidoras dos Los Hermanos acabaram com letras falsamente poéticas e harmonias e arranjos metidos a rebuscados e abrasileirados. O resultado, na maioria das vezes, é uma verdadeira lástima.

Pearl Jam: hors-concours na influência a bandas péssimas

Por último, mas não menos importante, talvez a banda hors-concours em matéria de ser uma péssima influência para as demais é o Pearl Jam. O lado messiânico e pop de Eddie Vedder e seus asseclas criou alguns dos conjuntos mais insuportáveis da história do rock. Basta lembrar de bandas como Nickelback, Creed, Nixon, Hootie & the Blowfish e tantas outras que acharam que bastava imitar o vocal de pato rouco de Eddie Vedder para se fazer sucesso. No meio disso, só uma banda se salvou: o Stone Temple Pilots, que, de clone do PJ, acabou partindo para outras searas e se tornando uma ótima banda.

Num caminho oposto à popularidade, são as bandas mais obscuras que, geralmente, acabam sendo as melhores influências na história do rock. E é por isso que artistas como Muddy Waters, Link Wray, Buddy Holly, Velvet Underground, New York Dolls, Stooges ou mesmo os alemães do Can acabaram sendo as grandes referências para o surgimento de bandas excelentes e até mesmo de movimentos musicais. Uma das explicações para isso talvez seja o fato de os artistas obscuros só serem procurados por gente mais ligada em música, que está tentando escapar das fórmulas fáceis do sucesso.

Por outro lado, jogar a receita de se fazer uma boa banda para esse lado alternativo seria muito simplista. E, convenhamos, muita coisa boa já foi feita em cima de Beatles, Bob Dylan, Talking Heads e tantos outros medalhões do rock - os Stones mesmos foram quase xerocados pelo Primal Scream no começo de carreira -, enquanto muita porcaria já foi influenciada por bandas underground como Pixies e Pavement.

Na verdade, talvez a resposta para essa questão da influência maléfica de bandas boas esteja num plano mais esotérico, mesmo. De alguma forma, em determinadas épocas, alguns artistas excelentes chamam a atenção para a forma como fazem música e passam a servir de matriz para as bandas ruins - as quais, por sua vez, acreditam serem capazes de refazer facilmente aquela fórmula de sucesso. Quase como se fosse um carma, essas bandas ruins vêm trazer à prova o benefício causado à música pelos bons artistas em sua carreira pregressa, numa espécie de balanceamento entre o que seria considerado bem e mal em uma mesma ação.

Revista de música ou revista de músico?

2010-07-31T19:08:00.008-03:00

Quando comecei gostar de rock, por volta dos meus 12 ou 13 anos, a principal – e quase única – fonte de informação para um jovem curioso por saber mais sobre seus ídolos eram as revistas musicais. Naquela virada de 1986 para 1987, cerca de quatro anos antes da chegada MTV ao Brasil e quando a internet ainda se confundia com ficção científica, era comum nos depararmos com matérias sobre bandas que, mesmo já tendo ouvido, não sabíamos ao certo de qual país provinham ou nunca tínhamos visto uma mísera foto dos componentes. Por serem as detentoras e, ao mesmo tempo, divulgadoras dessas informações, as revistas acabavam carregando um status de oráculo da música e comprá-las soava quase como uma prerrogativa para se penetrar nesse intrincado universo.

Como me tornei um fã de rock antes mesmo de tocar um instrumento, a revista que mais me atraiu inicialmente foi a extinta Bizz. Comandada durante um bom tempo pelo polêmico jornalista André Forastieri, a publicação paulistana trazia informações sobre bandas estrangeiras e brasileiras, novas e clássicas, abrindo espaço até para assuntos relacionados à sétima arte. Mais do que na música propriamente, a Bizz se focava na cultura pop e em seus bastidores, de forma a atingir um amplo público jovem, fosse este formado por músicos ou não.

Aos 15 anos comecei a tocar guitarra e tomei contato com um outro lado dessa moeda: as revistas que se centravam na disseminação de técnicas e na análise de equipamentos musicais (ex: Guitar Player, Cover Guitarra, Modern Drummer, etc) . Nesse caso, as novidades do showbusiness eram deixadas de lado em prol do incentivo ao aprimoramento dos jovens instrumentistas, ávidos por aprender os macetes e fraseados de seus ídolos. Obviamente, por se tratar de um assunto bastante restrito, essas publicações contavam - e ainda contam – com um público mais reduzido, formado quase que exclusivamente por músicos.

Desde que passei a tocar um instrumento, nunca me resolvi muito bem em relação a essa questão entre ser um cara que gosta de saber as novidades do showbizz ou um músico que está interessado em melhorar a sua técnica. Hoje, com o fácil acesso a blogs especializados e “myspaces” da vida, acabei restringindo a compra de revistas musicais às minhas viagens de avião. E, sempre que estou em bancas de aeroportos, me vejo com a mesma dúvida: adquiro a Rolling Stone, para estar mais por dentro das tendências do mundo pop? Ou fico com a Guitar Player, que talvez me traga mais benefícios como instrumentista?

O engraçado é que, invariavelmente, me arrependo da escolha que faço. Se compro a Rolling Stone, acabo achando meio superficial aquele universo em torno dos bastidores do mundo pop. Em alguns momentos, sinto-me lendo uma revista de celebridades – a única diferença é que todos estão vestidos de roqueiros. Para piorar, depois de alguns anos tocando em bandas, já consigo sacar boa parte das entrelinhas das matérias e resenhas publicadas ali. O fato é que, quando se conhece os jornalistas (pessoalmente ou por leitura, mesmo), sabe-se por que algumas bandas têm mais destaque que outras; sabe-se quando o crítico não entendeu o som, mas está simplesmente copiando uma tendência estrangeira; sabe-se, enfim, o que há por trás da formação da notícia e da estruturação daquela revista.

Abre Parênteses. (Quero deixar claro que essas “tramas” não são uma exclusividade da Rolling Stone brasileira - nesse ponto, talvez a Bizz fosse até pior - nem mesmo do mundo musical. Esse tipo de coisa acontece absolutamente em qualquer meio, seja este político, econômico, publicitário ou “surfístico”. O único ponto aqui é que a música é o MEU MEIO e, por isso, consigo ler mais facilmente o que há por trás da notícia, assim como outros entendem dos bastidores dos meios em que estão inseridos). Fecha parênteses.

Se adquiro a Guitar Player, acabo me incomodando com o excesso de tecnicismo, muitas vezes em detrimento da criatividade e do estilo. Realmente, a minha impressão, ao ler a revista, é que estou conversando com vendedores e luthiers das lojas de música da avenida Teodoro Sampaio, em São Paulo. Não que a visão musical desses profissionais deva ser desprezada – pelo contrário, por ser muito rica, deve ser levada muito em consideração –, mas acredito que a abordagem musical possa ser mais ampla, trazendo variáveis ligadas até mesmo às novas tendências e estilo (algo um pouco excessivo na Rolling Stone, na minha opinião).

Caminhando pela tangente, ainda costumo me deparar nas bancas com a revista Bravo!. De conteúdo mais sério, adulto e refinado, essa publicação costuma buscar abordagens diferentes a temas ligados à música e à arte em geral. O problema é que a Bravo! é intelectualóide demais para o meu gosto. Sei lá, pode ser ranço da minha parte, mas a minha impressão é que o público deles é formado por adultos estabelecidos, com mais de 35 anos, que fumam charuto e tomam vinho em casa toda noite. E eu ainda não quero isso para a minha vida, sabe? De certa forma, as revistas que citei anteriormente ainda trazem um cheiro de cerveja ou refrigerante tomados em porta de distribuidora de bebidas – o que, dentro das minha atuais escolhas de vida, parece ter mais a ver comigo.

O fato é que, mesmo com todas as críticas apontadas por mim, sempre encontro informações legais nas revistas citadas. E, não à toa, mantenho-me consumidor delas. Por isso, sinto-me à vontade para falar de suas características, qualidades e defeitos. Na verdade, talvez o problema nem esteja com as publicações em si, mas com a eterna insatisfação deste que vos escreve.

(Não) Enforquem o DJ

2010-06-01T20:45:00.007-03:00

Nesta quarta-feira (2), serei um dos DJs convidados da Toranja, evento noturno que rola semanalmente no Balaio Café, na comercial da 201 Norte. Segundo Ricardo Gas, que produz a festa em parceria com Carol Wootmann e Ivan Bicudo, tocarei entre meia-noite e uma da manhã. Os outros dee jays convidados desta edição são: João Paulo Práxis (guitarrista da banda Nancy e jornalista), Gustavo Bill (ex-Lo-Fi, engenheiro eletricista, produtor musical e dono do estúdio Macaco Malvado) e Eduardo Jobim (historiador, professor-filósofo e aficionado por música), além próprio anfitrião Gas (historiador, pensador, blogueiro e DJ).

O playlist que preparei reúne de The Cure a War; de Happy Mondays a Screaming Blue Messiahs, de Replacements a Arrested Development; de Phoenix a Sugababes - e muito mais. Ou seja, estilos variados e música sacolejante para dançar (e pensar?!!!!).

Mas lembrem-se: não sou DJ profissional, hein!!! Digo isso porque já ouvi muita gente gritar “Hang the DJ" (Enforquem o Disk Jóquei, em bom português) – expressão presente na música Panic, do The Smiths -, enquanto me ouviam colocar som amadoramente nas festas de amigos.

A Toranja é um dos eventos noturnos mais legais da noite brasiliense, reunindo num mesmo ambiente: ping-pong de alto nível, rock de qualidade e um saudável clima de azaração (para os solteiros, obviamente). E tudo isso de graça, bem no meio da semana.

O recado então tá dado. Aguardo vocês lá na Toranja!!!

Tão longe, tão perto

2010-05-20T22:26:00.011-03:00

Sabe aqueles artistas que você assiste na TV e acha que nunca vai ter a oportunidade de ver de perto? Pois bem, talvez por um complexo terceiro-mundista, sempre achei que existia uma espécie de abismo entre mim e as grandes bandas internacionais das quais era fã. Parte dessa visão, certamente, se deve ao contexto no qual comecei a gostar de rock: os inflacionários anos 80, época de desvalorização da moeda nacional, em que até a vinda ao Brasil (diga-se, para o eixo Rio-São Paulo, com raras exceções) de bandas do segundo escalão, como Gene Loves Jezebel e Mighty Lemon Drops, era motivo de comemoração.

O passar dos anos – e dos planos econômicos – me mostrou que às vezes esses músicos internacionais podem estar mais próximos do que imaginamos. E, quase que num golpe do destino, oportunidades inusitadas de assisti-los aparecem em nossas vidas, de forma bem menos glamourosa do que poderíamos supor. O tal abismo, subitamente, se torna um minúsculo buraco na terra, a ponto de constranger o fã que sempre se acostumou a ver seu ídolo muitos degraus acima do seu humilde patamar.

Brasília, no último final de semana, abrigou dois casos emblemáticos de shows internacionais em lugares, digamos, peculiares. A banda nova-iorquina Living Colour se apresentou na última sexta (14), no Cine Drive In, local que, como o próprio nome entrega, nunca foi muito tradicional nem adequado para eventos musicais. Se, por um lado, o show arrebatador fez lembrar a competência da banda em seu auge, o pequeno público presente – eu chutaria umas 200 pessoas – contrastava com os tempos em que o grupo de funk metal americano tinha moral com a crítica e se apresentava para grandes platéias ao redor do mundo. Para se ter uma idéia, a primeira vez em que o Living Colour veio ao Brasil foi para tocar na edição de 1992 do festival Hollywood Rock. No último dia 14/5, porém, a outrora popular banda tocava para meia dúzia de gatos pingados, numa espécie de buraco underground brasiliense.

Outra situação inusitada foi apresentação do guitarrista sexagenário Johnny Winter no sábado (15), no aniversário de 25 anos do Ferrock, festival que aconteceu na cidade-satélite de Ceilândia, a 26 km de Brasília. Tratava-se da primeira vez que a lenda da guitarra fazia turnê pelo Brasil, mas acredito que poucos fãs brasilienses do guitarrista preveriam que a oportunidade de assisti-lo seria nos arredores da Capital Federal – e ainda mais, por apenas 2 kg de alimento como entrada. O balanço do evento acabou sendo bastante modesto também: apenas cerca de 500 pessoas consideraram válida a troca de alimentos por ingresso para ver o grande ídolo do blues, que chegou a dividir o palco com Jimi Hendrix.

Não foi a primeira vez que eventos peculiares como esses aconteceram em Brasília. No começo desta década, o ex-guitarrista do The Police, Andy Summers, se apresentou ao lado do jazzista brasileiro-argentino Victor Biglione na praça de alimentação do Conjunto Nacional, shopping popular de Brasília, situado ao lado da Rodoviária. Vejam bem: Andy Summers foi integrante de uma das bandas mais famosas dos anos 80, tendo a oportunidade de se apresentar nas grandes arenas do mundo. E, de repente, o ex-The Police estava tocando na praça de alimentação – permitam-me repetir: PRAÇA DE ALIMENTAÇÃO – do shopping cuja elite brasiliense evita freqüentar. Se o som de Summers e Biglione não fosse considerado hermético, diria que o caso do guitarrista do Police seria de extrema decadência. De qualquer forma, é no mínimo engraçado ver o show do ex-parceiro de Sting circundado pelo McDonalds, pela loja de CDs Discodil e pelo restaurante Torre de Pisa.

Indo para uma seara bem mais alternativa, a banda norte-americana Fugazi fez dois shows no Teatro Garagem, em meados dos anos 90. OK, o grupo-símbolo da resistência punk/indie ao mainstream estava acostumado a tocar em locais pequenos, mas não deixa de impressionar o fato de aquelas apresentações em Brasília contarem com um público tão reduzido - se bem me lembro, o preço do ingresso estava salgado à época, o que colaborou para esse fracasso de bilheteria-, a ponto de os presentes começarem a pedir músicas para o líder da banda, Ian MacKay. Realmente, naqueles tempos áureos do grunge, nunca se imaginou assistir de uma forma tão exclusiva a uma banda de renome da cena underground como o Fugazi.

Poderia enumerar outros vários exemplos de shows em que os artistas internacionais acabaram se aproximando bem mais do que qualquer fã brasileiro poderia esperar. Da lista rápida que elaborei, lembrei-me das apresentações: da banda franco-espanhola Mano Negra no Gate’s Pub (DF); do ex-vocalista do Iron Maiden, Paul Dianno, no pub UK Brasil (DF); da líder do Pretenders, a vocalista-ativista Chrissie Hynde, fazendo participação especial no show da Orquestra Imperial, no Circo Voador (RJ); do surfista-cancioneiro Jack Johnson nas areias do Posto 9, em Ipanema (RJ); dos grunges seminais do Mudhoney tocando em uma roda de violão com os membros da banda pernambucana Supersoniques na praia de Serrambi (PE); do baixista inventor da técnica slap, Larry Graham, fazendo uma ponta no show do jazzista Stanley Clark, no Teatro Nacional (DF); das milhares de vezes em que os ídolos da disco music Gloria Gaynor e Billy Paul vieram ao Brasil, tocar em diversos lugares de gosto bastante duvidoso.

Portanto, se você é fã de alguém muito famoso hoje em dia, não desanime: num futuro próximo, é bem capaz de você estar assistindo a um show do Bono Vox ou do Thom Yorke bem de perto, num local não muito valorizado de sua cidade.

Teclado: o "patinho feio" do rock

2010-05-07T08:29:00.010-03:00

Antes de ser guitarrista, quase fui um tecladista. Eu sei, essa é uma confissão meio embaraçosa de se fazer para quem hoje empunha o instrumento-símbolo do rock. Mas, nos áureos tempos da minha infância, estimulado pela presença de um pequeno sintetizador Casio VL-Tone em meu lar, cheguei a sonhar em ser uma espécie de novo Jean Michel Jarre (e poder tocar com teclas de raio laser em palcos de todo o mundo). Sorte minha que, em determinado momento da minha trajetória musical, uma guitarra "pau de rato" Jennifer e um pedal de distorção tosqueira caíram em minhas mãos, livrando-me de um futuro de preconceitos e dificuldades dentro do rock.

Sim, porque, se existe um instrumento malvisto no gênero musical criado por Chuck Berry e seus asseclas, esse instrumento se chama T-E-C-L-A-D-O. Não sei exatamente quando tal preconceito surgiu e nem tive muito tempo de pesquisar, mas que atire a primeira pedra quem nunca ficou impaciente com as primeiras notas do solo da versão ao vivo de Light My Fire, do The Doors. — Que saco! Tira essa música chata aê!!! — já ouvi muitos amigos gritarem, torcendo o nariz para as belas notas empunhadas pelo tecladista cool Ray Manzarek. E o que dizer dos longos e virtuosos solos do maestro tecladista Jon Lord, do Deep Purple? Talvez tenham sido os trechos musicais mais xingados e/ou questionados da história do rock, mesmo que, muitas vezes, durassem apenas a metade do tempo das frases palhetadas pelo guitarrista e parceiro de banda Richie Blackmore. Discípulo de Lord, o mago Rick Wakeman foi outro que, por conta de suas longas e intrincadas composições, chegou até a ganhar uma dedicatória-protesto na música Short Songs, dos punks Dead Kennedys, que continha apenas um verso: I like short songs (traduzindo: eu gosto de músicas curtas).

Fazendo uma análise bem superficial, diria que parte do preconceito com os tecladistas se deve, contraditoriamente, à sua rica e tradicional formação musical. Ora, se o rock é um gênero em que a visceralidade e a atitude são muitas vezes mais valorizadas do que a própria música, o teclado acaba sendo um símbolo de caretice nesse universo onde os excessos são idolatrados. E, no próprio palco, convenhamos, enquanto o vocalista, o guitarrista, o baixista e o baterista estão se movimentando e "batendo cabeça", o que está fazendo o tecladista? Tocando sentado — ou em pé, mas parado como um poste —, geralmente, olhando com cara de entediado para os seus parceiros de banda se divertirem. Com tamanha desvantagem em termos de atitude, não há fã juvenil que volte de um show de rock dizendo: — Papai, quero ser tecladista.

Lembro que, na minha adolescência, quando o punk rock estava no topo da minha predileção musical, fiquei super decepcionado ao assistir a um show do The Clash na TV, no qual a banda contava com um tecladista de apoio. O pior é que o cara era filmado exatamente na hora em que suas mãos bailavam do começo ao fim das teclas, demonstrando um virtuosismo incompatível com os meus ideais na época. Lamentei profundamente a presença daquele tecladista em meio aos meus ídolos do The Clash e demorei a perdoar aquela escolha equivocada feita pela minha banda predileta.

Tentando compensar esse lado — desculpem-me o termo — "bundão" do teclado, a indústria de instrumentos musicais até tentou buscar alternativas, como a invenção nos anos 80 do teclado em formato de guitarra, para dar mais mobilidade e "radicalidade" ao instrumentista. No entanto, por ser adotado principalmente por grupos pop (no Brasil, o conjunto Polegar talvez seja o exemplo mais conhecido), o teclado-guitarra logo virou motivo de piada entre os músicos e a própria platéia, o que o levou a cair no ostracismo. Na década seguinte, os integrantes de grupos como EMF e Jesus Jones também tentaram dar uma nova roupagem ao teclado: agora, ele vinha em cores fosforescentes e era jogado para cima durante todo o show, por tecladistas com visual modernoso (para a época). Mas essa nova tentativa de "desencaretar" o teclado também naufragou, haja vista que, em meio a uma excessiva preocupação com a estética, os tecladistas dos grupos EMF e Jesus Jones se esqueciam do básico: tocar o instrumento.

A ascensão da música eletrônica nos anos 90 trouxe o teclado para um novo patamar: o instrumento passou para frente do palco, sendo tocado por componentes tão drog... quer dizer... cool quanto os guitarristas, baixistas e bateristas dos grupos de rock tradicionais. Além disso, os excessos cometidos em termos musicais ao longo das décadas anteriores — solos gigantescos nos anos 70 e timbres emulando (de forma tabajara) instrumentos reais nos 80’s — foram substituídos por execuções mais discretas e espertas. A palavra de ordem passou a ser “camadas”, numa referência às várias gravações de teclado ou sampler presentes em uma música, sempre discretas e criadas para dar um clima na faixa.

Boa parte das bandas de rock atuais já agregam essa nova ordem do teclado concretizada pela música eletrônica. Hoje, a participação do instrumento nas composições é bem mais comedida e o teclado já não representa tanta tradição e caretice como anteriormente. De qualquer forma, boa parte do preconceito ainda persiste e não estranhe se, num belo dia, você estiver ouvindo uma música repleta de teclados e for censurado por amigos, que, simplesmente, não aturam o som desse instrumento tão rico, mas, ao mesmo tempo, tão pouco compreendido no rock.

Watson lança disco de estréia neste sábado

2010-04-29T23:25:00.004-03:00

Ajudando a divulgar:

Neste sábado (1º de maio), a banda brasiliense Watson faz show de lançamento de seu primeiro CD. O evento será no Conic, a partir das 16h, com ENTRADA FRANCA. Além do show do Watson, que tocará todas as músicas do álbum, alguns covers e contará com participações especiais (estou entre elas), haverá apresentação do grupo Pedrinho Grana & Os Trocados e discotecagem das festas Criolina, Toranja, Play! e Cansei de Ser Cult. Apareçam lá.

A incrível dificuldade de um blogueiro em "entender" shows históricos

2010-04-18T20:14:00.007-03:00

No último sábado (17/4), o cantor e compositor norte-americano Jonathan Richman, ex-líder do Modern Lovers, se apresentou no Circo Voador, tradicional espaço de shows do Rio de Janeiro. A apresentação era cercada de espectativa por boa parte dos fãs brasileiros de música alternativa , por se tratar da primeira visita de Richman ao País. Para quem não conhece, o Modern Lovers, banda formada no início dos anos 70 na cidade de Boston (EUA), está na base da árvore genealógica do punk rock, influenciando artistas das mais variadas sonoridades e magnitudes: de Ramones a U2; de Talking Heads a Sex Pistols e The Clash; de Blondie ao indie rock moderno. Além disso, Richman é aquele cancioneiro que narra a — e aparece cantando na — comédia arrasa-quarteirão "Quem vai ficar com Mary?", dirigida pelos irmãos Farelly em 1998.

Em contraponto à notoriedade da atração da noite, apenas umas 50 pessoas estiveram presentes no show de Jonathan Richman — acompanhado do baterista Tommy Larkins — no Circo Voador. De passagem pelo Rio, eu estava entre os "felizardos" que puderam conferir uma apresentação que, de tão intimista, ganhou imediatamente uma aura de clássica. Afinal, não é todo dia que se pode assistir de perto e de forma tão exclusiva uma figura de tamanha relevância para a história do rock. Para se ter uma idéia, em determinado momento o público começou a pedir músicas para Richman, que ficava decidindo qual pedido deveria atender. O ídolo punk estava ali, do nosso lado, tão tocável e real quanto uma banda iniciante de uma cidade do interior.

A despeito dessa aura clássica, o único problema foi a qualidade musical do show: abaixo da média. O que se via ali em cima do palco era quase uma improvisação, com Richman puxando uma música no seu violão de nylon e Larkins tentando acompanhá-lo na bateria. Em determinados momentos, o ex-líder do Modern Lovers se afastava do microfone para dançar ou tocar percussão, impedindo que os espectadores ouvissem tanto o som do violão quanto o de sua voz. Obviamente, quem conhece a carreira solo do cantor sabe que o esquema é mais ou menos esse, mesmo: meio largado musicalmente, com foco nas letras e na performance tresloucada de Richman. De qualquer forma, não é muito interessante ver um cantor mudar, no meio da música, o tom de uma composição de sua autoria, como se a estivesse tocando errado até aquele momento. Esse lapso (ou faz parte do show?) não aconteceu uma vez apenas, mas várias. Cheguei a ouvir Richman, durante uma canção, falar consigo mesmo ao microfone: — A little bit higher (traduzindo: Um pouco mais alto) — para , a partir daí, subir em um tom a canção, para que ficasse mais adequado à sua voz.

Ao longo do show, muitos pensamentos me vieram à cabeça. O primeiro foi: — Será que as pessoas presentes na platéia gostariam daquelas composições, caso não soubessem que elas eram do ícone Jonathan Richman? Tipo assim: se o pai de um fã de indie rock lhes desse de presente um CD com aquelas canções meio latinizadas (algumas são cantadas em espanhol, italiano e francês), sem contar quem era o seu compositor, talvez a maior parte do público achasse aquilo meio esquisito. Também criei uma conversa imaginária com David Byrne e Jerry Harrison, ex-integrantes do Talking Heads (banda chapa dos Modern Lovers), em que eu começava assim: - Fui a um show de Jonathan Richman no Brasil e achei meio estranho. E um dos ex-membros do Talking Heads responderia: - Haha. Richman surtou nos anos 70 e ainda não voltou à normalidade. Às vezes, até me preocupo com ele. Minha terceira elocubração (como arremedos de conclusão) daquela noite foi pensar em como as super produções, de uma Beyoncé ou uma Madonna da vida, muitas vezes são importantes, mesmo que em alguns casos possam recair em certa frieza. Afinal, a partir do momento em um artista sobe ao palco, ele assume uma espécie de compromisso com o público de lhe conceder um espetáculo ou, ao menos, entretenimento. O punk rock (e o próprio Richman) quebrou esse padrão mainstream, mas, às vezes, é saudável recorrer a ele, só para dar uma equilibrada no excesso de largação e informalidade na relação público x artista.

Diante de tantos questionamentos em meio a um evento de público reduzido, senti-me impelido a baixar a cabeça sempre que tinha vontade de bocejar durante o show, para não "ferir os sentimentos" de Richman. Tudo bem que nos momentos em que tocou hits de sua carreira solo e dos Modern Lovers, como Pablo Picasso, I Was Dancing in the Lesbian Bar e She Cracked (ele não tocou o grande sucesso Roadrunner), a coisa até deu uma esquentada. Mas, na maior parte do tempo, o que prevalesceu foi algo aquém de uma apresentação aceitável do ponto de vista musical. Certamente, outros espectadores hão de discordar da minha opinião meio conservadora, até porque Jonathan Richman sempre simbolizou a figura do anti-herói. A postura de ser contra — ou, simplesmente, não ligar para — o sistema começa um pouco nele e nos Modern Lovers e, mesmo com todas essas...digamos...deficiências sonoras, o show desse sábado no Circo Voador foi, no mínimo, singular - provavelmente, "o mais singular" de toda a minha vida.

Essa dificuldade de "entender" apresentações históricas e clássicas me remete ao show que o Nirvana fez no Brasil, em 1993, no Hollywood Rock. Compareci à apresentação do grupo de Kurt Cobain na Praça da Apoteose, no Rio de Janeiro, certamente uma das mais emblemáticas que já presenciei na vida: Cobain rastejou no palco, cuspiu para as câmeras de TV, ironizou o patrocinador do festival e ainda colocou seu "bilau" para fora da calça. De qualquer forma, não foi um dos melhores shows, no sentido musical da coisa, a que assisti na vida. Em certo momentos, devo confessar, achei-o até entediante. Umas das minhas lembranças mais fortes desse dia é a de Flea, baixista do Red Hot Chilli Peppers, tocando um trumpete muito chinfrim e fora do tom no hit "Smell Like Teen Spirits" - o que, obviamente, estragou a música.

Na saída do show do Nirvana, lembro-me de conversar com um crítico musical do jornal O Globo, que, empolgado, disse acabar de sair de uma apresentação clássica. Meio desanimado, eu discordei dele, sem entender como um show sem qualidade musical poderia ser considerado tão histórico assim. Hoje, depois da morte de Cobain, e, principalmente, após um punhado de shows nas costas (como espectador e músico), compreendo melhor a visão daquele jornalista. De fato, nem sempre é a música que define o grau de importância de um show. De qualquer forma, talvez por uma falta de noção histórica, ou um excesso de compromisso com a música, ou mesmo uma posição mais conservadora diante da vida, ainda trocaria um par de apresentações históricas por um mero show ordinário, mas bem acertado musicalmente.

Quando uma música faz a cabeça

2010-03-11T11:10:00.013-03:00

Cor preferida, animal preferido, roupa preferida, comida preferida. As pessoas costumam eleger de forma muito particular suas predileções. Com a música, não é diferente. Vez ou outra, ouço amigos comentarem sobre alguma canção que anda fazendo a cabeça deles. A partir daí, começam a promover uma espécie de campanha em prol da sua candidata, mostrando o porquê de ela merecer ser eleita a melhor música de todos os tempos – ou, ao menos, do momento. São explanações que até soam como racionais, por se basearem em teorias musicais e fatos históricos, mas que, no final das contas, acabam revelando uma escolha quase que meramente emotiva.

Na verdade, o que aprendi ao longo dos anos é que escolher uma música preferida tem o processo bastante parecido quanto o de se apaixonar por alguém: você já tem critérios pré-estabelecidos em mente - gosta de louras, morenas, ruivas? Gosta de hardcore finlandês, pop-retrô fofo escocês, stoner rock californiano? - que podem até dar um caminho, mas não chegam a definir a sua escolha. E, assim como o nascimento de uma paixão, geralmente o amor por uma música vem quase por acaso, num momento em que os sentidos se vêem inesperadamente aguçados por estímulo sonoro arrebatador. Quando você menos espera, já está caído de quatro por uma canção.

Ainda lembro quando me “apaixonei” pela música Killing na Arab, do The Cure, no início de 1986. Estava começando a gostar de rock, mas conhecida poucas bandas: além das brasileiras de sucesso, só tinha visto pela TV os grupos internacionais que participaram da primeira edição do Rock’n’Rio no ano anterior e também sabia quem eram U2 e Dire Straits, porque estavam bombando nas rádios. Ah, e tinha medo do Kiss, porque eles vieram ao Brasil em 1983 e, além de serem mascarados, havia o boato de que pisavam em pintinhos no palco.

Voltando a Killing an Arab, lembro de ouvi-la pela primeira vez numa fita gravada pelo meu irmão. Fiquei de cara com aquela sonoridade arabesca do solo de guitarra, com o jeito esquisito de cantar do vocalista Robert Smith e com a agressividade causada pelo ataque no prato da bateria a cada mudança de acorde. Passei, então, a perseguir tudo o que havia por trás daquela canção: comprei a coletânea Standing On the Beach, pedia para colocarem a música nas festinhas que ia e até cheguei, mais tarde, a ler o livro O Estrangeiro, de Albert Camus, que inspirou a letra.

Assim como a música do The Cure, fui me atraindo perdidamente por outras canções ao longo da minha vida. A esquisita Add it Up, do Violent Femmes, foi uma que quase estourou as caixas de som da casa dos meus pais, assim como It’s Up to You and Me, do Agent Orange. E o que dizer de Stir it Up, de Bob Marley, com sua linha de baixo simples e genial? Essa rodou muitas vezes pela vitrola e pelo tape do meu 3 em 1. Gratitude, dos Beastie Boys, foi outra que chacoalhou minha mente por algum tempo, assim como I Zimbra, do Talking Heads, Going to Califórnia, do Led Zeppelin, Blue Sky, do Allman Brothers e God Only Knows, do Beach Boys, entre outras.

Para não ficar só nas velharias, vale dizer que fiquei muito de cara quando ouvi as africanidades de Mansard Roof, do Vampire Weekend. Também não passei incólume à macheza de The Lost Art of Keeping a Secret, do Queens of the Stone Age, e ao lado cool loureediano de Modern Age, do Strokes. Fiquei ainda bastante impressionado com o riff de guitarra de This Fire, do Franz Ferdinand, e a doçura e riqueza instrumental de Rebellion (Lies), do Arcade Fire. Outra música que me contagiou foi a levada pulsante do superhit Hey Ya!, da dupla Outkast.

O interessante é que essa empatia não se dá apenas com hits. A música do The Clash preferida do meu irmão, por exemplo, é Ghetto Defendant, um lado B do não muito valorizado disco Combat Rock. Outra exemplo: um grande amigo meu não liga seu amplificador de baixo sem tocar a linha de Journey to the End of the East Bay, contida no álbum ...And Out Come the Wolves, do Rancid. Tenho ainda um outro amigo que costumava ouvir infinitas vezes, num movimento de play e rewind do toca-fitas de seu carro, a música Have Love, Will Travel, da banda garageira de Seattle The Sonics. E, por fim, vale lembrar de um grande amigo baterista que, sempre que atua como DJ, não deixa de colocar a música Jump Around, do House of Pain.

O engraçado é que, nesse processo de troca de idéias e convivência com os amigos, fica quase impossível ouvir determinadas músicas sem associá-las a seus admiradores. Lembro, por exemplo, até hoje de um surfista pernambucano que tinha a música Children of the Revolution, do T-Rex, como preferida - ele gostava da versão do Violent Femmes, presente no álbum “The Blind Leading the Naked”. Não que eu fosse muito chegado do cara, mas, por algum motivo, aquela escolha musical é que me marcou. De uma maneira curiosa e muito peculiar, essas canções prediletas acabam ajudando a traçar um perfil de seus próprios fãs.

E você, qual é a sua música favorita?

Faça o que eles dizem (não faça o que eles faziam)

2010-03-01T11:22:00.008-03:00

O rock’n’roll — e a música Pop, em geral — é um gênero artístico em que a mensagem e atitude possuem quase tanta relevância quanto a própria música. Desde o seu início, em meados dos anos 50, quando Elvis Presley chacoalhava o quadril para encantar as jovens e escandalizar os mais velhos, a imagem dos ídolos tem sido cuidadosamente construída, de modo a dar um formato atraente ao produto à venda nas prateleiras das lojas de discos.

Além do apuro estético e da qualidade autoral, é importante que a imagem case com as próprias mensagens proferidas pelos artistas: o cabelo desgrenhado e os óculos escuros do folk Bob Dylan, nos anos 60, caem como uma luva nas canções que pregam a busca por uma liberdade inspirada nos beatniks, assim como as jaquetas pretas de couro alfinetadas e os cabelos espetados dos punks combinam com a agressividade da mensagem pessimista de ‘No Future’ vomitada pelos Sex Pistols no final dos anos 70.

No entanto, nem sempre a imagem que os músicos tentam passar corresponde a sua personalidade. E, nesse caso, se sua atitude dentro dos palcos é quase calculada, fora deles os ídolos costumam se trair, revelando realmente quem são.

Talvez o caso mais famoso de músico com uma imagem meio deturpada seja John Lennon. Mais conhecido por suas mensagens pacifistas, presente em músicas como All We Need is Love e Imagine, Lennon era, na verdade, um sujeito contraditório e meio agressivo, que não hesitava em confrontar quem o ameaçasse. Na famosa entrevista concedida à revista Rolling Stone, em dezembro de 1970, o ex-Beatle — acompanhado da esposa xarope Yoko Ono — atira sua metralhadora verbal para tudo que é lado, criticando a personalidade controladora de Paul McCartney e minimizando o talento de George Harrison, entre farpas a outras personalidades.

O ex-Beatle George Harrison, bastante chegado a filosofias orientais, é outro cujas mensagens presentes nas músicas parecem não corresponder exatamente às suas ações. Se no campo fonográfico, o ex-guitarrista dos Fab Four pregava o desapego material e a busca espiritual - presentes nos discos All Things Must Pass (1970) e Living in the Material World (1973) e nas músicas My Sweet Lord e Give me Love (Give Me Peace on Earth), por exemplo - na vida particular, Harrison era um cara ligado em automobilismo e grana, o que o levou até a escrever a música Taxman (cobrador de impostos, em inglês) em protesto à alta porcentagem de impostos que julgava pagar aos cofres britânicos.

Os artistas de reggae – como Bob Marley, Peter Tosh, Jimmy Cliff e Desmond Dekker - também costumam ser muito associados à luta pela paz e pela justiça. Entretanto, suas biografias revelam uma marginalidade de fazer inveja a qualquer bandido do filme Tropa de Elite. No início da carreira, Bob Marley e seus amigos rude boys — como eram conhecidos os delinqüentes juvenis jamaicanos — simplesmente ameaçavam fisicamente os programadores de rádio que ousavam não tocar suas músicas. Ou seja, uma atitude nada pacifista e rasta, como querem acreditar seus fãs.

Bob Dylan é outro artista contraditório. Se a sua imagem e as letras de suas músicas o fazem parecer o cara mais cool e engajado em causas nobres do Planeta, uma biografia não autorizada do cantor folk chegou a acusá-lo de se aproveitar do namoro com a cantora Joan Baez para alavancar sua iniciante carreira. E o que dizer dos punks? Se, por um lado, criticavam o estabilishment, por outro, o líder do The Clash, Joe Strummer, era um cara preocupado em se tornar famoso e Johnny Rotten, vocalista dos Sex Pistols, já declarou que só estava na música pela grana.

Caminhando rumo à música popular brasileira, também encontramos mensagens que não correspondem muito ao modo de vida dos seus compositores. O caso mais clássico talvez seja o da música Eu Sei que Vou te Amar, de Tom Jobim, com letra escrita por Vinícius de Moraes, que prega um amor “por toda a vida”. Ora, como se sabe, Vinícius era um poeta boêmio e apreciador de uísque, que se casou “apenas” nove vezes. Neste ponto, fica a pergunta: - qual das nove esposas Vinícius teria amado durante toda a vida dele? Outro exemplo notório é o de Chico Buarque, autor de diversas juras de amor que parecem não ser exatamente fiéis ao seu estilo pegador de ser.

Mais do que contradições, o que essas histórias revelam é que a análise da obra nem sempre traz uma radiografia correta da personalidade do artista. E aí fica a pergunta: quando os fãs usam as imagens de John Lennon ou de Bob Marley para pregar a paz, será que as estão utilizando de forma correta e consciente? Ou estariam apenas caindo numa espécie de ilusão criada por eles mesmos, com uma mãozinha da indústria fonográfica?

O rock futurista da Divine

2010-02-16T11:07:00.020-02:00

Logo que comecei a escrever este blog, em meados de 2009, postei um texto apontando o disco Órfãos da Nação, da banda crossover BSB-H, como elo entre o rock brasiliense dos anos 80 e 90. No final daquela postagem, revelava que, para mim, a ponte entre as gerações brasilienses seguintes (90's e 00's) era a banda Divine. Este texto, portanto, vem pagar a dívida deixada com os leitores.

Surgido em 1992, com o nome de Ultraviolet, o grupo começou a partir de uma colaboração de músicos das bandas OZ e Low Dream com o, à época, estudante de História e editor do fanzine Heaven Cláudio Bull. Depois de um episódio que se tornou uma espécie de “clássico” da cena independente brasiliense, em que os músicos foram assaltados dentro de um estúdio na Asa Norte, a banda deu uma parada e acabou só tomando corpo mesmo em 1993, já com integrantes “próprios”: o baterista Marcius Fabiani, o baixista Daniel Luna e os irmãos guitarristas Wilton e Wagner Rossi (este último trocaria a guitarra pelo baixo posteriormente), além do vocalista e letrista Cláudio Bull. A mudança na formação também trouxe um novo nome: agora, o grupo se chamava Divine’s Men (depois, passou a ser somente Divine) numa referência ao ator norte americano Harris Milstead (1945-1988), mais conhecido por sua persona drag queen Divine.

Foi mais ou menos em 1993 que eu conheci o vocalista Cláudio Bull. Cursávamos – também com o baterista Marcius Fabiani - a disciplina Estética e Cultura de Massa, na Faculdade de Comunicação da UnB, e começamos a trocar algumas idéias sobre música. Já nas primeiras conversas deu para sacar que o Cláudio conhecia muita coisa tanto dos clássicos quanto das últimas novidades do rock e do pop. Como ele era um pouco mais velho e sempre teve a verve de colecionador de discos e revistas, sua casa acabou se tornando ponto de encontro de muitas gerações de roqueiros brasilienses para se escutar e falar sobre música.

Muito do que se encontra no som e na postura da Divine está ligado a essa visão ampla da cena musical do líder Cláudio Bull, derivada do seu lado fanzineiro e historiador. Neste ponto, é interessante notar como a banda sempre lutou pela construção de uma cena local, seja organizando shows e festivais ou mesmo trocando informações com grupos de outros estados. Paradoxalmente a essa noção de coletivo, a própria carreira da Divine acabou sendo construída de uma maneira quase solitária (inclusive, no que diz respeito à formação de um público), sem se associar exatamente a nenhum grupo ou estilo.

Logo que a Divine lançou sua primeira demotape (Portfolio), em 1994, lembro de o Cláudio Bull rejeitar veementemente os conceitos de “brodagem” e “podreira”, tão em voga no rock brasileiro dos anos 90. Ao mesmo tempo, a banda que começou com a colaboração de membros dos Oz e Low Dream também deixou logo para trás o lado estrangeirista das guitar bands para escrever letras em português e tratar de temas como sincretismo religioso e sexualidade, com diversas referências à cultura brasileira. Na segunda metade da década de 90, quando diversos músicos da cena alternativa brasilienses resolveram trocar as guitarras pelas picapes, a Divine buscou mesclar as linguagens roqueira e eletrônica em uma terceira via. Essa fusão sonora está bem explícita no primeiro disco da banda, homônimo, lançado em 98, que conta com a produção do mineiro Paulo Beto, oriundo da escola eletrônica.

Na própria construção das canções, a Divine – cuja formação clássica, a partir do final de 1997, contava com Cláudio Bull (vocal e letras), Wilton Rossi (guitarra), Zeca (baixo) e Thiago Bouza (bateria) - também tinha um estilo bem peculiar de compor: enquanto o guitarrista canhoto Wilton Rossi usava seu background roqueiro para misturar riffs setentistas com dedilhados oitentistas, o vocalista Cláudio Bull encaixava suas letras de cunho literário, histórico e antropológico – frutos de uma forte influência de Caetano Veloso, Fellini, David Bowie e krautrock – dentro de melodias quase cerebrais. Somando a esse núcleo, entrava a bateria quebrada, esporrenta e visceral de Thiago Bouza e o baixo pulsante de Zeca (ex-Animais dos Espelhos e Câmbio Negro). Em sua última formação, a banda ainda contou com o teclado de Gustavo Cochlar (ex-Chantilly e também DJ). Se a falta de uma educação musical mais formal fazia o próprio vocal de Bull fugir algumas vezes do tom, essa espécie de carência parecia suplantada pela força das canções e a coesão da banda.

A permanência do Divine – e seu estilo meio indefinido, com toques de glam rock, punk, eletrônica e indie rock – na cena roqueira até 2002, ano de sua dissolução, fez com que a banda se tornasse uma espécie de ponte entre o rock brasiliense dos anos 90 e 2000. Se olhamos para o final da década de 90 em Brasília, o que se vê é um cenário roqueiro repleto de bandas de hardcore ou buscando um regionalismo forçado (para imitar Raimundos e Chico Science), com os músicos indies migrando para a música eletrônica. A Divine, apesar de conservar parte da linguagem indie dos 90’s, já trazia muito da informação que nos anos 2000 seria bem mais comum: um rock urbano e moderno com sotaque brasileiro, sem precisar recorrer a misturebas sonoras ou regionalismos, sem rivalizar ou se entregar para a música eletrônica.

Por conta dessa admiração e amizade com o Cláudio e os demais membros da Divine, tive a oportunidade de produzir – não muito bem, por sinal – uma demo da banda em 1995 (¡Los Chicos No Quiziéron!). Além disso, cheguei a regravar duas músicas deles com o Prot(o): Spacepop 2, na demo “Prot(o) ao Vivo”, quando este ainda era um projeto solo, em 1997, e A Rainha das Garotas Más, no segundo disco do Prot(o), já como banda, em 2006. Além disso, nós, do Prot(o), dividimos com a Divine vários shows e até uma mini turnê em São Paulo, em 2000 (que ainda contou com os goianos MQN e Motherfish). O que sempre imperou na relação das duas bandas foi um senso de respeito e cooperação.

Com o fim da Divine, a dupla Cláudio e Wilton, acompanhada pelo produtor, tecladista e cineasta Zepedro Gollo, montou um outro projeto, chamado Superquadra, cujas letras misturam um olhar contemplativo com visões ácidas sobre a arquitetura e o estilo de vida dos brasilienses. Com um pé ainda mais fincado em bases eletrônicas e espaciais, menos peso nas guitarras e uma batida mais cadenciada, o Superquadra acabou levando à frente – e até evoluindo em alguns sentidos - muito da sonoridade legada pela Divine. Em 2006, o Superquadra lançou o seu primeiro disco, Tropicalismo Minimal, eleito o melhor álbum brasileiro de rock e pop daquele ano pelo jornal Correio Braziliense. Longe de significar apenas a valorização ao momento inspirado do Superquadra, o alto do pódio na eleição do Correio veio valorizar o trabalho de mais de uma década de um grupo de músicos que, apoiado em diversas referencias do passado, sempre apostou no futuro.

Discografia (com links para baixar as gravações)

1994 - "Portfolio" - Divine's Men
1995 - "Spacepop 2" (Apenas com a música "Spacepop 2")
1995 - "¡Los chicos no quisiéron!"
1996 - "Go-go!"
1997 - "Now working!"
1997 - "lo-fi"
1997 - Participação na coletânea "Cult 22" (música "Adeptus", outtake do CD)
1997 - "Batum-hum!" (demo com a versão jungle de "Batum", que sairia no CD)
1998 - CD "Divine"
1998 - Participação na coletânea "Different Songs" (músicas "Brasília", "Lar católico" e "Alice", extraídas das demos "lo-fi" e "Now working!")
2000 - "Souvenir" - (compacto vinil lançado pela Monstro Discos)
2001 - "Panorama"

Marley & Eu

2010-02-07T14:37:00.004-02:00

Neste último sábado (6/2), o cantor e compositor Bob Marley faria 65 anos, se estivesse vivo. Seu aniversário foi comemorado em todo o mundo e, no Brasil, um dos grandes redutos de culto ao reggae, não poderia ser diferente: diversos jornais e sites publicaram matérias e emissoras de TV transmitiram programas sobre o grande ídolo jamaicano. Eu, que geralmente costumo lembrar da data, esqueci este ano e fui recordado pelo documentário Bob Marley – Freedom Road, exibido no canal de TV por assinatura Multishow, à tarde.

Conheci a música de Bob Marley em 1990, dos 15 para os 16 anos, quando um grande amigo do colégio gravou para mim uma fita cassete de 60 minutos, contendo, de um lado, a coletânea "Who’s Better, Who’s Best”, do The Who, e, do outro, os grandes sucessos do rei do reggae: No Woman No Cry, Is This Love, Redemption Song, Three Little Birds, Stir it Up, entre outras. Como meu background era 99% roqueiro, esse contato inicial com o reggae não chegou a se figurar como amor à primeira vista, mas, à medida em que o tempo passava, fui sacando mais e mais a grandeza do material que tinha em mãos. Fui ficando, então, cada vez mais interessado – de certa forma, viciado - em reggae: além de buscar sons e informações sobre o estilo, deixei o cabelo crescer e comecei a usar pulseirinhas coloridas e até um colar meio riporonga.

Foi exatamente nessa época que fiquei amigo do pessoal do Cravo Rastafari, banda formada na Escola Americana de Brasília, que se dedicava a tocar clássicos do reggae e, principalmente, Bob Marley. Conheci os caras pelo Txotxa (baterista do Cravo e atualmente na Plebe Rude), que estudava comigo no Marista e já tinha o hábito de tocar em várias bandas ao mesmo tempo – nós participávamos de grupo chamado Aspargos. O Cravo virou, imediatamente, a minha “banda de colégio” preferida. Passei a acompanhar os shows deles e fiquei bastante feliz quando, no ano seguinte (1991), fui convidado para integrar a banda, pois o guitarrista e vocalista Marcus Navarretti tinha ido estudar fora da cidade.

O Cravo Rastafari - que em 1993, depois de algumas mudanças na formação e no som, veio a se tornar o Maskavo Roots - acabou sendo uma grande escola musical para mim: como se tratava de uma banda cover (principalmente de Bob Marley), tínhamos que nos ater somente à entender e tocar da melhor forma possível os arranjos das canções. E, neste ponto, as canções de Bob Marley nos ensinaram o que há de melhor na música pop: são simples harmonicamente, mas ao mesmo tempo ricas em melodia e com ótimas sacadas de arranjo; são pops e com refrões grudentos, mas nem por isso vazias (pelo contrário, a sua marca é a espiritualidade).

Uma vez assisti num programa de TV o rapper Marcelo D2 expressando uma opinião da qual compartilho: Bob Marley não tem músicas ruins. Você pode até não gostar de uma ou outra, mas todas as canções do rei do reggae são bem elaboradas, possuem seu valor tanto como música quanto como mensagem. Neste sábado, assistindo ao documentário exibido no Multishow, fiquei pensando como Bob Marley sempre tinha o que falar: a impressão que fica é que não há um verso enxertado ou enrolado para fechar a métrica da letra. Além disso, as imagens utilizadas para expressar as suas opiniões são absolutamente fantásticas, de uma beleza poética de dar inveja a qualquer literato.

Talvez por conta dessa carga de espiritualidade, desse “sempre ter o que dizer”, Bob Marley é reverenciado quase como uma divindade por seus seguidores – embora o culto excessivo por “rastas louros classe média” seja, muitas vezes, um pé no saco. E, no mundo do reggae, é interessante como Bob Marley é absoluto. Isto é, você pode até gostar de Peter Tosh, Max Romeo, Burning Spear, Bunny Wailer, Lee Perry ou outro grande artista do gênero, mas todos sabem que Bob Marley está em um ou dois degraus acima dos demais.

Uma das imagens fortes que tenho da música de Bob Marley tem a ver com uma fase física e mental meio frágil na minha vida, na qual, por conta de um rompimento no menisco (cartilagem do joelho), minha perna ficou algum tempo fora do lugar. Depois de ortopedista ao qual consultei me dizer que a coisa só se ajeitaria na mesa de cirurgia, consegui reencaixar a perna e o joelho numa bela tarde, ouvindo Bob Marley no meu quarto. Durante algum tempo, atribui o “milagre” ao efeito terapeutico da música do rei do reggae. Embora, hoje, duvide um pouco dessa teoria mística que eu mesmo criei, ainda desconfio que a música de Bob Marley traga algo maior, em termos espirituais, do que sonha a nossa vã filosofia.

A MPB e seus discos com timbres horripilantes nos anos 80

2010-01-29T10:01:00.010-02:00

Um pouco antes do Natal, dei-me de presente o conserto da vitrola aqui de casa. Já estava sem ouvir discos de vinil há um punhado de anos, pois meu antigo som simplesmente enferrujou todo por dentro e o “novo” – comprado de segunda-mão pela minha amada companheira – quebrou uma semana depois de conhecer seu novo lar. Após uns dois anos de enrolação, resolvi botar a mão na massa – quer dizer, no bolso – e levá-lo a uma oficina de eletrônicos no final da Asa Sul, a qual, cumprindo os mandamentos da “Lei de Gerson”, acabou cobrando um preço alto por um serviço aparentemente simples.

Resolvida a novela do conserto da radiola, fui voltando tímida e lentamente a ter contato com os meus discos de vinil. Neste ponto, vale explicar que não sou daqueles fetichistas que idolatram os bolachões-de-sei-lá-quantos gramas, por possuírem mais graves e a capa grande de 31cm x 31cm, coisa e tal. Pelo contrário, tenho uma certa desconfiança em relação a esses puristas e chego a apostar que 50% das pessoas que sustentam tal discurso não sabem nem o que estão dizendo - simplesmente, voltaram a ouvir vinil porque é moda. E, aliás, cá entre nós, tem coisa mais chata do que ficar mudando o lado do disco a cada 27 minutos? Se existe uma revolução, ela se chama MP3, na minha humilde e contestatória opinião.

(Tá, mas vamos deixar meus dramas de lado para começar a porcaria dessa postagem. Aliás, já notaram o meu enorme ‘talento’ para nunca ser direto? O que era para ser uma abertura simples de texto acaba se tornando quase que uma descrição de personagem do livro ‘O Guarani’, de José de Alencar. Poxa, como todos já leram no título, essa postagem se presta a falar dos timbres horripilantes da MPB nos anos 80, mas, simplesmente, não consigo entrar no tema...)

O fato é que voltei a ouvir meus LPs. Modéstia à parte, devo confessar que, se o meu acervo é mediano do ponto de vista quantitativo, no lado qualitativo o considero razoavelmente rico. Nele, pode-se encontrar, por exemplo, um 3 Feet High and Rising, do De La Soul, ao lado de Please to Meet Me, do Replacements; ou um Extra Texture, de George Harrison entre vários do Led Zeppelin e do The Clash; Doolittle, do Pixies, está encostado no New Tradicionalists, do Devo, que, por sua vez, faz fronteira com What’s Going On, de Marvin Gaye, seguido por High Energy Plan, do 999, e por aí vai. Saindo da praia estritamente roqueira, há também diversos bolachões legais de música brasileira - alguns comprados e outros herdados de parentes - que vão de Lupicínio Rodrigues a João Bosco; do maestro soberano da bossa nova Tom Jobim aos tropicalistas Caetano Veloso e Gilberto Gil; do samba rock de Jorge Ben às crônicas urbanas de Noel Rosa e de seu discípulo Chico Buarque, entre outros.

Nessas minhas empreitadas pelo terreno fértil da MPB, além do imenso talento de nossos compositores, pude reparar uma característica não muito positiva na indústria fonográfica nacional: os timbres horrorosos dos discos gravados nos anos 80. Essa percepção, já existente desde a minha adolescência, tomou uma dimensão maior e mais amadurecida a partir da audição, há alguns dias, do álbum Luar (A gente precisa ver o luar), lançado em 1981 pelo compositor baiano Gilberto Gil e que marca o início de sua parceria com o produtor Liminha. À medida que o long play rodopiava na vitrola, ficava estarrecido como a caixa de bateria soava magra, como os instrumentos e a voz “brilhavam” mais do que o necessário, como a presença dos sintetizadores (tocados pelo bam-bam-bam Lincoln Olivetti!) era exagerada e como, enfim, a escolha equivocada dos sons de grande parte dos instrumentos ajudava a esconder a qualidade daquelas composições.

A partir daí, comecei a lembrar de faixas gravadas por artistas da MPB na década de 1980 que possuíam “desvios de conduta” muito parecidos com os apresentados no disco Luar. Vieram-me à cabeça timbres tenebrosos, como os do roquinho magro Punk da Periferia (do disco Extra, de 1983), de Gilberto Gil, uma espécie de afronta ao estilo criado por Chuck Berry & Cia, que não se salva nem com a participação do talentoso Lulu Santos nas guitarras. E o que dizer de Eclipse Oculto (Uns, de 1983) e Podres Poderes (Velô, de 1984), de Caetano Veloso, que poderiam servir de matéria-prima para uma aula do curso de produção musical – neste caso, de como nunca se gravar um disco - na renomada faculdade de Berklee, nos Estados Unidos? A música Lilás (do disco homônimo, de 1984), de Djavan, mesmo que gravada no exterior com músicos brasileiros e estrangeiros de primeira linha, é outra a chamar a atenção pelos teclados de gosto bastante duvidoso.

Neste momento, uma pessoa mais ligada em estilo poderia me dizer que os pedais de guitarra Flanger, Chorus e Phaser, os sintetizadores, as caixas de bateria mais magras, os baixos estalados e os famigerados solos de sax alto são produtos típicos dos anos 80, seja no Brasil ou no exterior. Portanto, essa estética encontrada nas músicas dos artistas de MPB só estava sintonizada com uma tendência mundial. De fato, isso explica muita coisa, mas não tudo. Na minha opinião, a questão é que, nos discos de MPB, essa fórmula foi, digamos, mais mal aplicada do que no resto do mundo – ou, sendo mais específico, nos EUA e na Inglaterra. Isso porque, por mais que os nossos músicos tenham incorporado a guitarra à música brasileira (desde a Jovem Guarda, passando por Mutantes e Novos Baianos), a tradição da dita MPB é quase que exclusivamente baseada no esquema voz e violão de cordas de nylon. Prova disso é a veneração dos tropicalistas pelo “gênio indomável” da bossa nova João Gilberto.

Ao ouvirmos os discos de música brasileira dos anos 70, notamos que, apesar de a estrutura de estúdio ser claramente mais modesta, os timbres e arranjos parecem ter mais estilo e ser, de certa forma, mais compatíveis com o “swing” - essa palavra é muito escro** - da nossa MPB: baixos graves, baterias “cheias”, etc. Tudo bem que rola uma ou outra coisa miserável, tipo o timbre da guitarra do solinho de Réu Confesso, de Tim Maia (pedal Fuzz ligado diretamente na mesa de som, que, de tão esquisito, virou cult), mas, em geral, o resultado em matéria de timbre nos anos 70 parece ser mais adequado e ter mais personalidade do que o da década seguinte. Basta ouvir discos legais, como Expresso 2222, de Gilberto Gil (1972), Tábua de Esmeralda, de Jorge Ben (1974) e Cinema Transcedental, de Caetano Veloso (1979), para concretizar essa visão.

O problema é que, na virada para os anos 80, o crescimento da pop music e do rock parece ter influenciado nossos compositores a caminharem rumo ao que era considerado moderno à época. Vem daí a busca pela sonoridade mais eletro-eletrônica e a batida mais reta. No entanto, como os artistas não tinham tanto conhecimento desse tipo de som e suas próprias composições se originavam de um lado mais acústico e ritmado, os resultados ficaram meio artificiais. Afinal, existe algo mais contraditório do que Caetano Veloso tocando violão ovation de nylon no videoclipe do pseudo-rock Podres Poderes? Neste ponto, nem a produção de feras como Liminha (e seu assistente de produção à época Chico Neves) nos discos de Gil, e do norte-americano Erich Bulling, no disco Lilás, de Djavan, conseguiu ajudar nossos artistas a terem um resultado sonoro mais aceitável.

O disco Estrangeiro, lançado por Caetano Veloso simbolicamente no fim da década de 1980 (precisamente, em 1989), trouxe novos ares para a produção musical brasileira. Capitaneado pelos norte-americanos Peter Scherer e Arto Lindsay (este último criado em Pernambuco), membros da banda experimental Ambitious Lovers, o disco muda completamente a forma de tratar os timbres e a execução dos instrumentos: o pop rock passa a dar lugar a algo mais cerebral; os solos dos instrumentos são trocados por execuções mais sóbrias, contidas; os próprios timbres perdem o excesso de brilho e passam a ser mais secos. Apesar de soar meio chato e cabeçóide na maioria do tempo, Estrangeiro traz de volta para os trilhos uma personalidade que havia se perdido desde a década de 70.

De qualquer forma, não se pode negar que os anos 80 foram um período rico em matéria de composições e da própria exposição dos artistas da MPB. Mercadologicamente falando, foi a década que deu estabilidade à carreira desses músicos. É uma pena que os timbres não estejam exatamente à altura das canções.

A encruzilhada dos 'Guidis'

2010-01-21T22:01:00.007-02:00

A banda gaúcha Superguidis lançou nesta semana um single, composto por três músicas, que abre as portas para a chegada do seu terceiro disco, em março, pela gravadora Senhor F. Já tinha escutado algumas das novas canções nos shows que eles fizeram em Brasília no ano passado, mas não havia conseguido “interiorizá-las” ainda. Geralmente, preciso de mais de uma audição, de preferência no aconchego do meu lar, para sacar o que uma composição oferece aos meus ouvidos (que frescura, né?).

O fato é que os Superguidis são uma banda suficientemente relevante para que a chegada de um disco gere uma certa expectativa e seja fruto de comentários entre seus admiradores (nos quais me incluo), principalmente aqui em Brasília, espécie de segunda casa dos gaúchos de Guaíba. Dona de dois ótimos discos (com destaque para o primeiro) e de shows arrasadores, a banda conta com uma dupla de compositores-guitarristas inspirados, uma cozinha pra lá de competente e um vocalista com afinação e timbre foras de série.

Pela amostra que ouvi nos shows e do que saquei agora pelo single, está clara a intenção de dar novos rumos ao som e chacoalhar um pouco a fórmula “cozinha reta e guitarras entrelaçadas influenciadas por Guided by Voices e Pavement”, que orientou os dois primeiros álbuns da banda. Agora, as referências parecem mais amplas, englobando desde canções levadas ao violão até um lado mais esporrento do grunge (talvez a maior influência do vocalista/compositor Andrio Maquenzi).

O single é composto de duas músicas inéditas – “Não Fosse o Bom Humor” e “Visão Além do Alcance” – e uma versão acústica de “Malevolosidade”, hit do primeiro disco da banda. Se em uma primeira escutada, as canções inéditas parecem não se diferenciar tanto assim das músicas dos discos anteriores, mais atentamente pode-se obter pistas significativas para algumas mudanças no som da banda.

“Não Fosse o Bom Humor”, num antagonismo com o título, parece trazer uma letra mais séria, deixando para trás a ironia juvenil e pra cima dos álbuns anteriores. O som também parece mais direto, num jogo de guitarras um pouco menos torto a la Stephen Malkmus e mais “superfuzz bigmuff”. Os riffs espertos, certeiros e pegajosos, tão característicos dos Guidis, continuam lá guiando a música, mas um pouco menos na cara.

Já “Visão Além do Alcance” traz o lado baladeiro já revelado em canções dos álbuns anteriores, como “O Banana” e “6 Anos”. A música se inicia com um bordão puxado de guitarra, numa afinação que parece ser na nota Ré (em vez do tradicional Mi) – para quem não conhece, vale explicar: a banda é “mestra” em mudar afinações – e os instrumentos entram em seguida, compondo o tradicional entrelace sonoro dos Guidis. Um ataque de toda a banda anuncia a estrofe, que é cantada sobre uma base meio “solta”. O chão da música volta entre as estrofes e se reforça no refrão. Quando se acha que pegou a música, ela nos surpreende com a entrada de cordas onde normalmente seria o solo de guitarra.

A versão acústica de “Malevolosidade” vem para provar a popularidade da banda no underground: a partir da segunda estrofe, quem canta é a platéia, que leva a música até o fim. Aficcionados por música independente que são, os Superguidis recorrem à escola indie para manter de forma criativa e irreverente na mesma faixa tanto os aplausos e a conversa com o público quanto uma segunda versão da música, desta vez cantada de cabo a rabo pelo vocalista Andrio.

De fato, os Superguidis conseguem unir qualidade e (potencial de) popularidade, algo raro no rock brasileiro atual. No entanto, o que parece ser o melhor dos mundos à primeira vista, acaba colocando a banda numa encruzilhada. O problema é que talvez eles precisem ampliar o seu público para se profissionalizarem (no sentido financeiro e prático da coisa). Bala na agulha e carisma para isso o grupo tem de sobra, mas talvez precise fazer certas concessões para penetrar no duro jogo do mercado musical.

Por outro lado, podem negar a crueza do mercado e se fixar somente na música. Mas, caindo na realidade, até quando uma banda consegue se manter junta sem retorno financeiro? Ainda mais jovens como são, a tendência é que as futuras profissões ditem os rumos de suas vidas, caso deixem a música somente como hobby.

Obviamente, há uma terceira via, mais equilibrada talvez, que faz com que uma banda “vença” pela consolidação de sua obra. Então, o que restaria seria ter paciência, tranqüilidade e ir lançando os discos de forma despretensiosa até que a coisa tome pernas. Mas, sinceramente, acho que isso quase tão raro e imprevisível quanto ganhar na loteria. Até porque uma banda é composta por vários membros (os Guidis são quatro), que tendem a mudar seus desejos e necessidades ao longo dos anos.

Ainda não ouvi o terceiro disco inteiro do Superguidis e não sei para que lado, ao certo, apontam as mudanças que senti no single. Estarão eles mais pops ou mais herméticos? Mais sérios ou conservarão um pouco da sua ironia juvenil? E de onde viria exatamente essa mudança: de uma necessidade interior ou de algo mais direcionado para o mercado? Pelo que conheço dos caras, sempre me chamou a atenção em seus perfis apenas uma boa e salutar ambição artística – nunca financeira ou mercadológica. Por outro lado, o verso que fecha, de forma meio melancólica, a música “Visão Além do Alcance” talvez entregue um pouco do dilema vivido pela banda neste momento: “Com tanto artifício assim, é difícil ser você mesmo”.

Do meu lado, torço para que os Superguidis continuem sendo eles mesmos - embora saiba que a batalha seja dura.

O “verdadeiro” espírito do rock

2010-01-14T23:27:00.006-02:00

Quando ainda fazia terapia, há cerca de um ano, numa das tresloucadas e, às vezes, existenciais conversas com meu psicólogo, fui questionado sobre o que simbolizava o rock para mim. Depois de uma breve vasculhada na mente, respondi que o verdadeiro espírito do rock estava associado a uma imagem que assistira naquela semana: dois adolescentes atravessando a pé, à tarde, o Eixão - gigantesca avenida de Brasília - conversando e carregando nas costas seus instrumentos musicais.

A minha explicação para a relevância daquela cena estava ligada à pureza que ela transmitia para mim: aqueles garotos pareciam estar descobrindo a música, tocando por prazer, sem que a banda lhes desse algo em troca; na sua rotina juvenil, tinham tempo livre para conversar (sobre música e outros assuntos) e o rock, provavelmente, seria apenas um meio para celebrar a sua amizade. É obvio que, sem conhecer aqueles adolescentes, muitos daqueles sentimentos seriam apenas frutos de uma projeção da minha parte. Mas, sem querer bancar o Freud, acho que a imagem vista por mim simboliza uma relação pura pela qual a maioria dos músicos já passou.

Devo confessar que sinto uma certa emoção quando leio histórias sobre os primeiros encontros dos membros de bandas de rock consagradas e/ou que gosto. Para mim, é como se esses momentos carregassem consigo o verdadeiro espírito do rock – se é que essa “entidade” existe. Acho legal saber, por exemplo, que, por trás de uma carreira regada a excessos dos bad boys Rolling Stones, existe um singelo encontro entre os jovens Keith Richards e Mick Jagger em uma estação de trem em Dartford, a caminho de Londres. Reza a lenda que Richards teria avistado o ex-colega de jardim de infância, Jagger, carregando discos de blues debaixo do braço, o que teria motivado o guitarrista a abordar o futuro vocalista de sua banda.

Assim com o primeiro encontro dos compositores dos Stones, existem muitas outras belas histórias no rock, como a do dia em que Paul McCartney impressionou John Lennon, ao tocar na guitarra a música Twenty Flight Rock, de Eddie Cochran, ganhando seu passaporte para integrar a banda de colégio The Quarrymen, espécie de embrião dos Beatles. Ou, trazendo para uma realidade brasileira e mais atual, é legal notar que os membros dos aclamados Los Hermanos começaram a banda despretensiosamente a partir de uma amizade surgida nos corredores da PUC, no bairro da Gávea, no Rio de Janeiro, ou que os brasilienses do Bois de Gerião, ainda garotos, se juntavam para tocar ska e punk rock na sobreloja de uma locadora de vídeo, na 308 sul.

Por mais que cresça e ganhe fama, dinheiro e mulheres, muito da essência que uma banda carrega vem desses primeiros encontros. De certa forma, conhecer a fase de germinação de um grupo é quase como ter acesso ao seu DNA: lá estão as referências musicais mais profundas e as relações pessoais mais honestas e verdadeiras entre os membros. E, mesmo havendo outros momentos grandiosos e criativos ao longo da carreira, é naquele início onde estão as células-tronco capazes de salvar a música dessas bandas em momentos de enfermidade (causadas, na maior parte, pelo ludibriante mundo do showbizz).

Não quero, com isso, fazer uma ode à ingenuidade ou à alienação, tão comuns à juventude. Na verdade, sei que muitas das grandes conquistas da vida vêm com a maturidade, com o progressivo movimento de conhecer a si mesmo. E admito que, quanto mais avanço na idade, mais admiro obras feitas por artistas maduros, que trocaram a mera manifestação hormonal por uma abordagem mais cerebral. No entanto, o que quero dizer bate um pouco com aquele pensamento que fala sobre as pessoas não deixarem de lado a criança que existe dentro de cada um. Por um lado, talvez isso funcione com bandas de rock também: uma vez que os músicos se entregam totalmente ao lado duro e demasiadamente adulto da vida, parecem, ao mesmo tempo, estar jogando fora uma parte importante de sua essência.

Quando o Prot(o) acabou, há cerca de dois anos, sentia uma desmotivação quase anciã com meio musical, como se eu fosse uma espécie de precoce dinossauro do rock independente (poxa, eu só tinha 33 anos!): em meio a preocupações com fechamento de shows, capas de discos, aluguéis de estúdio, contatos com a mídia e com produtores nos bastidores dos festivais, havia deixado meio de lado o que tão e somente havia me atraído para aquele mundo: A MÚSICA (com letras maiúsculas mesmo). Não vi isso acontecendo só comigo, mas com muitos outros amigos que se aventuravam a levar a vida musical um pouco mais a sério. E, com poucas exceções, o que observei foi a paixão e a inocência juvenis dando cada vez mais espaço para uma relação fria, burocrática e, às vezes, cínica com o seu maior objeto de paixão.

Talvez por ter submergido tanto neste oceano obscuro da não-música é que a simples imagem de dois garotos atravessando a avenida com seus instrumentos nas costas tenha soado tão forte e libertadora naquela tarde de um fim de semana qualquer.

Feliz Metal (e um próspero Ano Novo)

2009-12-23T16:28:00.006-02:00

Aproveitando a chegada das festas de fim de ano, deixarei este blog em recesso até a primeira — ou, dependendo da preguiça, segunda — semana de janeiro. Como anuncia o cartaz que estampa esta postagem, desejo a todos um Feliz METAL e um próspero Ano Novo (do Calendário Maia?).

Como muitos, não gosto dessa época do ano, não: acho tudo demasiadamente melancólico e repleto de obrigações sociais (comprar presentes para a família em shoppings lotados, ceias tardias e sonolentas, festas chatas de reveillon em que todos se fantasiam de médico, etc, etc). Isso sem contar com a trilha sonora regada a sinos e corais — isso me faz lembrar de um amigo que não gostou do Pet Sounds, do Beach Boys, por considerar as músicas muito natalinas — e reuniões de trabalho com a famigerada brincadeira de amigo-oculto. Tudo bem que existe um lado bom nessa história toda: a folga no trabalh... quer dizer... o sentimento de comunhão entre as pessoas. Neste ponto, apesar de não ser dos mais religiosos, a minha impressão é que a comemoração do nascimento de Cristo — motivo pelo qual se celebra a data — fica meio que em segundo plano neste período.

Continuando com minhas lamúrias natalinas, devo confessar que, depois de ir a alguns shoppings procurar um colchão novo para tornar o meu sono um pouco menos agitado, já estou de saco cheio de ouvir falar das maravilhas do tal pillow top de VISCOELÁSTICO, a aclamada tecnologia desenvolvida pela NASA. Isso me leva a refletir: será que, por ser sempre noite no espaço sideral, os astronautas tendem a dormir mais? E, de repente, por essa razão, a NASA, com tantas descobertas relevantes para fazer, como a busca de água em Marte ou o efeito da radiação solar em Mercúrio, optou por deslocar um importante grupo de cientistas só para desenvolver novos tipos de ... colchões e travesseiros? Sei lá, na minha cabeça, o sono estaria em último lugar na lista de prioridades de um astronauta que acabou de fazer sua primeira viagem ao exterior (da Terra, neste caso).

E o que dizer da febre do algodão egípcio de trocentos fios? Pelo que lembro dos meus tempos de escola, o Egito só possuía terras cultiváveis às margens do — gigantesco, é verdade — Rio Nilo. Então, não parece possível, do ponto de vista geográfico, o país ter se tornado produtor do algodão utilizado em todos os lençóis do mundo. E por que essa paranóia do número de fios, de uma hora para outra? Até alguns anos atrás, as pessoas só se preocupavam se o lençol esquentava muito ou não, se era verde, vermelho ou florido. Mas, agora, ninguém dorme com nenhum pano que não tenha menos que 200 fios. Isso também não faz muito sentido, na minha opinião, e, provavelmente, na do líder indiano Mahatma Ghandi, se estivesse vivo.

Posso dizer que o meu alento neste desgastante período natalino foi ter sido atendido por cientistas – ou eram vendedores vestidos de cientistas? Caramba, acabei de descobrir a farsa - na loja de uma famosa marca de colchões. Brincadeiras à parte, a pergunta é: será que, ao instituir o uso de jaleco aos vendedores, o dono da loja realmente achava que iria conferir credibilidade à marca? Será que existe a possibilidade de algum cliente maluco cair nessa também tresloucada estratégia de marketing? A linha de pensamento do cliente incauto deve ser: — Eu só compro colchões aqui, pois estou sendo atendido por cientistas, que têm a real capacidade de resolver os meus problemas de sono.

No meio de tantos questionamentos, reclamações e chateações, só me resta tomar um Frozen Yogurt com “topping” de lichia, respectivamente o sorvete e a fruta do momento, para refrescar as idéias.

Feliz Natal, um 2010 repleto de rock'n'rooooooll e até o ano que vem.

PS: A foto do pitoresco cartaz que ilustra o post foi tirada por um grande amigo na comercial da 516 sul, em Brasília. Infelizmente, não pude comparecer ao evento, mas, pelas atrações, posso dizer que o bicho deve ter pegado por lá.

Raul Seixas, ídolo dos mendigos

2009-12-15T23:14:00.005-02:00

Na noite do último dia 3/12, assisti na Rede Globo ao programa Por Toda Minha Vida, dedicado ao cantor e compositor Raul Seixas. Em 21 de agosto deste ano, completaram-se duas décadas que o grande roqueiro baiano nos deixou e o programa conseguiu resgatar muitos fatos interessantes de sua vida, por meio do depoimento de amigos (como o parceiro Paulo Coelho) e familiares (as três filhas e duas ex-esposas do cantor).

Não sou exatamente um fã devoto de Rauzito, mas posso dizer que gosto (do que conheço) de sua obra e até guardo simpatia por sua personalidade. Nessas minhas incursões superficiais pelo universo “raulseixiano”, pude observar um aspecto intrigante no legado deixado pelo cantor: Raul Seixas se tornou uma espécie de ídolo dos mendigos. Comecei a notar essa peculiaridade há quase quinze anos, quando meus companheiros do Maskavo Roots e eu paramos o carro em um sinal (ou farol?) perto da avenida Rebouças, em São Paulo. Um morador de rua veio em nossa direção pedir esmola e, quando viu nossos instrumentos, nos disse animadamente: — Vocês são músicos? Então, devem gostar de Raul Seeeiiixas. É aí, ele começou a cantar o sucesso Gita (1974), fazendo um movimento de air guitar com as mãos. Depois desse episódio, passei a notar vários outros mendigos – refiro-me àqueles que não têm necessariamente origem pobre, mas, por diversas questões, passaram a viver nas ruas e à margem da sociedade – com o repertório de Rauzito na ponta da língua, inclusive um que cantava na saída da minha formatura de faculdade.

Mas de onde vem essa empatia entre Raul e os moradores de rua? Acredito que o visual do roqueiro baiano já dê pistas sobre tal fenômeno: a barba mal feita, as roupas meio envelhecidas e/ou em tom marrom e o cabelo desgrenhado fazem com que o parceiro de Paulo Coelho seja uma espécie de imagem e semelhança dessa peculiar facção do seu público. Isso faz com que o roqueiro baiano adentre um terreno no qual galãs, como Roberto Carlos, Fábio Jr. e Brian Ferry - caras que costumam cantar de terno e barba feita – nunca conseguiriam.

Porém, mais determinante do que o próprio visual talvez seja o conteúdo das canções de Raul: músicas que propõem uma sociedade alternativa, que celebram caubóis foras-da-lei, que falam sobre a experiência de ser um maluco beleza. Quando resolve aliviar e penetrar no universo infantil, qual personagem Rauzito escolhe? O Carimbador MALUCO, é óbvio. Essas características fazem com que a música de Raul Santos Seixas seja um prato cheio para quem não se liga muito em regras, se tornando uma espécie de retrato do “way of life” dos maltrapilhos.

Como não sou profundo conhecedor da obra de Raul, antes de escrever esse texto resolvi pesquisar nos sites de busca uma possível relação do roqueiro baiano com os moradores de rua e acabei me deparando com uma canção chamada “Diamante de Mendigo” (1979). Com título e temática servindo talvez de contraponto ao sucesso “Ouro de Tolo” (1973), a letra fala sobre a importância da família, evocando valores, de certa forma, tradicionalistas. Chega a ser até contraditório que a letra mais careta de Raul trate exatamente dos mendigos – imagino que essa facção “outsider” do seu público deva ter rejeitado veementemente a “homenagem” feita por Raul, da mesma forma que os punks execraram a equivocada canção “Punk da Periferia” (1983), de Gilberto Gil.

Voltando aos 20 anos sem Raul Seixas, lembro até hoje do dia de sua morte: era uma segunda-feira e, se não me engano, recebi a notícia às 13h, assistindo ao Jornal Hoje, da Rede Globo. À noite, no programa Boca Livre, apresentado por Kid Vinil na TV Cultura (retransmitida pela TVE em Brasília), a banda Maria Angélica, comandada pelo jornalista/músico Fernando Naporano - e tendo Kid Vinil como convidado - encerrou o programa tocando duas pérolas do grande roqueiro baiano: "Aluga-se" e "Rock das Aranha" (1980).

Um grande amigo meu costuma dizer que é um contrassenso chamar Raul de “o grande roqueiro brasileiro” ou o “pai do rock brasileiro”. Na visão dele, Raulzito era um exímio cantor de...boleros! De fato, do inicío com Os Panteras até o fim de sua carreira, Raul Seixas foi maneirando as guitarras em seu som e enveredando por caminhos que quebram qualquer visão mais ortodoxa do que seja considerado rock. Discussões de rótulos à parte, o mais importante talvez seja a singularidade e a criatividade contidas na obra do compositor e cantor baiano, frutos de uma salutar mistura de referências, que iam de Elvis Presley a Luiz Gonzaga. É essa marca muito pessoal que faz Raul Seixas figurar entre os grandes nomes da música brasileira.

A popularidade de Raulzito, mesmo nos dias de hoje, é de chamar a atenção, tanto pelo lado musical quanto pelo aspecto mítico que ronda sua personalidade. Fazendo uma pesquisa informal com amigos, notei que, ao zapear pelos canais, vários resolveram “parar” na Rede Globo quando se depararam com o programa sobre Raul Seixas. Isso porque sua música, sua vida e suas histórias ainda são alvos de curiosidade de seu público – seja este formado por maltrapilhos ou não. Afinal, não é qualquer artista que se transforma em uma espécie de grito de guerra genérico da platéia (já um tanto batido, é verdade) em shows do mais variados gêneros musicais: – Toca Rauuuuulllll!!! - berram os espectadores, a plenos pulmões.

29 anos sem John Lennon

2009-12-08T17:52:00.002-02:00

Há exatos 29 anos, morria John Lennon, assassinado pelo fã(nático) Mark Chapmann quando voltava para o edifício Dakota, onde morava em Nova Iorque. Na vaga lembrança dos meus seis anos de idade, ainda me recordo do apresentador Fernando Vanucci anunciando o falecimento do beatle, no encerramento do Globo Esporte. Naquela época, eu não sabia quem era John Lennon e nem mesmo os Beatles, mas o clima de comoção na voz do apresentador da Globo e das pessoas ao meu redor me marcou a ponto de manter o fato vivo na memória até hoje.

Demorei a descobrir a genialidade de John Lennon. Como costumo dizer, sou fã tardio dos Beatles: acabei “descobrindo” – na verdade, deixando os preconceitos de lado em relação a – o grupo a partir de uma fita do Sgt. Pepper’s emprestada por um amigo em 1995. Como grande parte dos sons que nos conquistam, aquelas músicas caíram em minhas mãos no momento certo, numa fase pessoal de melancolia - e um certo psicodelismo - que batia bem com a mensagem por trás do disco lançado em 1967. Além disso, eu já possuía ferramentas musicais suficientes para entender aquele som.

Arrebatado pela rica musicalidade dos Beatles, passei a prestar atenção nas letras e melodias de John Lennon. Devo confessar que demorei também a entender sua grandiosidade como letrista – algo que sempre havia lido a respeito nas revistas de música. Cria dos anos 80 que sou, achava que letras interessantes deveriam trazer algo de hermético, como fez muito bem Ian Curtis, ou irônico, como nos ensinou Morrissey, ou mesmo trazer algumas figuras de linguagem e referência à Literatura, tão bem utilizadas por Renato Russo. John Lennon expandiu a minha visão ao revelar como uma letra extraordinária pode ser, simplesmente, direta e confessional, construída a partir de palavras simples (querem exemplo melhor do que Jealous Guy?).

Mas, geralmente, quando tratamos de um gênio, não podemos falar só de uma qualidade. Além do lado confessional, John Lennon também sabia como ninguém, em suas letras, ser bem humorado (Being for the Benefit of Mr. Kite), psicodélico (Lucy in the Sky with Diamonds), falar nas entrelinhas de um caso extraconjugal (Norwegian Wood), expressar sua angústia durante um período conturbado (Help), tratar de questões espirituais (Across the Universe ou God). Nas melodias e harmonias, Lennon também era brilhante, conseguindo unir tradição (Revolution é um rock’n’roll básico) e estruturas nada convencionais, como Strawberry Fields Forever, Tomorrow Never Knows e Revolution 9.

Numa entrevista à revista Rolling Stone em dezembro de 1970, John Lennon diz se considerar um bom guitarrista, por saber levar bem o ritmo na base. O beatle também era um excelente vocalista. Mais do que tudo, o que esses talentos revelam é que John Lennon tinha uma visão global de música e sabia muito bem como deveria funcionar uma banda, lição aprendida desde os seus tempos de The Quarrymen.

Bem, não sou daqueles caras que conhecem Beatles ou mesmo a carreira solo de Lennon com profundidade e, certamente, outros amigos escreveriam esse texto com muito mais propriedade do que eu. Na verdade, o intuito desse relato é apenas apresentar uma visão pessoal da obra de John Lennon, aproveitando para prestar uma homenagem a um dos maiores ícones do século XX.

O dia em que Bob Marley virou Papai Noel

2009-12-07T23:20:00.013-02:00

Quando vi o flyer acima, no balcão da Pizzaria Dom Bosco da 107 sul, achei-o engraçadão. Resolvi, então, trazê-lo para compartilhar com vocês. É esquisito, mas, assim como o Botafogo, tem coisas que só acontecem com o Reggae. Essa filipeta é um exemplo típico desse mundo tão particular: em primeiro lugar, a extrema reverência em relação ao ídolo Bob Marley, tratado muitas vezes como uma espécie de deus. Neste caso, os organizadores do show inovaram ao colocar Bob numa posição de... Papai Noel!!! E a maneira como isso ocorreu é, de certa forma, hilária: botando um gorrinho vermelho na cabeça do cantor jamaicano, num esquema de copiar e colar que remete ao velhos tempos de Paint Brush. Ah, e para não quebrar a tradição, não poderiam faltar as cores da bandeira da Etiópia (verde, vermelho e amarelo) na fonte que compõe o título do evento

Apesar de não entender bem o que significa "Reggae do Noel", fiquei fã desse flyer. Gostei também do nome do MC: Promissor. Fiquei me perguntando o que acontecerá com ele, caso um dia venha a fazer sucesso. Certamente, terá que trocar de nome.

Bom, mas não quero ficar sendo irônico o tempo todo, não. Na verdade, o quero dizer é que, apesar da tosqueira e da absoluta falta de estilo, acho que tem um lado legal nessa ingenuidade gráfica. Como os leitores desse blog podem notar, às vezes fico meio de saco cheio dessa cultura do estilo. E, querendo ou não, artes toscas como essa acabam mostrando um outro lado da moeda no meio musical, talvez mais espontâneo. Ok, também não quero me tornar uma pessoa que, por certa birra, passa a cultuar a ignorância e o mau gosto. Mas, sei lá, de repente, pode haver um meio termo entre os dois mundos (o estiloso e o naive).

Deixando o papo (metido a) cabeça de lado, curtam aí o flyer do Reggae do Noel e tirem suas próprias conclusões.

Relações de gênero: mulheres baixistas

2009-11-30T09:22:00.009-02:00

Minha amada companheira — uso esse termo para designá-la porque, embora moremos juntos, não somos casados no papel — é meio feminista. Eu digo “meio” porque, apesar das opiniões contundentes, ela não chega a ser radical em seu discurso. De qualquer forma, mesmo ponderada, ela e suas amigas estão sempre atentas a qualquer tratamento desigual em relação aos gêneros, mal que, desde os tempos mais remotos, coloca as mulheres numa condição injustamente desfavorável em relação aos homens.

Eu, pelo meu lado, devo confessar que nunca dei muita bola para esse tipo de questão. Talvez simplesmente por ter nascido homem; ou, de repente, por vir de uma família mais conservadora do que a dela; ou ainda porque as mulheres sempre tiveram muita força de decisão em minha vida: desde minha criação matriarcal até a chegada a um mercado de trabalho dominado em grande parte por mulheres — pelo menos, na minha área de atuação, o Jornalismo. Tudo bem que eu já quis esganar uma chefe ou outra, mas isso nunca foi pelo fato de elas serem do sexo oposto, e, sim, pela estressante e desgastada convivência no trabalho.

Apesar das diferenças, minha companheira e eu costumamos ter uma convivência harmoniosa, na qual o que reina é a tentativa de compreensão da visão do outro. No entanto, um ponto que ainda não conseguimos chegar a um consenso se refere à presença de mulheres em grupos de rock. Enquanto ela tende a valorizar - e até comemorar como uma conquista - a participação feminina em bandas, apoiada nas dificuldades impostas às mulheres na execução de atividades predominantemente masculinas, eu tenho uma postura mais ligada à qualidade musical destes membros de saias, sem levar muito em consideração o seu background. Na minha visão, o mundo é moderno o suficiente para permitir de forma indiscriminada a participação de qualquer pessoa, seja “macho ou fêmea”, em uma banda de rock.

Exposta essa divergência de visões, aproveito para revelar uma questão de gênero que, particularmente, vem me incomodando nos últimos tempos: a presença em bandas de rock cada vez maior de mulheres baixistas que não possuem a mínima intimidade com seu instrumento. Não sei exatamente quando começou tal fenômeno, mas possivelmente Kim Gordon, a musa do Sonic Youth, tenha uma grande parcela de responsabilidade em sua proliferação. Gordon, como se sabe, é uma figura de personalidade forte e extremamente estilosa. Sem sua voz quase sussurrada e presença de palco, 50% do charme do Sonic Youth correria o risco de se perder. Por outro lado, qualquer conhecedor de música sabe que a baixista do Sonic Youth não toca e não canta absolutamente nada e a impressão que dá é que, sem as orientações do marido Thurston Moore e do chapa Lee Ranaldo, ela não conseguiria diferir o dó do ré na primeira corda de seu baixo.

Kim Gordon seria apenas um caso isolado se não tivesse feito escola. Depois dela, várias outras baixistas não muito boas, entre elas, Kim Deal, do Pixies, passaram a integrar bandas alternativas, muitas vezes passando a impressão de que o estilo está sendo priorizado em relação à música. Antes que me interpretem mal, gostaria de ressaltar que sou grande fã tanto de Kim Deal (no Pixies e como compositora de mão cheia no Breeders) quanto de sua mentora e grande amiga Kim Gordon — indubtavelmente, grandes artistas e matrizes dessa série. No entanto, não é raro os melhores artistas darem origem às piores escolas e, dos anos 90 para cá, o que mais vi foram mulheres ocupando o posto de baixista em bandas de rock (em detrimento da guitarra, da bateria ou do teclado). E, infelizmente, com raras exceções, elas parecem ter pouquíssima intimidade com o instrumento, o que as deixa num papel próximo ao figurativo — pelo menos, em termos musicais.

E aí, entra a minha pergunta: — Será que conquistar espaço desta forma, deixando a música de lado e apostando quase que 100% no estilo, é realmente um passo à frente para as mulheres? De alguma maneira, apesar de todo o senso de modernidade por trás dessa atitude, tal posicionamento não colaboraria para mantê-las na condição de mulheres-objeto? Poxa, outro dia vi uma banda formada só por meninas no programa Experimente, comandado por Edgard Piccoli no canal por assinatura Multishow, e confesso que fiquei meio envergonhado pelo resultado musical apresentado. E, mais uma vez, no lugar da música estava o quê? O velho e conhecido estilo.

Neste ponto, cabe uma explicação sobre o próprio papel do baixo nas bandas de rock. Quem não é músico talvez não saiba, mas o baixo é visto — de maneira quase sempre ignorante — como o instrumento mais fácil de se tocar. Não que exista instrumento elementar: se você tem compromisso com a música, qualquer pedaço de pau oco se torna desafiador. No entanto, o baixo geralmente aparece como o coadjuvante dentro de um grupo, aquele que fica segurando a nota tônica enquanto a bateria e guitarra se encarregam de ornamentar a canção. Por conta dessa visão, digamos, mais prática (ou rasa, sob outro ponto de vista), o incompreendido baixo costuma cair nas mãos de instrumentistas que possuem menos destreza. E está aí, na minha opinião, o motivo de estar tão em voga entre algumas garotas estilosas.

Voltando às minhas discussões musicais com minha companheira, o que sempre argumento em relação a essa minha implicância com as mulheres baixistas é que não costumo levar em consideração se um membro de uma banda é do sexo feminino ou masculino. O que importa para mim é se esse componente é bom ou não na tarefa que desempenha. E, neste ponto, não precisa ser nenhum instrumentista virtuoso para angariar a minha simpatia. Uma das baixistas da qual sou mais fã, por exemplo, é Tina Weymouth, do Talking Heads, que está longe de ser uma virtuosa, mas compensa essa falta de manejo com idéias interessantímas, ótimas referências musicais e uma pegada única. Outras baixistas fenomenais são a careca Meshell Ndegeocello, essa meio virtuosa, e Michele Stodart, do Magic Numbers, com uma pegada forte e ótimo conhecimento técnico do instrumento.

Saindo um pouco do território estritamente do baixo, diversas outras mulheres na música pop me chamam a atenção pelo seu talento: Chrissie Hynde (Pretenders), Debbie Harry ( “a” Blondie), PJ Harvey, Bjork (no Sugar Cubes e na carreira solo), Aretha Franklin, Rita Lee, L7, Joan Jett e Lita Ford (The Runaways), Exene Cervenka (X), The Bangles, Suzy Quatro, Luscious Jackson, Madonna, Karen Carpenter, Cindy Wilson e Kate Pierson (The B-52’s), Carole King, Cindy Lauper, Patti Smith, Siouxsie Sioux (Siouxsie and the Banshees), Stevie Nicks e Christine McVie (Fleetwood Mac), entre tantas outras. Longe de ficar ligado na sua feminilidade, o que me atrai no trabalho delas é a sua musicalidade. Para mim, é apenas isso o que conta e por isso sou um pouco cético em relação à onda de mulheres baixistas que não tocam nada.

De qualquer forma, falar dessas relações de gênero é sempre difícil, por se tratar de um tema muito delicado. De fato, acredito que, por infelizmente ainda viverem em uma situação desfavorável socialmente, as mulheres precisam de todo o apoio para participar de diversas atividades, principalmente as relegadas ao universo masculino. E, de maneira alguma, esse texto tem a intenção de se opor a isso. Pelo contrário, o intuito é questionar se uma ação pretensamente afirmativa não estaria gerando um efeito reverso. Mas, como disse nos primeiros parágrafos, essa é a visão muito particular de um homem que pode estar deixando de levar em conta muitas peculiaridades e dificuldades enfrentadas pelas mulheres. Podem deixar que, se eu tiver falado besteira, conto com um sistema de patrulhamento poderoso dentro da minha própria casa.

Observatório da Imprensa Musical — Parte 2

2009-11-25T16:40:00.011-02:00

Ontem (24/11), lendo a revista Megazine, do jornal O Globo, deparei-me com uma pequena nota que me incomodou bastante. O textinho, publicado na coluna Liquidificador, de André Miranda e Télio Navega, dizia assim: A revista britânica New Musical Express fez uma lista dos melhores discos da década. Deu Strokes na cabeça, com This is it (sic). Nada contra o grupo de Julian Casablancas. Mas e o White Stripes? E o Arcade Fire? Esses, sim, tiveram relevância na década.

Cá com meus botões, não acho correto ser determinista nessas questões de gosto ou julgamento de qualidade artística. Mas, por outro lado, precisamos de certos parâmetros para nos guiar e, neste ponto, vale recorrer à objetividade de dados e fatos históricos. Diante disso, considero que os jornalistas que redigiram a nota cometeram um erro crasso ao contestar a votação da NME. Ora, se existe um disco relevante na virada do milênio, que ditou grande parte do que seria feito dali em diante por toda uma geração, esse álbum se chama justamente Is this it. Que o digam Franz Ferdinand, Arctic Monkeys, Libertines e tantos outros grupos que apareceram nos últimos anos, alguns deles começando a partir de covers ou incentivados por shows da banda novaiorquina. Is this it, portanto, se tornou a matriz de uma geração e, como disse muito bem um amigo meu, pode ser considerado o Nevermind dos 00’s, guardadas as devidas proporções.

Diante de tamanha influência e relevância do álbum de estréia dos Strokes, não há chance nesssa corrida para White Stripes e muito menos para Arcade Fire. OK, a banda de Jack White lançou grandes discos ao longo dos últimos anos e construiu uma carreira talvez até mais sólida do que a dos amigos de Nova York. Mas, como álbum, Is this it continua sendo o mais importante da década, de forma quase incontestável. Quanto à colocação sobre o Arcade Fire, sinceramente essa nem vale muitos comentários. Tudo bem, o grupo canadense é simpático e compõe boas canções, mas comparar qualquer lançamento feito por eles com o primeiro disco do Strokes é não demonstrar muita noção da (recente) história do rock. Ou seja, os jornalistas do O Globo, ao criticarem a publicação inglesa NME, provavelmente baseados em seus gostos pessoais, acabaram escorregando feio no quiabo.

Por falar na revista Megazine, outro dia me deparei com um equívoco até meio engraçado na mesma publicação – se não me engano, na coluna Qual é a boa?, escrita por William Helal Filho. A nota falava sobre um show do Capital Inicial que aconteceria na cidade do Rio de Janeiro naquela semana — foi, portanto, antes do acidente do vocalista Dinho. Em determinado trecho da nota, o jornalista resolveu utilizar um sinônimo para Capital Inicial e acabou usando o termo “a banda dos irmãos Ouro Preto”. Bem, quem conhece o mínimo da trajetória da banda de Brasília, sabe que o Capital é formado pelos irmãos Lemos (Flávio, no baixo, e Fê, na bateria). O vocalista Dinho tem até um irmão que já se envolveu com música, chamado Ico, o qual integrou brevemente a Legião Urbana, mas este não deve mexer com música há pelo menos vinte anos.

Diante desse quadro, a minha recomendação para o editor da revista Megazine, do jornal O Globo, é que dê um bom puxão de orelhas nos seus jornalistas musicais. Se continuarem assim, merecem ganhar de presente o troféu abacaxi da imprensa musical ou, sei lá, alguns meses de castigo na cobertura policial.

Clínica de Desintoxicação Musical

2009-11-17T17:25:00.008-02:00

Outro dia, estava almoçando no aprazível e levemente insosso restaurante natural perto da minha casa, quando, de repente, um som de saxofone começou a temperar de melodia o recinto. O repertório, composto por standards da música pop, assemelhava-se um pouco à programação da rádio Antena 1, criando um ambiente agradável — ou pelo menos, não incômodo — à clientela do lugar.

Apesar de conhecer e até gostar da maioria das músicas, fiquei questionando em minha mente aquela forma tão batida de “arte”: Por que essas músicas de bar e restaurante tendem a carecer tanto de estilo e de uma execução mais visceral? Como esse saxofonista, que me parece bom tecnicamente, poderia agregar valor e adicionar “sal” ao seu trabalho? Nesse sentido, passei a pensar nas minhas próprias carências musicais, conseqüências diretas das minhas escolhas desde a adolescência, que me fizeram me aproximar de alguns gêneros e deixar outros de lado. E, assim como eu, passei a notar que quase todos os meus colegas músicos e/ou amantes de música tinham também as suas opções bem definidas, o que, se sob certo ponto de vista, ajudavam a construir os seus estilos, sob outro, deixavam lacunas na sua musicalidade. No meio desses meus devaneios, tive uma idéia que me pareceu bem pertinente naquele momento: montar uma espécie de Clínica de Desintoxicação Musical.

E para que serviria exatamente essa clínica? Bem, a idéia é que o cliente que decida se internar — ou, ao menos, fazer uma consulta — seja avaliado por especialistas em Rock e Pop, que consigam detectar os seus vícios musicais, para, a partir dessa análise, receitar os remédios adequados para a superação da “doença”. No caso, os medicamentos seriam compostos por playlists de gêneros que esse amante da música nunca ouviu, seja por preconceito ou simplesmente por falta de oportunidade.

Para mostrar como funcionaria a clínica, vamos utilizar como primeiro exemplo o tal saxofonista que ouvi outro dia no restaurante natural. Ora, sua música, apesar de apresentar técnica, carece claramente de estilo e inventividade. Então, o que receitar para esse paciente? Bem, acredito que doses cavalares de Velvet Underground, Suicide, David Bowie e Roxy Music possam fazer muito bem a esse rapaz. Como ele parece gostar de música brasileira, colocaria no composto um pouco de Arnaldo Baptista fase Loki, de Walter Franco fase Revólver e até um punk rock sujo da seminal coletânea Começo do Fim do Mundo (Lixomania ou Olho Seco poderiam cair bem). O importante é mostrar que nem sempre a melodia é a única solução de uma composição: às vezes, precisamos de atitude e descompromisso com a técnica também.

Partamos para outro caso hipotético: o de um viciado em punk rock e sons mais pesados. De certa maneira, sua visão musical é antagônica à de um músico de bar: provavelmente esse paciente, se for músico, toca mal e acha que o discurso ideológico é o principal elemento de uma canção. Bem, ele precisa se desapegar dessa visão minimalista e de excessiva contestação. Desta forma, a receita para sua desintoxicação pode estar em aplicações diárias de Billy Joel, Paul McCartney e Elton John. Acredito que um Burt Bacharach e até um disco de rock progressivo (Yes ou King Crimson) possam fazê-lo bem. Numa última etapa, esse viciado em discursos ideológicos poderia ouvir a orquestra de Ray Conniff e a Orquestra Filarmônica de Berlim, regida por Herbert von Karajan, tocando a 6ª sinfonia de Beethoven.

Ok, Ok. Às vezes, o tratamento parece radical, mas, acreditem, tem grandes chances de fazer efeito. Vamos então a um terceiro caso, para tentar tornar mais clara essa minha revolucionária idéia: um músico de banda indie, com fortes influências shoegazer. Bem, esse paciente precisa urgentemente elevar a sua autoestima e masculinidade musical, não necessariamente nessa ordem. Nesse caso, é bom mantê-lo afastado de bandas como Belle & Sebastian, Cardigans e outras fofices. Em contrapartida, esse músico deverá ouvir, de preferência amarrado a uma camisa de força, grupos como Van Halen, AC/DC, Creedence Clearwater Revival e, numa última e talvez traumática etapa, ZZ Top. Para torná-lo desapegado de artes gráficas estilosas, seria interessante ainda apresentá-lo às capas horrorosas do Funkadelic.

O último caso trata de músicos virtuosos, que gostam de Stevie Vai, Michael Angelo e Paul Gilbert, mas que revelam alguma afinidade com o gênero brasileiro Chorinho também. Bom, para esses pacientes, um bom punk rock (para dar ideologia) e alguns conjuntos de reggae (para ensinar questões de ritmo e alma) podem fazer toda a diferença. O tratamento deve se iniciar com doses de The Clash e Peter Tosh, progredindo para Rancid, Aswad, Steel Pulse, e terminando com Asian Dub Foundation, Arctic Monkeys e talvez alguns Raggas.

De qualquer forma, essas são fórmulas generalistas, apresentadas somente para exemplificar o trabalho da futura clínica. Caso, ao ler esse texto, você identifique algum vício em sua formação musical, o recomendável é procurar um especialista que possa ajudá-lo a se desintoxicar. Não tente se automedicar, pois alguns quadros podem até se agravar com tal procedimento. Os especialistas da Clínica de Desintoxicação Musical estão de braços abertos para receber aqueles que desejam ampliar e até mesmo refinar seu gosto musical.

As guitarras entrelaçadas e nada convencionais de Nova York

2009-11-10T23:31:00.009-02:00

É engraçado como a música, geralmente, está conectada à região de onde provem. Assim como sotaques, hábitos, tradições, culinária, muitas vezes é possível identificar a origem de uma banda apenas pela sua sonoridade. Às vezes, essa marca regional é tão forte, que acaba dando nome ao próprio estilo musical, como o Southern Rock (ou rock sulista) de Allman Brother, Lynyrd Skynyrd e Creedence Clearwater Revival, ou o Rock Gaúcho, aqui no Brasil.

A cidade de Nova York, nos Estados Unidos, é muitas vezes apontada como o grande centro cosmopolita do mundo. E, não à toa, suas bandas costumam trazer esse lado, digamos, mais “descolado” em sua bagagem: de Velvet Underground a Ramones; de Blondie a Vampire Weekend; de New York Dolls a Beastie Boys; de Talking Heads a Rapture, a sensação ao se ouvir esses grupos é a de abrirmos uma porta para o mundo, de estarmos penetrando num caldeirão multicultural, mesmo que isso signifique estar enclausurado em uma selva de pedra.

Além do perfil antenado, o rock novaiorquino também é responsável por gerar uma das escolas mais interessantes em termos instrumentais: a das guitarras entrelaçadas e nada convencionais, que, diante de tantas referências, ousam fugir à herança clássica e pura do Blues. Nesse aspecto, três bandas de gerações diferentes representam de forma brilhante essa característica: Television, Sonic Youth e The Strokes. Funcionando num esquema quase de árvore genealógica, elas se calcam na produção de seus antepassados, sempre prestando reverência ao patriarca da vanguarda novaiorquina: o Velvet Underground, banda que vestia roupas pretas e falava de heroína em pleno florescer do colorido movimento hippie; que vendeu poucos discos em sua época, mas veio a influenciar várias gerações posteriores.

Dessa herança do Velvet Underground somada às vanguardas do jazz (Be Bop, Fusion), surgiram as guitarras do Television, em meados da década de 1970. Tive a oportunidade de assistir a uma apresentação deles no Tim Festival, em 2005, e posso dizer que foi um dos melhores shows da minha vida. É impressionante como as guitarras de Tom Verlaine, com timbres quase limpos, casam com os sons mais saturados do doidão Richard Lloyd, formando uma espécie de balé de riffs e solos de guitarra, no qual mal se delimita o fim da frase de um e o início da do outro. Acredito que, como eu, muitos tenham dificuldade de, só de ouvido, saber quem é Lloyd e Verlaine dentro das canções do Television, tamanha a interação dos guitarristas. E a tal “renúncia do blues” faz com que, ao se assistir às apresentações da banda, vejamos os dedos dos dois guitarristas (principalmente, Verlaine) deslizando pelos braço da guitarra por caminhos não muito tradicionais, numa jam session que parece residir num lugar entre o rock e o jazz. Realmente, para um estudante de guitarra, o show do Television vale quase como uma aula do mestrado.

A dupla de guitarristas da banda oitentista Sonic Youth, Thurston Moore e Lee Ranaldo, parece ter estudado com afinco as lições dos mestres do Television, aprofundando ainda mais a questão do experimentalismo, com toques de música dodecafônica e John Cage. E se a onda do Television eram as jams e as escalas inusitadas, o Sonic Youth preferiu investir nas afinações esquisitas, nas longas e climáticas partes instrumentais e na extrapolação dos limites do próprio braço da guitarra. E, novamente, o entrelace das frases cria uma enorme dificuldade — no bom sentido — de identificação de quem é um ou outro guitarrista nas músicas do Sonic Youth. Um ponto interessante da sonoridade das guitarras da banda tem a ver com o que um grande amigo declarou a respeito do Lee Ranaldo (e que parece servir para o Thurston Moore também): a impressão que dá é que ele pega as escalas musicais naquelas revistas de violão e guitarra e só toca as notas onde o pontinho NÃO está marcado. Ou seja, é dissonância em sua forma mais pura, empunhada por uma das mais criativas e entrosadas dupla de guitarristas do rock.

Por fim, mas não menos importante, temos a rapaziada (esse termo é meio escro***) do The Strokes. Celebrado no começo do milênio como a grande sensação do rock moderno, o grupo de John Casablancas deixou de ser novidade e passou a ser alvo de algumas críticas no decorrer de sua carreira. Hypes à parte, trata-se de um bandão, formado por uma das mais afiadas dupla de guitarristas que já vi. Também tive a oportunidade de assisti-los no Tim Festival de 2005 e fiquei de cara com as guitarras extremamente bem timbradas, arranjadas e executadas. Na linhagem das guitarras novaiorquinas, o Strokes deixa o experimentalismo do Sonic Youth e as jams do Television para trás, investindo numa fórmula mais pop, de músicas de curta duração. De qualquer forma, a dupla de guitarrista do Strokes está longe de ser tradicional: tanto na forma de tocar seca e de riffs certeiros de Albert Hammond Jr. quanto nas frases mais longas virtuosamente empunhadas por Nick Valensi estão presentes referências ao lado jazzy do Television e à própria visão mais “aberta” de pensar da escola de rock novaiorquina.

Três grandes bandas de rock formadas por fenomenais duplas de guitarristas. O que Television, Sonic Youth e The Strokes nos provam é que, a despeito de toda a tradição que cerca o já cinqüentão rock’n’roll, as guitarras ainda podem surpreender e extrapolar limites, quando pensadas de forma inteligente e criativa. Neste caso, o cosmopolitismo novaiorquino ajudou a escrever um dos capítulos mais sofisticados e elegantes dessa história.

Banguela Records: há 15 anos, nasciam os primeiros dentes

2009-11-01T10:47:00.011-02:00

Num tempo não muito distante, em que o acesso à internet ainda engatinhava, o modelo de império musical comandado pelas grandes gravadoras dava seus primeiros sinais de declínio. A despeito de as majors e seus artistas populares ainda gerarem receitas consideráveis, a experiência exitosa dos selos independentes - principalmente, na Inglaterra e nos Estados Unidos - desde os anos 80, mostrava que bandas boas não se acham (ou compram?) em qualquer esquina. De vez em quando, algumas dessas bandas e gravadoras menores cometiam a ousadia de furar as barreiras mercadológicas impostas pelas majors, estourando nas rádios e caindo no gosto do grande público.

Para não tomar rasteiras dos nanicos, as grandes gravadoras, além de utilizarem o velho recurso de contratar as tais bandas em ascensão, acabaram encontrando uma outra maneira de resolver o problema: passaram a se aliar aos seus pretensos adversários, incorporando - e, às vezes, até criando – selos alternativos. A iniciativa se mostrava boa para os dois lados: os selos pequenos ganhavam com a estrutura de distribuição das majors, enquanto as grandes gravadoras adquiriam qualidade artística e uma espécie de laboratório para seus futuros projetos. O estouro do Nirvana em 91, revelado pela pequena gravadora Sub Pop (e depois contratado pela major Geffen), trouxe glamour e respeito às bandas alternativas e fez com que as grandes gravadoras, mais do que nunca, buscassem uma maneira de se acomodarem a esse novo universo underground.

O Banguela Records, atrelado à major Warner, foi talvez o selo brasileiro com mais visibilidade nos anos 90. Apesar de existiram outros bastante relevantes no mesmo período - como o Chaos e o Superdemo, da Sony, e o Plug, da BMG - o Banguela conseguiu imprimir sua marca de uma forma diferenciada, muito por conta da notoriedade trazida pelos proprietários do selo, os Titãs, e, principalmente, pelo perfil visionário e bom de marketing do seu diretor artístico, o jornalista e produtor musical Carlos Eduardo Miranda.

Eu tive a sorte de participar um pouco dessa história, por meio do Maskavo Roots, uma das primeiras bandas contratadas pelo Banguela. Meus primeiros contatos com o que viria a ser o selo foram feitos em maio ou junho de 1993, quando o Fred, baterista do Raimundos, levou a 1ª demo do Maskavo para a redação da revista Bizz, onde trabalhava o Miranda, à época bastante dedicado à divulgação de grupos novos. Foi o próprio Fred quem nos informou que o Miranda havia gostado da nossa demo e, desta forma, nos incentivou a entrar em contato com o jornalista da Bizz. Nesta época, o selo ainda nem existia e o meu intuito era mais negociar uma nota sobre o Maskavo na Bizz, o que realmente acabou rolando naquele segundo semestre de 1993.

Passei, então, a falar por telefone com o Miranda de vez em quando. Além de atuar como jornalista, ele também dava algumas dicas para as bandas iniciantes: - Tenta arrumar um show aqui, fala com o produtor “x” acolá. Lembro até de um dia em que o Miranda me passou o telefone de dois “caras legais” para trocar idéias em Recife: Fred 04 e Chico Science. Acabei nunca ligando para eles, mas, outro dia, fazendo uma faxina na casa dos meus pais, achei engraçado me deparar com o papelzinho onde tinham os números anotados. Bem, mas voltando propriamente ao selo, recordo-me de, em uma dessas ligações para o Miranda, ele me dizer que tava rolando uma idéia de montar uma gravadora com os Titãs, para eu ficar ligado naquilo, pois o Maskavo era uma das bandas cotadas para entrar naquele barco.

Dito e feito. Acho que um pouco depois da primeira edição do seminal festival independente Junta Tribo, ocorrido em agosto de 1993, em Campinas, a Folha de São Paulo publicou uma matéria com os Titãs, na qual eles falavam sobre a criação do Banguela Records, selo cujo nome, se não me engano, havia sido inspirado na música (e título do disco) Jesus Não Tem Dentes no País dos Banguelas. A foto que estampava a matéria era do Raimundos, que, mesmo sem ter disco lançado, já era apontado com a grande revelação do rock brasileiro naquele período, ao lado de Chico Science & Nação Zumbi. Se o quarteto de forró-core brasiliense era nome certo dentro do Banguela, as outras quatro bandas que comporiam o cast do selo ainda não estavam definidas: havia uma certa disputa entre um grupo maior de umas sete ou oito bandas, entre elas, o Maskavo.

Apesar de, do alto do meu pessimismo e baixa auto-estima, eu ter certeza absoluta de que o Maskavo não passaria nessa peneira, recebi no final do ano de 1993 um telefonema do Miranda, dizendo que havíamos sido selecionados para o cast do selo, ao lado de mundo livre s/a (PE), Little Quail and the Mad Birds (DF), Graforréia Xilarmônica (RS) e os já certos Raimundos (DF). A idéia, segundo o Miranda, era gravar os Raimundos em janeiro de 1994, no estúdio Be Bop, em São Paulo, e, em março, o mundo livre e o Maskavo ao mesmo tempo, cada um em sua cidade de origem. Em determinado momento, houve uma mudança de planos, com o Little Quail passando à nossa frente, pois já os membros estavam morando em São Paulo, e, depois, o Kleiderman, projeto paralelo dos “patrões” Branco Mello e Sérgio Britto. A gravação do Maskavo, portanto, foi adiada para o segundo semestre de 1994, o que, num primeiro momento, nos deixou bastante ansiosos.

Para controlar a ansiedade e sabermos um pouco mais do que estava rolando, além de falarmos por telefone quase toda semana (com as secretárias Lara e Renata), passamos a visitar esporadicamente a sede do Banguela, no próprio estúdio Be Bop, no bairro de Pinheiros, quando íamos fazer show em São Paulo. Em uma dessas visitas, tivemos a oportunidade de escutar a mixagem do álbum Samba Esquema Noise, do mundo livre s/a. Lembro de ficar impressionado com a ousadia e doideira da música Terra Escura, que trazia um sampler ao contrário de um jingle de uma marca de molho de tomate. Neste ponto, era comum encontrar membros das outras bandas na sede do selo também, que acabava servindo como QG para os artistas do cast. Além dos nossos colegas brasilienses do Raimundos e do Little Quail, tivemos bastante contato com o pessoal do mundo livre, pois, além da citada visita à mixagem deles, durante a nossa gravação foram os pernambucanos que estavam lançando o seu disco em São Paulo. Com os gaúchos do Graforréia, acabamos tendo pouco contato, pois, assim como a gente, eles continuaram morando em seu estado de origem - além de terem optado por gravar o disco de estréia da banda, Coisa de Louco II, no Rio Grande do Sul.

Uma das características do Banguela era a extrema informalidade como as coisas eram tocadas, o que, por muitas vezes, acabava descambando para o lado da desorganização, mesmo. Nós, do Maskavo, por exemplo, assinamos o nosso contrato numa filial do McDonalds em Ipanema (RJ), levado pelo Fred, baterista do Raimundos. Além disso, dava para ver, tanto nas nossas visitas quanto na gravação do nosso disco, que as leis da administração não eram tratadas de forma muito ortodoxa por ali. O lado positivo era a ótima estrutura de gravação oferecida para as bandas: um ótimo estúdio (Be Bop), com excelente técnico (Beto Machado) e produtores tarimbados (Miranda e, às vezes, um Titã). Além disso, a experiência e os contatos jornalísticos do Miranda faziam com que os discos tivessem um amplo espaço na mídia. Ou seja, não havia esquema melhor para uma banda iniciante naquele período.

Quanto aos Titãs, alguns apareciam mais no estúdio do que outros: lembro de muitas visitas do Branco Mello a nossa gravação, para encontrar o seu amigo Nando Reis, um dos produtores do nosso disco. Eles também costumavam emprestar equipamentos para as gravações (guitarras, baixo, bateria, violão, amplificadores) e até faziam participações nos discos - Nando Reis tocou viola no disco dos Raimundos, Branco Mello e Sérgio Britto fizeram backing no disco do Maskavo e até a atriz Malu Mader, esposa de Toni Belotto, cantou na faixa Musa da Ilha Grande, do disco do mundo livre. Os Titãs ainda davam espaço para as bandas do selo abrirem os seus shows: cheguei a assistir a um show de abertura dos Raimundos, na boate brasiliense Zoom, na turnê do álbum Titanomaquia. Nós, do Maskavo, chegamos a abrir um show para os Titãs, gratuito, no Vale do Anhagabaú, mas tomamos pedrada da platéia depois de tocarmos um “sambinha” (trecho da nossa música “Quinta”).

Um aspecto interessante se refere aos bastidores do selo. Lembro de, durante um jantar na gravação do nosso disco, o Miranda comentar chateado o fato de ter perdido o Planet Hemp para o selo Superdemo (Sony), tocado pela produtora Elza Cohen. Pelo que entendi, a banda de D2 e Cia. estava negociando o lançamento de seu primeiro álbum com o Banguela, mas a demora no fechamento de um acordo somado ao recebimento de uma boa proposta da Sony fizeram a banda carioca cair fora. Hoje, olhando para trás, dá para ver que, de fato, o selo dos Titãs estava perdendo uma espécie de “mina de ouro” naquele momento.

O primeiro disco do Maskavo Roots, gravado em outubro e novembro de 1994, acabou sendo lançado apenas em março de 1995. Acho que o do Graforréia Xilarmônica saiu um pouco depois, ainda no primeiro semestre do mesmo ano, fechando o ciclo das primeiras cinco bandas contratadas pelo selo. Depois disso, o Banguela realizou outros lançamentos, como a boa estréia dos campinenses do Língua Chula, os primeiros álbuns dos brasilienses do Pravda e dos paulistanos do Psycho Drops, a coletânea de bandas curitibanas Alface e uma fita cassete dos paulistas do Party Up. Mas essa fase eu já não acompanhei tão de perto.

O engraçado é que o fim do Banguela, de certa forma, parece estar associado ao Maskavo Roots. Mais ou menos na época do lançamento do nosso disco, os Titãs voltaram a ser agenciados pelo mega empresário Manoel Poladian, famoso pelos “sucessos” de RPM, Rita Lee, Elis Regina, Jorge Benjor e dos próprios Titãs, entre outros. Por incentivo dos diretores do selo (Miranda e o norte-americano Brian Buttler) e dos próprios Titãs, acabamos negociando e assinando contrato com o Poladian, no dia em que abrimos o show para o Jorge Benjor no Ginásio do Ibirapuera. Parecia uma jogada de mestre: éramos a banda mais pop do selo e estávamos indo para as mãos de Midas do mega empresário Manoel Poladian, o que tinha tudo para nos fazer estourar e, por sua vez, trazer recursos para a gente e para o próprio selo. No entanto, alguma coisa deu errado naquele processo e o tiro saiu pela culatra: pelo que sei, o advogado do Poladian teve acesso aos contratos do Banguela (com a Warner e com as bandas) e, achando toda a estrutura jurídica e administrativa deveras amadora, considerou que aquilo poderia trazer risco financeiro para os Titãs. Daí em diante, na minha visão da história, só vi as coisas degringolando para o selo e para a própria carreira do Maskavo Roots.

Pelo que acompanhei posteriormente, já a distância, depois de sair do Maskavo, vi o Banguela se transformando em Excelente Discos (nesta nova etapa, filiado à Abril Music) e lançando discos legais, como o primeiro do Acabou La Tequila e o segundo do mundo livre, e coisas que eu considero de gosto mais duvidoso, como Virgulóides e Maria do Relento. Quanto às cinco bandas originais do Banguela, com o fim do selo, cada uma foi tomando o seu rumo: os Raimundos, estouradíssimos, passaram a integrar o cast da Warner; o mundo livre continuou a parceria com o Miranda na Excelente Discos; o Little Quail foi para a Virgin; o Maskavo foi para o selo Chaos, da Sony, e a Graforréia, pelo que sei, lançou seu segundo disco, Chapinhas de Ouro, de forma independente.

Apesar dos pesares, minhas lembranças daqueles tempos são as melhores possíveis: dos cartões amarelo (advertência), vermelho (sai do estúdio e volta mais tarde) e PRETO (proibido de entrar no estúdio o dia inteiro) dados pelo Miranda durante a nossa gravação até a zona no ônibus que levou os artistas do selo para a primeira edição do Video Music Brasil, da MTV, em 1995, o que ficou foi a sensação de ter participado de algo original e importante para um período de consolidação e, ao mesmo tempo, de mudança de comportamento do rock brasileiro.

Yes, We Can

2009-10-20T16:05:00.006-02:00

Já notaram que, de vez em quando, rola uma onda de bandas brasileiras cantando em inglês? Eu estava aqui pensando com meus botões e fiz uma associação sem fundo sociológico, mas que pode ter sentido. Essa onda “for export” começa de forma tímida com o esgotamento artístico de uma geração que canta em português e cresce quando um dos grupos que optam pelo inglês faz sucesso no exterior, voltando a diminuir depois que a geração seguinte emerge entoando novamente versos na língua pátria e resgatando valores nacionais.

Deixem eu explicar melhor essa história, pois acho que já presenciei dois ciclos assim. Se não me engano, o Sepultura começou a estourar no exterior em 1987/1988. Antes disso, existiam poucas bandas que cantavam em inglês no Brasil, as quais nem consigo lembrar no momento (acho que os santistas do Harry, os brasilienses do Spigazul e os paulistanos do Maria Angélica Não Mora Mais Aqui, do jornalista Fernando Naporano, são exemplos). O êxito do Sepultura no exterior marca a proliferação no underground brasileiro de diversos grupos, de estilos diferentes, cantando em inglês: Pin Ups, Killing Chainsaw, Low Dream, Oz, Okotô, Second Come, entre outros. O que incentivou essa proliferação, além do esgotamento da geração anterior (Legião, Paralamas, Titãs e Cia., que já começavam a se repetir)? A sensação de que, se o Sepultura pôde, outros brasileiros também poderiam ultrapassar as fronteiras nacionais, num clima que remete à popular e já desgastada frase do presidente Barack Obama: “Yes, We Can”.

O recente estouro do Cansei de Ser Sexy “na gringa” tem um esquema meio parecido com o do Sepultura, com algumas atualizações: antes do CSS, várias bandas independentes já se aventuravam no idioma bretão (Thee Butcher’s Orchestra, MQN, Mechanics, Madeixas, Supersoniques, Maybees, Forgotten Boys, entre outras), mas o êxito de Lovefoxxx & Cia no exterior trouxe a opção pelo inglês para outro patamar. O sucesso de Mallu Magalhães em âmbito nacional e as recentes indicações das bandas Holger e Black Drawing Chalks a categorias relevantes do VMB, da MTV, mostra que, de certa forma, esses artistas estão sendo levados mais a sério. E, novamente, a mídia e o público voltam a apostar as suas fichas na next big thing brasileira.

Numa época em que eu ainda estava vindo ao mundo, na primeira metade dos anos 1970, dizem que vários artistas também faziam essa opção pelo inglês, entre o quais o galã Fábio Júnior - muito antes de imortalizar o bordão “brigaduuuu” no Cassino do Chacrinha - e os atuais sertanejos Chrystian e Ralph. Até que um maluco chamado Maurício Alberto resolveu traduzir o seu nome, literalmente, para Morris Albert e lançar uma música chamada “Feelings”, que acabou estourando mundialmente - sendo regravada, inclusive, meio jocosamente pelo Offspring há alguns anos. Resultado: outros artistas brasileiros também resolveram seguir os passos de Maurício Alberto rumo ao sucesso no exterior. Mas a onda acabou minguando depois que a sorte parou de aparecer para os pretendentes à nova estrela internacional.

A grande questão é se, com a internet e o crescente domínio da língua inglesa pelas novas gerações, o mercado brasileiro vai abrigar mais facilmente as suas bandas que optam pelo inglês, como já acontece nos ditos países socialmente mais avançados, como Suécia, Noruega ou Holanda. Lógico que, mesmo que o progresso social chegue a estas plagas, a nossa situação talvez nunca fique suficientemente semelhante a desses países citados, até porque, em termos de música popular, temos (ou parecemos ter, pelo menos) muito mais tradição do que eles – o que, por conseqüência, talvez gere um certo apego à nossa língua pátria (ou “mátria”, como diria Caetano Veloso na música “Língua). De qualquer forma, dentro do meu universo especulativo e pouco apegado aos métodos científicos, a minha aposta é que, mesmo que o mercado brasileiro não abra espaço igualitário para os dois idiomas no futuro, essas ondas de bandas cantando em inglês provavelmente ficarão cada vez mais constantes e duradouras.

Aguardemos, portanto, as cenas dos próximos capítulos...

Nas ondas do rádio

2009-10-14T23:18:00.005-03:00

Hoje (15), serei o convidado do programa Senhor F 100.9, veiculado às quintas-feiras, das 22h às 24h, na Rádio Cultura FM, de Brasília. O programa é produzido e apresentado pelo editor do site Senhor F, Fernando Rosa, e pelo jornalista Pedro Brandt, e traz em sua programação rock independente brasileiro, novidades internacionais, clássicos e raridades.

Estou quebrando a cabeça para tentar preparar uma seleção musical maneira e que, portanto, não acabe com a credibilidade do programa. Até o momento, já separei Jimi Hendrix, Rachid Taha, Bob Marley, Dream Syndicate, Mudhoney, Buzzcocks, The Slickers, Steely Dan, The Clash, Afghan Whigs e até novidades como The XX, Dirty Projectors e Fleet Floxes (sim, agora eu os conheço e até gosto). Talvez role um bloco de bandas de Brasília também.

Até a hora do programa, pode ser que a escalação mude, saindo uma banda que não esteja jogando tão bem (no meu campo auditivo) para entrar outra, da reserva, em melhor forma (no time do meu coração). Vamos ver o que vai dar.

Como o nome do programa já entrega, a Cultura FM ocupa a freqüência 100.9 do dial. Pela internet, ela pode ser sintonizada aqui.

O inenarrável prazer de assistir a uma banda péssima

2009-10-12T12:37:00.005-03:00

Eu tenho um prazer meio sádico que preciso confessar para vocês. Na verdade, nem sei se é tão sádico assim: talvez esteja mais no ramo das esquisitisses ou, como preferem os psicólogos, idiossincrasias. Ou não. Num mundo tão populoso e moderno, onde as pessoas compartilham hábitos estranhos, como organizar flash mobs ou venerar (a novela mexicana camuflada de seriado norte-americano) Grey’s Anatomy, acho que meus prazeres nem são tão diferentes assim. Bom, preciso confessar-lhes antes que eu perca a coragem. Então lá vai: - Eu adoro assistir a shows de bandas péssimas.

Não sei quando essa mania começou: talvez ela venha da mais tenra idade. Só sei que um dia, já adulto, me toquei de que, simplesmente, estava obtendo quase o mesmo prazer ao assistir uma banda ótima ou outra péssima. A princípio, estranhei. Depois, relaxei e passei a me sentir como naquele antigo jogo da Lotto (ou Sena), em que você ganhava o prêmio se acertasse ou errasse feio todos os números sorteados. E, neste ponto, assim como na velha loteria, não existe meio termo no meu gosto musical: para curtir uma banda, ela tem que ser beeeem legal ou esdruxulamente p-é-s-s-i-m-a. Bandas boazinhas, esforçadas, com algum talento ou meio ruinzinhas não fazem mesmo a minha cabeça. Tem que estar em algum extremo da qualidade musical. Bem, acho que deu para entender, né?

A esta altura, acredito que já tenha gente me classificando como um fã inveterado de cultura trash. Mas acho que a história não é muito por aí, não. Vejam bem, eu não sou daqueles caras que colecionam filmes do Ed Wood, do Afonso Brazza ou do Zé do Caixão. Também não me vejo entre essa galera que curte o visual "zumbi" e som meio The Cramps e outras garageiras mais toscas. Meu lance é outro: eu saio de casa para ver bandas boas, mas, no meio de um festival, acabo assistindo sem querer a um grupo péssimo. Neste momento, passo a gostar tanto – ou, às vezes, mais - do conjunto ruim quanto do outro que fui ver. E aí, aquelas músicas horrorosas não me saem mais da cabeça. Começo a especular como os membros do grupo se juntaram, como surgiram as idéias e inspirações daquelas músicas péssimas e, enfim, como eles tiveram coragem de mostrar aquele resultado tão aquém do que consideramos razoável para o público. Neste ponto, ao invés de me enquadrar na galera trash, talvez sinta até mais sintonia com um cara como Frank Zappa, que gostava de músicas mais elaboradas, mas não pôde passar incólume à grandeza de um The Shaggs – classificado pelo guitarrista doidão como “melhor do que os Beatles”.

Mas o que teriam essas bandas ruins de tão interessante? Por que elas conseguem até arrebanhar - em casos raros, como o The Shaggs - uma legião de fãs? Acho que a grande chave desse mistério talvez esteja num conceito muito conhecido, mas pouco praticado entre os artistas: despretensão. Em alguns momentos, chega a ser um alívio assistir a uma banda na qual os componentes só querem se divertir, tocar para meia dúzia dos colegas de serviço ou impressionar suas namoradas. Mesmo que façam tudo, absolutamente tudo errado, às vezes aquela atitude despretensiosa “cheira a espírito juvenil”, como já disse um maluco lá das bandas de Seattle/Aberdeen. Além disso, muitas vezes os caminhos absurdos escolhidos por esses artistas acabam trazendo algo de inovador para o rock, algo que “a moral e os bons costumes da arte” não conseguem mais captar. O que quero dizer é que, contraditoriamente, às vezes as bandas péssimas carregam consigo o melhor do Rock’n’Roll.

PS: Infelizmente, para não gerar possíveis conflitos, protestos e embaraços, não poderei citar neste texto algumas bandas péssimas (ótimas) que já assisti. Só posso dizer que tem uma que começa com a letra “A”, que realmente era péssima. Também há outra, cujo nome se inicia com “O”, que também era incrivelmente ruim. E o que dizer daquela que se inicia com a letra “F”? Ah, são tantas...

A falsa luta de classes no Rock’n’Roll

2009-10-04T11:08:00.001-03:00

Quando comecei a escutar rock’n’roll, em meados dos anos 80, o mundo ainda era dividido em dois eixos: o socialismo soviético e o capitalismo norte-americano. Talvez por conta dessa polarização política ou pela notória influência marxista na nossa intelectualidade, muito do que era publicado na imprensa ou ensinado nas escolas tendia a trazer em suas entrelinhas uma visão de luta de classes. No mundo da música não poderia ser diferente. Ao comprar as minhas primeiras revistas de rock, estava claro que existiam dois times rivais: os punks, representando a integridade e a revolução a partir de 1977, e o Rock Progressivo, a Disco Music e os seus filhotes pop, defensores do conservadorismo e do lado obscuro da indústria cultural.

Foi dentro desse clima de guerra fria que comecei as minhas incursões no rock. E, do alto da minha pouca capacidade de discernimento juvenil, assim como comemorava nas aulas de História a tomada de poder dos bolcheviques das mãos do Czar Nicolau II na Revolução Russa de 1917, passei a vibrar por qualquer matéria que revelasse a ascendência dos punks na música pop. Na minha cabeça, bandas como The Clash e Sex Pistols haviam aniquilado seus opositores de uma maneira tão eficaz e arrasadora como Stalin fizera na Rússia, a ponto de haver só espaço para o punk e suas ramificações (New Wave, Pós-Punk, Hardcore, etc) a partir do final da década de 70.

Essa visão de luta de classes perdurou na minha mente por algum tempo. Para mim, as coisas eram vistas meio que em preto-e-branco, com um grupo sempre dominando a música pop e não deixando espaço para os dominados. Então, a minha versão da história do rock se construía mais ou menos assim: de 1955 a 1962, o domínio do pop era dos criadores do estilo, a galera do rockabilly; a partir de 1963, os britânicos, liderados pelos cavaleiros dos Beatles, invadiram e dominaram o reino da música pop até mais ou menos 1970 (com o psicodelismo surgindo a partir de 1967); a queda dos Fab Four abriu espaço para o glam rock, o hard rock e a abominável tirania dos progressivos, liderados pelo impiedoso mago Rick Wakeman, até a chegada heróica dos punks ingleses em 1977. Em 1991, depois de um longo reinado da famigerada música pop, os mártires do Nirvana e seus asseclas de Seattle saíram de seu esconderijo underground para destruir o establishment, assim como os punks haviam feito uma década e meia antes. E por aí vai...

À medida que fui ficando mais velho e vivi certas experiências, passei a notar que o desenrolar dos fatos não era tão simples quanto eu imaginava. A história reta e linear foi então abrindo caminho para uma teia mais complexa, que dava espaço mesmo para os grupos não tão em voga lançarem discos legais em períodos de domínio de “rivais”. E, na realidade, a própria idéia de luta de classes – ou estilos, ou gerações - foi ficando para trás, quando vi que os ideais de um e outro grupo não eram tão antagônicos assim – na verdade, às vezes o grupo dominante havia, inclusive, bebido na fonte da geração anterior tão execrada, embora não revelasse. No momento em que tive esse insight, senti-me como participando do o último capítulo do livro Revolução dos Bichos (Animal Farm, em inglês), de George Orwell, só que na versão da música pop: olhando por uma janela, eu podia ver, no interior de uma gravadora, representantes da esquerda e da direita do rock sentados à mesma mesa e não havia mais como distinguir quem era progressivo ou punk.

Esse meu novo sentimento se materializou num texto da revista Mojo, que li no ano retrasado (ou passado, não sei – não consegui achar a revista aqui em casa). Na matéria, o repórter pedia que alguns ícones punk rock inglês – como Johnny Rotten e Glen Matlock, do Sex Pistols, e Captain Sensible, do The Damned, entre outros – citassem e descrevessem bandas dos anos 70 das quais eram fãs, mas não podiam revelar à época do estouro do movimento. Recordo-me de ter visto o Johnny Rotten citar uma banda esquisita de rock progressivo e de alguém (talvez o Captain Sensible ou o Glen Matlock) falar que gostava de Deep Purple. Já vi num documentário também o Johnny Rotten dizer que adorava Alice Cooper antes de se tornar famoso – o que não chega a ser uma grande traição do movimento, mas também traz seu grau de surpresa.

Seguindo essa mesma linha, já vi o pai dos mal-encarados e sujos metaleiros Ozzy Osbourne confessar que seu grande sonho na juventude era ser um pop e bem arrumado Beatle. No documentário sobre a vida de Joe Strummer, The Future is Unwritten (2007), é revelado que o líder do Clash era meio hippie antes de “defender” o partido punk (e deixar de falar com seus ex-amigos doidões do 101’ers). O vocalista dos Ramones, Joey Ramone, também já revelou ter sido glam e andar de sapato de salto alto antes de vestir suas jaquetas de couro pretas. E, aqui no Brasil, quem imaginaria que o metaleiro Andreas Kisser faria um dia turnê como músico convidado dos regueiros e skazeiros do Paralamas do Sucesso?

Ao mesmo tempo, é legal notar que aquela história de que, após 1977, quem deu as cartas foram apenas os punks também é uma grande farsa. Basta olhar a discografia de artistas de outros gêneros no mesmo período: o progressivo Pink Floyd lançou Animals em 1977 e o clássico The Wall em 1979; o Queen lançou News of the World em 1977 e The Game em 1980; o AC/DC lançou Let There Be Rock em 1977 e Highway to Hell em 1979; o rei do pop Michael Jackson lançou o clássico das discotecas Off the Wall em 1979.

Outro ponto interessante é ver a mistura, com o passar do tempo, de músicos de classes pretensamente antagônicas: o ex-guitarrista da banda de disco music Chic, Nile Rodgers, se tornou um dos produtores mais requisitados dos anos 80, trabalhando, inclusive, com artistas que influenciaram ou beberam da fonte do punk rock, como David Bowie, B’52’s e Duran Duran. O vocalista da banda pop/new wave dos anos 80 The Cars, Ric Ocasek, se tornou produtor de importantes discos do rock independente norte-americano nos 90’s: do clássico blue album do Weezer a Do the Collapse, do Guided by Voices, passando ainda por Rock for Light, dos punks rastas do Bad Brains. O stoner rocker Josh Homme, vocalista do Queens of the Stone Age, acabou de produzir o último álbum dos garotos indie punks do Arctic Monkeys. Aqui no Brasil, o roqueiro/blueseiro mainstream Roberto Frejat, do Barão Vermelho, já produziu os punks do Inocentes e, hoje, o plebeu oitentista Philippe Seabra produz bandas independentes de variados estilos, como Bois de Gerião, Beto Só, Los Porongas e Superguidis, e também bandas escancaradamente pop, como as brasilienses Superáudio e Colina.

O mais importante dessa história é sacar que não existem antagonismos da forma que às vezes nos “vendem”. Até hoje, ao ler algumas publicações especializadas em música, sinto vez ou outra uma certa defesa de um determinado estilo ou grupo de artistas em detrimento de outro, como se somente uma galera pudesse produzir boa música. Mais do que fruto de uma luta de classes, talvez a história do rock seja feita de uma troca meio caótica de experiências de artistas dos mais variados backgrounds - e é daí, inclusive, que nascem muitas vezes os novos caminhos. Utilizando uma expressão bem clichê e meio riporonga: o mais legal é se “despir de preconceitos” e ver o que cada música (ou artista) pode trazer de construtivo ou emocionante para a sua vida, seja ela feita por um cara cool como Nick Cave ou , no extremo oposto, por uma estrela do pop, como Kylie Minogue. Afinal, se até os dois astros autralianos de universos tão diferentes já toparam gravar juntos, por que seríamos nós, meros fãs mortais, que ousaríamos separar uniões tão belas e inusitadas como essa?

Observatório da Imprensa (Musical)

2009-09-28T17:44:00.000-03:00

Ontem, fiquei incomodado ao me deparar com a revista dominical encartada no jornal O Globo. A matéria principal tratava dos 40 anos do álbum Abbey Road, dos Beatles, com a capa trazendo a seguinte manchete: “Clube da Esquina - nos 40 anos de ‘Abbey Road’, último e MELHOR disco dos Beatles, o culto à capa mais reproduzida da História, em discos, filmes, clipes, anúncios e, claro, revistas”. O que mexeu com os meus brios foi a afirmação, ali na capa, sobre a supremacia do último álbum gravado pelos Beatles em relação aos anteriores. Ora, quem acompanha um pouco as publicações especializadas em música sabe que não existe consenso sobre qual o melhor disco dos quatro rapazes de Liverpool, nem mesmo em relação ao melhor álbum da história da música pop.

Neste tempo em que acompanho as sempre questionáveis eleições de melhor álbum da história, promovidas por veículos especializados (Rolling Stone, MOJO, UNCUT, NME, MTV, etc), já vi vários discos ocupando o alto do pódio: Sgt. Pepper’s Lonely Heart Club Band e Revolver, dos Beatles; Pet Sounds, do Beach Boys, What’s Going On, do Marvin Gaye e até Exile on Main St., dos Rolling Stones. Sinceramente, não me recordo de ter visto Abbey Road levantando o caneco de melhor álbum (nem da História nem dos Beatles).

Resolvi dar, então, uma lida na matéria, para ver se encontrava uma justificativa para aquela afirmação contida na capa da revista. O que achei foi um texto - pouco informativo, diga-se - sobre a parte gráfica do álbum Abbey Road, assinado pelo designer Felipe Taborda, acompanhado de um box, no qual o jornalista musical Antônio Carlos Miguel fala sobre a importância do último disco dos Beatles e sua gestação a partir de divergência musicais e de uma disputa de egos entre John Lennon e Paul McCartney. O experiente crítico do O Globo começa o texto exatamente com a frase: “MELHOR DISCO DOS BEATLES, Abbey Road prova que a arte pode se beneficiar de tensões” (...).

Pelo que conheço (apenas como leitor) de jornalismo cultural, a crítica é o espaço mais aberto para a expressão de opinião do jornalista. Mesmo assim, acredito que seja perigoso emitir uma opinião tão contundente sobre uma obra que já se tornou clássica - e na qual, como disse, não há consenso sobre a superioridade de um disco em relação aos outros. Numa comparação grosseira, é como se um crítico de arte dissesse que a Mona Lisa é o melhor quadro de Leonardo da Vinci. Bem, você pode dizer que La Gioconda é a obra mais popular, a mais enigmática, sei lá, mas dizer que é a MELHOR soa bem esquisito.

Pior ainda é o editor da revista reproduzir essa linha opinativa num espaço não reservado para isso, que é a capa da publicação. Aí a coisa degringola de vez, pois o leitor menos informado não tem nem como “se defender” desse juízo de valor. A sorte é que música não é algo levado muito a sério e deslizes (ou desleixos) como esse não cortam a cabeça de ninguém.

PS: Para completar o meu estranhamento com grandes veículos da comunicação, hoje tive o desprazer de ler na capa da Folha de São Paulo a seguinte chamada: 94% acham que os TEENS de hoje bebem demais. Na boa, não sou nenhum defensor fervoroso e purista da Língua Portuguesa, mas por que a opção de trocar a palavra “adolescentes” por TEENS? Poderia ser problema de espaço, mas olhando para a página, não me parece ser isso. Talvez o editor da capa não quisesse repetir a palavra jovens, que já aparece em uma chamada anterior. Mas, para mim, nada justifica colocar a palavra TEENS como sinônimo de adolescentes ou jovens na capa de um jornal de grande circulação.

Hora de olhar para frente

2009-09-24T10:35:00.000-03:00

A presença de bandas candangas históricas na escalação do último Porão do Rock jogou luz novamente em um rótulo musical que andava apagado havia mais de uma década: o “Rock Brasília”. Até mesmo o mais cético dos espectadores teve uma pitada de emoção ao assistir ao desfile de gerações roqueiras da capital federal no palco montado na Esplanada dos Ministérios no último final de semana: dos oitentistas Plebe Rude, Escola de Escândalo, Fallen Angel e Detrito Federal até os atuais Watson, The Pro, Superquadra e Móveis Coloniais de Acaju, passando ainda pelos representantes noventistas do Little Quail, Maskavo Roots e Os Cabeloduro – neste pacote, teve espaço até para os cariocas do Paralamas do Sucesso, espécies de padrinhos do rock federal. O clímax do festival foi a homenagem à Legião Urbana, maior nome da história do rock local (e, talvez, nacional), que reuniu membros de bandas brasileiras de diversas gerações.

Mais do que uma celebração, a 12ª edição do Porão do Rock acabou trazendo um sopro de motivação para algo que andava bem em baixa: a atual cena roqueira brasiliense. Quem acompanha as apresentações de bandas locais nos últimos dez anos, sabe que, com exceção do Móveis Coloniais de Acaju, o que mais se vê são shows meio vazios, com uma platéia formada quase que somente pelos amigos dos integrantes das bandas. Realmente, nada mais contrastante como os anos de ouro do rock da capital federal, que já viu seus representantes lotando estádios Brasil afora. Neste ponto, o Porão do Rock teve o papel de recordar-nos que vivemos numa capital com vocação não só para o rock, mas para a música POP, de uma forma geral.

Cheguei a Brasília em 1989, época em que existia uma verdadeira idolatria em relação às bandas da Capital. Lembro de, em minhas primeiras idas ao shopping Conjunto Nacional com a minha mãe, ver vários estandes com camisas que estampavam o nome de bandas brasilienses à venda. Além disso, era comum ter amigos de escola ou de quadra que tinham bandas, numa proporção bem maior do que em outros estados onde havia morado. O rock era uma espécie de orgulho e hábito locais, principalmente para uma cidade nova como Brasília, que ainda buscava a sua identidade cultural.

Viver minha adolescência aqui me fez adquirir uma “alma brasiliense”. E, de uma hora para outra, me vi fazendo parte dessa turma que produzia rock na capital federal. Para a minha geração, dos anos 90, essa história de ser uma banda brasiliense ainda tinha algum valor e rendia até espaço em jornais de outros estados. De certa forma, o estouro nacional da geração anterior (Plebe, Capital e Legião) fazia brotar uma curiosidade por parte tanto do público e crítica brasilienses quanto de outros estados pelo que estava sendo produzido por aqui.

O engraçado é que as bandas que “deram certo” nos anos 90 acabaram sendo aquelas que conseguiram se desapegar desse rótulo de Rock Brasília, o tal gênero politizado dos anos 80. Lembro que, no momento de entressafra entre os anos 80 e 90, as bandas que comandavam os shows e pequenos festivais locais eram os clones de Legião & Cia. E, subitamente, aquelas bandas de moleques que tocavam, sem muita pretensão, forró-core, hardcore, rockabilly, reggae, ska e indie rock começaram a ser vistas como as originais e se destacar dentro e fora da cidade. A mesma coisa aconteceu na passagem dos 90’s para os anos 00’s: o que predominava eram os filhotes de Raimundos, até que alguns grupos quebraram o paradigma do rock irreverente e de putaria, para impor uma nova marca “mais séria”.

O interessante é que, mesmo ficando cada vez mais para trás, o Rock Brasília dos anos 80 continuou sendo um fantasma (meio conservador, em alguns aspectos) para as gerações posteriores. Isso porque ele se tornou a base de comparação para qualquer banda nova que comece a se destacar na capital federal. Ora, não é preciso ser nenhum gênio para notar que um novo Renato Russo não vai aparecer por aqui nem tão cedo - ou nunca mais. Além disso, sem tirar o mérito dos talentosos artistas dos anos 80, o período pós-ditadura e o Plano Cruzado criaram um clima absurdamente favorável para o estouro de bandas de rock politizadas. Isso nos leva a crer que, simplesmente, é muito difícil que condições tão positivas façam o rock brasiliense voltar a ser uma ‘grife’ e ter o mesmo reconhecimento do passado. E, na verdade, talvez esse parâmetro de estouro nacional nem seja mais muito importante em tempos de internet e “independência”.

E é nesse ponto onde quero chegar. No último Porão do Rock, encontrei muita gente que não via há tempos, que foi ao festival para reviver momentos felizes de suas vidas. Nada contra esse saudosismo: eu mesmo faço isso de vez em quando e acho até saudável, se não for excessivo. E quem sou eu para falar de saudosismo num festival que eu mesmo toquei com uma banda já extinta? Por outro lado, chega a ser paradoxal notar que, em um evento que se propõe a elevar a bola do rock brasiliense, as bandas novas da cidade (com exceção sempre do Móveis) estivessem numa posição de tão pouco destaque, confinadas ao Palco Pílulas e concorrendo com as apresentações das grandes atrações. De certa maneira, talvez o rock de Brasília volte a brilhar dentro e fora da cidade quando parar de viver de sua história e passar a olhar para frente, a fazer história.

Reaprendendo a tocar as próprias músicas

2009-09-16T20:17:00.000-03:00

Nos últimos dias, tenho me dedicado a uma tarefa inusitada: reaprender a tocar as músicas que eu mesmo ajudei a compor. Tudo porque a formação original do Maskavo Roots, banda que integrei até 1996, foi convidada para tocar na 12ª edição do festival Porão do Rock, que acontecerá no próximo final de semana na Esplanada dos Ministérios, em Brasília.

Já faz 13 anos que não tocamos juntos, tempo suficiente para que esquecêssemos boa parte dos arranjos – e das frases de guitarra, no meu caso. Além das recordações dos momentos que passamos juntos, o interessante desse reencontro com o passado é ver como funcionava nosso comportamento e pensamento musical quase uma década e meia atrás. Como num filme da série De Volta para o Futuro, sinto-me como um velho Marty McFly observando à espreita a sua versão mais jovem e torcendo para que o garoto não cometa erros que possam desviá-lo de um bom destino. Mas como a irresponsabilidade e a falta de noção são marcas quase inerentes da juventude, o que nos resta é relevar os tropeços cometidos ao longo do caminho.

Gravamos o nosso primeiro disco muito jovens, numa faixa que ia dos 19 aos 22 anos. O ano era 1994 e nós tínhamos assinado contrato — numa filial do McDonalds em Ipanema, RJ — com o Banguela Records, selo recém-lançado pelos Titãs. Em pouco mais de um ano e meio, nossa vida sofreu uma reviravolta: saímos da posição de uma banda quase colegial, que fazia shows em festas no Park Way e em casas noturnas e bares da cidade, para começar a tocar em outros estados e conhecer pessoas que só víamos antes na televisão. Uma das nossas qualidades era não sermos blasés, e, por isso, achávamos graça e ríamos entre nós quando conhecíamos um membro dos Titãs ou de outra banda famosa.

Como não tínhamos muita noção de como funcionava a vida de um músico profissional, estipulamo-nos a ingrata tarefa de ensaiar todas as tardes da semana – e foi isso o que fizemos por quase dois anos, na chácara do saudoso Marcão Adrenalina (tio do nosso baixista Marrara), perto do Posto Colorado. Ao chegarmos para a gravação do disco em outubro de 1994 no estúdio Be Bop, em São Paulo, recebemos até elogios dos produtores Carlos Eduardo Miranda e Nando Reis pelo esmero com a execução e arranjo das músicas. Do nosso lado, achávamos que havíamos feito apenas a nossa parte, apesar de hoje saber que aquele esquema anormal de ensaios diários nos fez dar um salto musicalmente.

E, neste ponto, acho que uma das nossas maiores qualidades era sermos criteriosos: cada componente sabia muito bem as partes que o outro tocava, pois checávamos e rechecávamos se o que um fazia chocava com a parte do outro. Era uma atividade que chegava a ser maçante, num esquema meio “treinamento de trapezistas de circo chinês”, mas que, no final, rendia bons resultados. A outra face dessa moeda chamada perfeccionismo era a dureza em relação aos nossos erros, o que, junto com a própria divergência dos caminhos musicais a tomar, tornou parte da nossa convivência insuportável. Além disso, engessamos muitas boas idéias que poderiam ter decolado se não fosse pela nossa própria caretice e excesso de zelo pelo que era “correto”.

Um dos efeitos positivos da passagem de tempo é nos fazer recordar cada vez mais dos bons momentos, deixando os ruins para trás. Dentre as minhas ótimas recordações, está um show com o Chico Science & Nação Zumbi em 1994, num campeonato de surfe em Porto de Galinhas: além do astral praiano e da nossa boa apresentação, foi lá onde conheci vários amigos da cena roqueira pernambucana. Outro esquema interessante foi a abertura de um show do Jorge Benjor no Ginásio do Ibirapuera, no que seria o primeiro link ao vivo da MTV Brasil: naquela tarde, durante a passagem de som, vi um tímido Fred 04 se apresentando e entregando o primeiro disco do mundo livre S/A para o seu grande ídolo Jorge Ben(Jor). Até o estressante dia em que fomos literalmente apedrejados na abertura de um show gratuito dos Titãs, no Vale do Anhangabaú, em São Paulo, soa engraçado visto agora de longe.

A despeito das experiências em outros estados, o mais legal é lembrar do que vivemos em Brasília naquela época: shows no Bronx, na Zoona Z, no Barcanal, na Concha Acústica da UnB, na Sala Martins Pena do Teatro Nacional e em tantos outros locais, ao lado de bandas amigas como OZ, Raimundos, Little Quail, Spigazul, Sunburst, Animais dos Espelhos, Low Dream, Firewood, Câmbio Negro, Depois das Três, El Kabong, Dungeon, Succulent Fly, Os Cachorros das Cachorras, DFC, Restless, Os Cabeloduro, Os Wallaces, entre outras. Trazendo para um plano ainda mais “íntimo”, chegam a ser emocionantes as memórias dos momentos em que nós sete, componentes da banda, passamos juntos: as brincadeiras e piadas nos ensaios, as soluções e idéias para a composição das músicas, as guerras de cuspe e fumaça anti-incêndio nas imprudentes viagens de carro interestaduais (uma delas sem o porte do documento do veículo!!!).

Quando lembro da minha versão aos 20 anos, costumo me achar um completo idiota: um sujeito meio inseguro, falastrão, agressivo, dono da verdade. O contato com as músicas antigas do Maskavo prova que, a despeito de algumas características negativas, talvez exista um preconceito de mim para comigo mesmo quando jovem. Sim, pois se aquelas músicas revelam uma forma de pensar muitas vezes ingênua, por outro lado, também mostram uma certa pureza de pensamento, um desprendimento e uma abertura em relação à vida e à música. Se hoje eu tenho que “penar” para tocar algumas frases simples de guitarra, talvez essa analogia do “correr atrás do que é puro” também sirva para outras áreas da vida.

A admirável arte de fazer tudo igual

2009-09-11T09:11:00.000-03:00

Uma das características mais admiráveis na Música – e nas Artes, em geral – é a versatilidade. Além de revelar as ferramentas dominadas pelo artista, ela denota-lhe um certo refinamento intelectual, uma espécie de prova de que sua obra é fruto do acesso e amadurecimento de diversas referências.

No rock, como não poderia deixar de ser, a diversidade também é muito celebrada. Basta olhar para a banda mais famosa da história, The Beatles, que teve recentemente suas canções lançadas no videogame Rock Band: com uma destreza e bom gosto fenomenais, os Fab Four iam do rock’n’roll mais clássico (Back in the USSR) ao country (I’ve Just Seen a Face), do experimentalismo (Revolution 9) ao primórdios do heavy metal (Helter Skelter), da balada romântica (Michelle) ao blues rasgado (Why Don’t We Do It In the Road). Ouvir, portanto, um disco dos Beatles é como caminhar por diversos ambientes, cada um com peculiares paisagens - e, certamente, os jogadores de Rock Band terão que ralar para dominar cada um desses recantos.

No entanto, o mesmo rock que abriga a valorização da versatilidade, estranhamente também abre espaço para o enaltecimento do seu extremo oposto: a repetição. E, neste nicho, surgem alguns dos mais interessantes músicos do gênero, que, simplesmente, viraram as costas para a diversidade de referências e resolveram optar por um único e retilíneo caminho, sem desvios ou encruzilhadas.

Talvez o primeiro artista de “rock igual” da história seja o inigualável Chuck Berry. Quem nunca ouviu o riff inicial de alguma música de Chuck Berry e achou erroneamente que era Johnny B. Goode que atire a primeira pedra. Eu confesso que, na primeira vez que assisti ao documentário Chuck Berry, o Mito do Rock (Hail! Hail! Rock’n’Roll, em inglês), em 1990, achava que todas as músicas desaguariam em Johnny B. Goode. Mas, para minha surpresa, os refrões eram (levemente) diferentes. Demorei para sacar a genialidade de Chuck Berry no meio daquele mar de riffs “johnnybgoodianos”.

Outros gênios na arte de fazer tudo igual são os punks novaiorquinos do Ramones. Lembro até hoje de quando comprei o disco Rocket to Rússia (1977) no formato cassete: estava gostando muito das músicas e, em especial, da última do lado A, We’re a Happy Family. Quando mudei a fita de lado, fiquei bastante surpreso ao sacar que a primeira música do Lado B, Teenage Lobotomy, tinha o riff quase igual. Depois, fui notar que os Ramones eram simplesmente mestres em se auto-plagiar. O mais intrigante nessa história é que a tal repetição não ameaçava nem um pouco o moral que a banda tinha entre seus fãs – talvez até o reforçasse.

Ainda na seara do punk rock/hardcore, vale também ressaltar outro grupo bem interessante: os finlandeses do Rattus. Lembro até hoje da sensação de ouvir um disco do Rattus pela primeira vez, no final dos anos 80: a música de abertura tinha um refrão com a sonoridade parecida com a palavra “muslabu”. A segunda música, por sua vez, era muito parecida com a primeira, mas o refrão caía em algo como “muslabu vã”. Ou seja, quase tudo igual, com exceção do fonema “vã” — que, em finlandês, deve significar algo como “E vou matar sua mãe” ou “E lhe esfaquearei pelas costas”.

Caminhando rumo ao hard rock, nos deparamos com os australianos do AC/DC, uma das bandas mais de macho da história. Eu sempre pensei em como deve ter sido difícil o primeiro dia de emprego do atual baterista do AC/DC. O Angus Young, guitarrista e um dos líderes da banda, deve ter chegado para o “batera” e falado: — A batida é assim ó, “pá-pum-pá-pum-pá-pum”. E o baterista deve ter perguntado: — De que música? E, no meu diálogo imaginário, Angus respondeu: — Como assim “de que música”? É de TODAS as músicas, meu irmão.

Piadas à parte, o mais legal desses artistas talvez seja a despretensão de estar sempre inventando a roda. Se, por um lado, a maioria deles perde no quesito versatilidade, acaba ganhando muitas vezes em coerência. Tenho um colega que afirma não gostar de ter surpresas ao ouvir uma música. Na visão dele, o prazeroso é saber onde os acordes de uma canção vão parar, sem muitos solavancos no percurso. É uma visão no mínimo curiosa, mas que demonstra muito do prazer de se ouvir, sem pretensões, um bom e velho rock’n’roll. Além disso, em tempos de Rock Band, fica muito mais fácil decorar as partes das músicas e tirar onda com os amigos.

Meu problema com as bandas novas

2009-09-03T15:11:00.000-03:00

Não conheço o Friendly Fires. Nunca ouvi o Fleet Foxes. Não acompanhei a “ascensão e queda” do Klaxons e da New Rave. Nunca me empolguei com o Arctic Monkeys. Não dei a mínima para a separação do Libertines e para os problemas com a polícia do seu ex-integrante Pete Doherty. Ainda chamo o Franz Ferdinand e o Arcade Fire de grupos revelação. Sim, eu devo admitir: tenho um problema com as bandas novas.

Eu não sei de onde vem exatamente esse meu desinteresse. Já mexi e remexi na minha consciência e não consigo encontrar uma resposta convincente para tal fato. Durante um tempo, cheguei a sustentar o discurso que essa nova geração era “muita pose e pouca música” e que o produto musical gerado por ela era apenas uma reedição fria do som feito em outras décadas (talvez pelo excesso de informação) — o que não chega a ser uma grande mentira. No entanto, de alguma forma, sei que outras bandas com as quais já me empolguei também se preocupavam com o estilo e punham os pés no passado: o que é o Soundgarden senão – de maneira grosseira — uma competente e estilosa mistura de Black Sabbath, Deep Purple e Led Zeppelin?

Uma outra explicação para a minha falta de ânimo com as bandas novas talvez venha do simples fato de eu não ser mais um garoto. Para sustentar essa teoria, já recorri àquele papo de que a música pop se recicla a cada 20 anos. Então, como os anos 80 foram a primeira década que acompanhei e os anos 90, a segunda, é natural ter me empolgado com as duas, por mais que elas tirassem do baú, respectivamente, as décadas de 60 e 70. Mas, com a virada do milênio, passei a não achar tão legal o fato de o Interpol e o She Wants Revenge se parecerem tanto com Joy Division ou mesmo o Franz Ferdinand ser uma espécie de Gang of Four dos tempos modernos. Afinal, eu vi boa parte desse filme antes.

Ok, já achei dois bons argumentos para não me empolgar com as bandas novas, mas isso não é o suficiente. Até porque conheço várias pessoas mais velhas do que eu que ainda gostam de estar antenadas com as novas tendências. Então, a pergunta permanece: — Por que as bandas novas não conseguem mexer comigo?

Já passei uma situação engraçada por causa dessa minha falta de interesse. Há cerca de um ano, reencontrei no Orkut um jornalista musical com o qual não falava havia alguns anos. Conversa vai, conversa vem, ele me perguntou o que eu andava ouvindo. Eu respondi que, das bandas novas, gostava de The Strokes, White Stripes, Queens of the Stone Age e Foo Fighters. Somente depois de apertar o botão de envio da mensagem é que notei que a banda mais nova citada por mim tinha quase dez anos!!! Naquele momento, acabara de revelar o quanto eu estava “out” e aquele equívoco aniquilaria qualquer chance de receber uma resposta de alguém tão antenado — o que de fato aconteceu!

O meu grande medo é que esse desânimo vá aumentando até o ponto de eu parar completamente de ouvir qualquer artista novo. Então, virarei um roqueiro igual a aqueles velhos cabeludos que vestem colete de couro dos Hells Angels, andam de moto estilo Harley Davidson e freqüentam shows do Creedence Clearwater Revisited. Tudo bem, acho que nunca terei uma Harley Davidson nem um colete de couro preto, mas, sei lá, posso virar uma espécie de roqueiro tradicionalista com camisa de flanela, que vai ao show do Frank Black na esperança de ouvir músicas dos Pixies.

Mas ainda tem uma possibilidade de destino pior. É o caso de uns amigos que começaram a curtir hardcore comigo e que, à medida que se tornaram punks radicais, foram ouvindo sons mais rápidos e pesados. Recordo-me que gostávamos de Exploited, GBH e Napalm Death e eles começaram a achar isso “som de playboy”, passando a ouvir somente a podreira do Carcass. Depois de considerarem Carcass leve demais, partiram para uma jornada sem volta rumo à banda Sore Throat — cujo disco de vinil tinha 101 músicas! Numa penúltima etapa, só ouviam o que chamavam de anti-música. A história terminou com meus ex-companheiros deixando seus discos de lado e passando a criar peixes ornamentais (!), pois qualquer emissão sonora ritmada e com um mínimo de melodia era considerada uma ameaça à dignidade deles.

Não me considero um extremista e acho difícil que o meu destino seja me dedicar a Bettas, Guppies e Espadas-sangue. Outro dia, por exemplo, fui a uma festa de rock “descolada” e até curti vários desses novos sons. Ainda não sei o nome da maioria das bandas, mas conheço o DJ e tentarei pegar informações sobre o setlist dele. Espero que tal ação me desperte interesse pela geração atual — até porque não dá para ficar ouvindo Led Zeppelin, The Clash e Bob Marley a vida toda.

Um aspecto positivo desse distanciamento, pelo menos, é não perder o meu tempo (e ânimo) com qualquer novidade e celebridade instantânea que surja a cada edição da revista inglesa NME - ou, no Brasil, a cada postagem do Lúcio Ribeiro. Nesse ponto, confesso que tenho até um certo orgulho de nunca ter caído na “armadilha” de um The Killers ou um Bonde do Rolê, o que me faz crer que a maturidade e o mal humor têm até suas vantagens. Pensando bem, eu não descartaria a hipótese de começar a pesquisar o preço dos aquários...

A profundidade de ‘1,2,3,4’

2009-08-27T17:28:00.000-03:00

A primeira vez que ouvi falar do Little Quail and the Mad Birds – banda brasiliense formada em 1988 por Gabriel (voz e guitarra), Zé Ovo (baixo) e Berma (bateria - logo substituído por Bacalhau) – foi em meados de 1990, por meio dos meus colegas do Conexão Brasília, banda de colégio de onde saíram três membros da formação original do Natiruts e dois do Maskavo Roots. O Conexão tinha tocado nas eliminatórias do Festival Interno do Colégio Objetivo (FICO) – em grau de importância para a gente na época, uma espécie de Rock in Rio - e seus membros voltaram falando de uma banda ridícula e esquisita que tocava uma música também ridícula e esquisita chamada 1,2,3,4. O pior é que, assim como o Conexão, eles tinham passado para a grande final do festival, que se realizaria no Ginásio Nilson Nelson, com show de encerramento do Barão Vermelho.

Se não fui às seletivas, acabei comparecendo à final do FICO, para engrossar o coro de torcedores do Conexão. Além de assistir aos meus colegas de colégio, fiquei curioso também para ver a banda ridícula tanto falada, o tal Little Quail. Mas os concorrentes foram passando e nem sinal deles: ou tinham tocado antes de eu chegar ou simplesmente não deram bola e “mataram” o festival. Posso estar confundindo as histórias, mas anos mais tarde fiquei sabendo que eles não foram à final do FICO porque estavam trazendo para Brasília naquela noite o Missionários, banda seminal de psycobilly de Curitiba.

De qualquer forma, só consegui assistir de fato ao Little Quail tardiamente, já no final de 1991, em um show no KG Bar, boteco instalado por pouco tempo nos fundos do então badalado Centro Comercial Gilberto Salomão. Fiquei de cara com a banda: eles eram afiados no palco e contavam com um público fiel – tudo isso em cima de um repertório próprio que fugia ao senso comum da época.

Neste ponto, vale explicar um pouco o contexto daquele final dos anos 80 e iniciozinho dos 90: o que preponderava era o rock com letras politizadas e forte apelo poético, fruto de uma forte influência “renatorussiana”. Algumas bandas, como De Falla, Kães Vadius e Cascaveletes, já fugiam desse padrão, mas o que estourava nas paradas era mesmo Paralamas, Barão, Titãs e Legião Urbana e seus seguidores, como os cariocas do Uns e Outros, por exemplo.

E mesmo se considerássemos o Little Quail dentro de um pacote de bandas mais “debochadas”, digamos assim, como Ultraje a Rigor ou os chatos e bombados à época Inimigos do Rei, dava para notar que a banda de Brasília já rumava por um caminho mais radical. Um belo exemplo desse radicalismo é a música 1,2,3,4, cuja letra se limita simplesmente a contar os quatro primeiros números cardinais, de forma nonsense e excessivamente minimalista, sobre uma base musical mezzo rockabilly mezzo punk rock.

Em Brasília, as canções inusitadas e criativas do Little Quail – Família que Briga Unida Permanece Unida, Azarar na W3, Essa Menina, Aquela e 1,2,3,4, entre outras – tornavam-se cada vez mais conhecidas, sempre dividindo a opinião do público sobre o seu conteúdo pretensamente “bobo”. No entanto, bastava uma olhada mais atenta para notar que ali não existia nada de ingênuo. Pelo contrário, o que havia era uma fina ironia, uma propositada infantilidade com clara intenção de nadar contra a maré do que era considerado sério por parte do público e crítica.

Nesse sentido, vale ainda chamar a atenção para o pioneirismo do Little Quail dentro da cena musical brasiliense dos anos 90. Eles foram os primeiros da sua geração a fazer intercâmbio com bandas e jornalistas de outras cidades. Também foram uma das primeiras bandas da capital – ao lado dos grupos de Metal – a lançar e comercializar sua já clássica fita demo, em meados de 92. Essa atitude sempre profissional levou o Little Quail a integrar a coletânea A Vez do Brasil, lançada pela gravadora paulista Eldorado no ano de 1993, o que fez com que suas músicas fossem incluídas na programação de diversas rádios pelo Brasil. No final deste mesmo ano, numa clara trajetória ascendente, a música 1,2,3,4 chegou a ser considerada, junto com Haiti (de Caetano e Gil), como a melhor canção de 1993 pela revista Bizz.

Em 1994, o Little Quail finalmente lançou o seu aguardado primeiro disco, Lírou Quêiol en de Méd Bãrds, pelo Banguela Records, selo de propriedade dos Titãs. O álbum, produzido por Carlos Eduardo Miranda, agradou aos novos fãs, com sua inteligente mistura de rock de garagem e letras divertidas. Para os conhecedores mais antigos, no entanto, o resultado foi um pouco decepcionante: as músicas estavam muito rápidas, sujas e tinham perdido um pouco da inocência rockabilly presente na demotape. A impressão que dava é que o Little Quail gravara o disco de forma ansiosa, querendo aproveitar a onda hardcore dos Raimundos, o que acabou desfigurando de maneira considerável o seu som.

O segundo disco da banda, A Primeira Vez que Você me Beijou (1996), trouxe respostas claras aos deslizes do primeiro álbum: as músicas voltaram a ficar mais limpas e num ritmo cadenciado. No entanto, o resultado, infelizmente, soou ainda um pouco artificial. Parecia que o tão positivo profissionalismo da banda no começo tinha se transformado numa negativa ansiedade. Para piorar o quadro do Little Quail naquele período, o estouro dos Mamonas Assassinas e de outras bandas engraçadinhas fez com que eles fossem incluídos num pacote de grupos “besteirol” e “sem conteúdo”. Nada mais injusto para uma banda pioneira, que sempre teve a fina ironia como uma das suas mais poderosas armas.

Lembro que, ao lançar o primeiro disco do Prot(o), em 2003, um jornalista de um site especializado em música me fez uma pergunta mais ou menos assim: - Vocês fazem parte de uma geração (encabeçada pelo Los Hermanos) que está voltando a dar atenção e profundidade às letras, etc e tal. Em um dos momentos em que me senti justo na vida, fiz questão de responder que não concordava muito com essa visão e que, se as coisas fossem colocadas dentro de um contexto, ficaria claro que bandas como Little Quail e Raimundos tinham letras excelentes e diferenciadas à sua maneira.

O passar dos anos tem criado um hype em torno do Little Quail e de outras bandas dos anos 90, num processo cíclico natural. Hoje, com cada um de seus ex-membros tocando seus projetos individuais (Gabriel comandando o Autoramas; Bacalhau nas baquetas do Ultraje a Rigor e Zé Ovo como um experiente diretor de palco), a banda dá shows esporádicos para um público formado por antigos e novos fãs, ávidos por ter contato com aquele espírito adolescente presente nas músicas da banda. Há alguns anos, pude ir a um desses reencontros aqui em Brasília, num ginásio que, se não ficou lotado como em outros tempos, encheu o suficiente para criar um clima de saudável nostalgia e reverência a uma das bandas mais importantes e admiradas da história do rock brasiliense.

A música alegre mais triste da história

2009-08-20T16:16:00.000-03:00

Já notaram que algumas mensagens contidas nas letras de determinadas músicas se repetem em outras canções, de maneira levemente diferente? É como se fossem roteiros de filmes hollywoodianos ou novelas globais, nos quais a mesma história é recontada diversas vezes, só mudando os atores e os cenários. A princípio, essa repetição poderia gerar tédio no espectador, mas, como os seres humanos costumam compartilhar dos mesmos sentimentos e situações, tal redundância temática acaba se tornando até bem-vinda.

Um dos sentimentos que vejo se repetirem em canções é o expresso na música What a Wonderful World, de Louis Armstrong. Em linhas gerais, o que a letra diz é: todos sabemos que a vida tem suas mazelas, mas a beleza do mundo é maior do que isso. Essa mesma vibe é reproduzida, por exemplo, em músicas como Don’t Worry Be Happy, de Bob McFerrin, e Three Little Birds, de Bob Marley, além de tantas outras tantas cantadas ao redor do mundo.

No Brasil, uma das músicas que tenta recriar essa positividade é a intitulada O que é, o que é?, do cantor e compositor Gonzaguinha (1945-1991). Ela chegou a “bombar” nas paradas de sucesso no início dos anos 80, com um refrão grudento, que clamava “É a vida / É bonita / E é bonita”, sobre um ritmo de samba enredo. Mesmo criança, lembro de o seu autor, à época, comparecer a vários programas de TV, para interpretar a tal canção anunciada pelos apresentadores como super alto astral.

Essa música, no entanto, nunca conseguiu me trazer muita alegria. De alguma forma, sentia que, por trás daquele pretenso sambinha feliz, existia algo “dark”, como na famosa imagem em que, depois do show no picadeiro, o palhaço de circo aparece em seu camarim tirando a maquiagem e chorando. Pois bem, “O que é, o que é?” tem, para mim, esse clima de uma tristíssima música alegre.

Na realidade, se analisamos a letra de forma minuciosa, notamos indícios “depressivos” em vários trechos. Na primeira estrofe, Gonzaguinha já anuncia que não tem “vergonha de ser feliz”. E quem se sentiria embaraçado por isso, a não ser uma pessoa amargurada? Em seguida, se coloca na posição desconfortável e imutável de “eterno aprendiz” e ainda afirma que a vida “deveria ser bem melhor”.

Ao longo da letra, outros trechos vão entregando a visão niilista de Luiz Gonzaga Júnior em relação à vida, como no questionamento metafísico:“Ela é maravilha ou é SOFRIMENTO? Ela é alegria ou LAMENTO?”. Ou ainda na observação do autor, na qual se utiliza da terceira pessoa no feminino para afirmar: “Ela diz que o melhor é MORRER / Pois amada NÃO É / E o verbo SOFRER”. Ao contrário do que preconizavam os animados apresentadores de TV, o único momento alegre da música é o tal refrão “É bonita / É bonita / E é bonita” — mas isso parece muito pouco para torná-la alto astral. Para piorar a situação, a composição é em tom menor, o que costuma denotar uma certa melancolia harmônica.

A situação se torna ainda mais esquisita quando notamos que, em toda a obra de Gonzaguinha, não existe simplesmente nenhuma música “para cima”. O grande lance do autor era criar composições questionadoras e com forte engajamento político, que o fizeram ser reverenciado principalmente pelos militantes de esquerda nos anos 70. E, na verdade, basta olhar para a imagem de Luiz Gonzaga Júnior, com sua constante barba desgrenhada e cigarro na boca, para notar que seus versos nasciam de um coração amargurado, talvez pelos constantes conflitos com o seu ausente e rígido pai Gonzagão. Diante desse quadro, achar felicidade nas canções de Gonzaguinha parece tão difícil quanto encontrar motivação nas letras de Ian Curtis, vocalista “suicida” do Joy Division.

Com todas essas características, “O que é, O que é?” parece residir num ambiente diametralmente oposto a “What a Wonderful World”, como naquela relação de mundo real e bizarro dos desenhos do super-homem. Se, como foi dito no início do texto, a célebre canção de Louis Armstrong - com suas árvores verdes, rosas vermelhas, céu azul e cores do arco-íris – deixa as mazelas da vida de lado para celebrar a sua beleza, a mensagem de Gonzaguinha parece inverter todos os fatores e afirmar: “A vida é uma porcaria, mas tem até um ou outro evento aceitável, de vez em quando”.

Talvez para o bom observador, o paradoxo já esteja evidente na própria comparação dos títulos das músicas. Enquanto Armstrong exclama pura e simplesmente que o mundo é MARAVILHOSO, Gonzaguinha prefere colocar um ponto de interrogação no seu título, que se restringe a perguntar, de maneira vaga, “o que é?” duas vezes. Tenho certeza que, se num encontro improvável, a mesma música caísse nas mãos de Bob Marley ou Louis Armstrong, eles sugeririam a Gonzaguinha: — Por que você não troca pelo menos esse título para um lance mais astral, tipo “É Bonita (a Vida)”?. Obviamente, o filho rebelde de Luiz Gonzaga recusaria a sugestão.

Twitando no Prêmio Multishow

2009-08-18T22:51:00.000-03:00

Vou utilizar esse blog como Twitter: Estou assistindo ao Prêmio Multishow e, como em outras edições, achando tudo muito constrangedor. Era só isso mesmo.

Eu estive em Woodstock

2009-08-15T13:13:00.000-03:00

O título deste texto é, obviamente, uma frase de efeito. Não, eu não tenho idade para ter estado em Woodstock, nem mesmo na barriga da minha mãe. De qualquer forma, optei por este enfoque porque acredito que tanto eu quanto todos os que já foram a grandes festivais - como Rock in Rio, Hollywood Rock e Lolapalooza, entre outros - tiveram contato, de alguma fora, com uma parte significativa do legado do festival mais importante da história do rock.

Sim, porque, mesmo que não tenha sido o primeiro festival (Monterey Pop veio antes, em 1967), Woodstock se tornou a matriz para qualquer grande evento roqueiro que se preze. Se festivais modernos utilizam sua plataforma para propagar mensagens positivas, de combate a fome na África a sexo seguro, isso é herança de Woodstock. Se as bandas aproveitam a oportunidade diante de um grande público para fazerem discursos de cunho político e social, isso também tem muito de Woodstock. Até nas já banalizadas doações de alimentos como desconto do ingresso de shows existe um pouco do espírito de Woodstock.

Pessoas da minha geração, nascida na primeira metade da década de 70, tiveram um misto de encantamento e repulsa ao assistirem, já nos anos 80, ao famoso documentário Woodstock – Onde Tudo Começou, dirigido por Michael Wadleigh e ganhador de Oscar (1970). Encantamento pela liberdade que aquelas cenas proporcionavam: jovens em clima de paz e amor, andando nus e unidos na luta por um ideal, algo inédito para nós até então. A repulsa, paradoxalmente, vinha de um local muito próximo ao da admiração: o excesso de liberdade mostrado no filme “confrontava” a nossa caretice e pragmatismo. Além disso, o passar dos anos já havia revelado alguns desvios naquela forma de conduta flower power – o filme Forrest Gump retrata esses equívocos de maneira bem interessante - o que, para nós, acabou culminando na disseminação do termo pejorativo “hippie sujo”.

Não quero me aventurar a falar muito sobre o que não conheço a fundo. Na verdade, essa postagem é um pretexto para fazer uma homenagem aos 40 anos do lendário festival, que contou com importantes nomes da música, como Jimi Hendrix, The Who, Santana, Janis Joplin, Sly and Family Stone, Joe Cocker, entre outros. Não importa se a sua preferência é o punk rock, o mod, a música eletrônica, o indie ou o reggae, Woodstock é item praticamente obrigatório para quem quer se aprofundar no conhecimento da música pop.

Aliás, nessa comemoração de quatro décadas de Woodstock, muitos veículos estão publicando matérias bastante interessantes sobre o assunto, o que tem me servido para aprender mais sobre aqueles três dias de "paz, amor e música". O texto mais interessante que li até o momento foi do crítico musical do New York Times, Jon Pareles, publicado ontem (14) no jornal O Globo. Na matéria, Pareles – que, ao contrário de farsantes como eu, esteve de fato no festival - relata sua experiência em Woodstock e aproveita para fazer uma análise do que o evento teve de tão especial e sua herança (positiva e negativa) para a música e a sociedade.

PS: Talvez por questões de direitos autorais, o jornal O Globo não disponibilizou em seu site o texto de Pareles. Procurando no Google, acabei achando-o no UOL. Quem quiser conferir a versão em português, está aqui. Ou então, tem a versão em inglês também.

Copiar é uma onda errada?

2009-08-12T15:50:00.000-03:00

O texto abaixo foi publicado no site Senhor F em 2006. Na época, utilizei o codinome Marcos Silva Occhilupo, em homenagem ao campeão mundial de surfe Mark Occhilupo. Acredito que algumas das questões tratadas ainda sejam pertinentes dentro do nosso cenário musical:

Copiar é uma onda errada?

Poucas experiências são tão devastadoras psicologicamente quanto a insônia. Aquele despertar indesejado no meio da noite costuma se associar aos piores pensamentos sobre a vida: problemas no emprego, desastres envolvendo familiares, questões de relacionamento, tudo emerge com tamanha dramaticidade e pessimismo, a ponto de deixar um autor de novela das oito com inveja. Por outro lado, essa mesma melancolia noturna, em casos raros, parece jogar a nosso favor: trocando a nossa habitual insegurança pela assertividade, tornando-nos cruéis e intolerantes na medida certa.

Ontem, durante mais uma dessas noites em claro, me deparei com essa rara falta de sono "do bem". E, então, um tema que andava meio nebuloso em minha mente finalmente tomou forma: "Até que ponto uma banda que copia outra pode ser considerada boa?". Como cheguei a esse tema? Assistindo na MTV a clipes de algumas bandas brasileiras que — perdoem-me o termo — I-M-I-T-A-M o estilo de grupos estrangeiros "da moda".

Neste momento, os leitores de cadernos de cultura e sites sobre música já devem estar pensando: mas a semelhança entre 'criadores' estrangeiros e 'criaturas' brasileiras já foi revelada em diversas publicações. Trata-se de um assunto até desgastado. Sim, não nego. De qualquer forma, o meu interesse não é bater na mesma tecla que outros colegas de profissão. Peço a esses mesmos leitores que tenham paciência e cheguem ao final deste texto, pois acredito que o meu viés seja outro.

Comecemos, portanto, pela a diferença entre "influência" e "imitação". Influência, segundo o dicionário Houaiss, é o "poder de produzir um efeito sobre os seres ou sobre as coisas, sem aparente uso da força ou de autoritarismo". Ou seja, seria uma espécie de inspiração, que levaria o artista a produzir seu próprio trabalho. Neste ponto, é mais que normal que todos tenham as suas influências - as quais, no final das contas, acabam virando uma espécie de referência neste contato inicial de uma banda com o público e imprensa. Já imitação, ainda de acordo com o 'pai dos burros', é a "reprodução, o mais exato possível, de algo; imagem". Por uma determinada ótica, haveria algo de maquiavélico em se imitar alguém.

Seria fácil, dessa forma, detratar tais bandas imitadoras, caso não houvesse um porém: muitas são talentosas. Ou seja, os instrumentistas tocam bem, os vocalistas têm timbres legais, são afinados e as músicas são bem estruturadas, com melodias e letras interessantes.

E isso nos faz voltar à questão: se eles praticamente "xerocam" o estilo de outra banda, mesmo que sejam talentosos, eles podem ser considerados bons? A resposta para esta pergunta parece difícil, até mesmo porque a própria história do rock - e da arte, em geral - é tortuosa. Não são raros os casos de grupos que, tentando copiar outros artistas, acabaram desenvolvendo a sua própria identidade. Um bom exemplo disso é o New York Dolls, que num primeiro momento, era apenas uma reprodução mal feita dos Rolling Stones. Essa despretenciosa "tosqueira" acabou virando a grande marca do grupo norte-americano, conhecido como um dos pais do movimento punk. As próprias bandas de garagem dos anos 60, presentes na seminal coletânea Nuggets, em geral, nada mais eram do que tentativas de cópias dos Beatles. Nos anos 90, o Rancid era uma espécie de The Clash "turbinado". Ora, exemplos de emulações que acabaram descobrindo sua identidade não vão faltar na história do rock.

Por outro lado, sempre existiram os pastiches também. Ou seja, aqueles grupos sem conteúdo, que, tentando embarcar em uma nova onda, acabavam por "chupar" roupas, trejeitos e timbres dos artistas da moda. O Brasil é cheio desses exemplos, pois costuma "comprar" com atraso as últimas tendências internacionais. Como já disse, isso não é novidade e já foi debatido à exaustão. De qualquer forma, mesmo sendo um clichê, ao me deparar com bandas como as que assisti na MTV, foi inevitável surgir a pergunta:— Poxa, será que isso é apenas uma importação atrasada de uma onda estrangeira?

Tenho uma mania terrível de tentar "calcular o abstrato". Na verdade, é uma espécie de autodefesa diante da possibilidade de ser enganado por temas demasiadamente "esotéricos". Costumo, por exemplo, ir ao terapeuta de florais e cobrar resultados práticos depois de um algum tempo de tratamento. Acredito que essa seja minha única arma diante de um possível charlatanismo. De certa forma, incluo a crítica musical dentro dessas temáticas altamente abstratas. Não consigo confiar tanto na relatividade das opiniões jornalísticas e procuro uma espécie de verdade absoluta dos fatos, só para dar uma equilibrada na história da subjetividade.

Diante da questão relativa à "qualidade da cópia", acabei buscando meu pragmatismo numa analogia maluca entre surf e música. Deixem-me explicá-la. Na época em que eu pegava onda (sim, já fui um atleta), o critério para julgamento de um surfista em uma competição era mais ou menos o seguinte: cada surfista podia pegar dez ondas, mas só as três melhores eram computadas. Caso o atleta invadisse a onda de outro, cometeria uma interferência, o que acarretaria no descarte de uma das ondas do "invasor" — só ficando, portanto, com o direito de somar duas notas em sua pontuação final. Neste caso, por melhor que fosse o surfista, seria muito difícil ganhar dos adversários, pois ele ficaria numa posição extremamente desvantajosa.

Foi por meio dessa transposição das regras do surf para a música que cheguei a uma resposta para a pergunta colocada no início do texto, sobre a possível qualidade de uma banda imitadora: para mim, o artista que se propõe a copiar o outro comete uma espécie de interferência e perde uma importante nota para ganhar a "disputa" pela qualidade autoral. Por mais talentoso que seja, ele acaba ficando numa terrível desvantagem perante seus colegas. E aí, na competição por um lugar no sol, essas bandas que não correm atrás do seu próprio estilo acabam entrando numa onda errada.

Novo cardápio musical

2009-08-07T11:04:00.000-03:00

Embora não seja vegetariano, costumo freqüentar restaurantes naturais duas ou três vezes por semana. A iniciativa ajuda a melhorar a minha saúde e também alivia a culpa por ainda me alimentar de carne. Uma característica notada ao ir a esses lugares é que a música de fundo tende a ser sempre de um estilo indiano misturado com new age. Então, o que rola é: você paga apenas para comer salada com arroz integral, mas tem de engolir todo um ambiente de “Paz Espiritual”.

O mesmo acontece com outros tipos de comida: onde se serve feijoada, ouve-se samba, para combinar com o clima “Brasil”. No restaurante japonês, o que prevalece é a música zen-kitaro. Estabelecimentos moderninhos, de comida fusion, são os templos do eletrônico “soft” e “ambient”. E, em restaurantes mais cool e noturnos, você será servido com um jazzinho ao fundo.

O que quero dizer é que, às vezes sem perceber, somos colocados dentro de um pacote, que o senso comum fez o favor de confeccionar para a gente. E se, por acaso, eu adorasse rabo de porco e não suportasse Zeca Pagodinho, o que faria? Por enquanto, nada. Porque se o assunto é feijoada, meu amigo, você está fadado a se tornar brasileiro “de raiz”, pelo menos por uma tarde. Em dias de arroz, feijão e couve, até o comportamento na mesa muda: as pessoas falam mais alto e com um vocabulário composto por gírias populares – a única coisa boa é a “obrigatoriedade” do uso de shortinho pelas mulheres.

Eu gostaria muito de poder ir um dia a uma feijoada e ouvir John Coltrane fase A Love Supreme ou até a new age de Enya. Ou, então, escutar o samba enredo da “Unidos de sei lá o quê” num restaurante cool noturno. Seria delicioso também furar os tímpanos com Olho Seco e Napalm Death num estabelecimento especializado em comidas naturais. Ou, transportando a idéia para o ramo de vestuário, adoraria ser atendido na loja de óculos escuros Chilli Beans por um vendedor sem tatuagem, com corte de cabelo tradicional e, de preferência, trajando terno e gravata.

Talvez o mundo se tornasse melhor se não fosse tão compartimentado – concluo eu.

Vem do clássico?

2009-08-04T10:57:00.000-03:00

Quando comecei a tocar guitarra, uma discussão recorrente entre meu grupo de colegas de escola era se nossos ídolos tinham ou não uma formação musical erudita. Então, no meio de um debate sobre determinada banda, era comum surgir a velha pergunta: — Vem do clássico? Se a informação fosse positiva, o artista ganhava imediatamente moral entre a galera, virando um exemplo a ser seguido.

Essa credibilidade conferida aos que “vinham do clássico” tinha muito a ver com a própria moda da época, quando estavam em voga músicos virtuosos — ou punheteiros, na visão dos detratores — como os guitarristas Yngwie Malmsteen, Steve Vai e Joe Satriani. Além disso, servia para provar para nós mesmos que não estávamos seguindo o caminho de uma sub-música, o “limitado” rock, como apostava a maioria de nossos pais.

Bom, mas o fato é que essa formação erudita povoava as nossas mentes e nos incentivava a nos tornarmos instrumentistas cada vez mais técnicos. No meio das conversas, era comum surgirem lendas, como a de que Steve Vai, quando começou, almoçava tocando guitarra ou que Neil Peart, baterista do Rush, segurava uma moeda na parede somente com o rufar de suas baquetas. Isso sem falar na vídeoaula — essa, real — em que o guitarrista Paul Gilbert, do Mr. Big, acoplava a sua palheta a uma furadeira, para mostrar o quão rápidos eram os seus dedos. Sim, a concorrência era duríssima e teríamos que ralar muito para chegar lá.

Hoje, olhando para trás, sei que 90% dessa conversa era puro produto da adolescência. No entanto, por incrível que pareça, a questão relativa à educação musical dos artistas ainda tem sua relevância. Até porque, mesmo que não defina exatamente a qualidade de suas obras, delimita parte do caminho seguido por esses músicos.

Talvez para quem não toque um instrumento seja mais difícil de perceber, mas, para quem é músico, dá para ver quando o cara tem formação clássica: a sua música, de alguma forma, parece melhor conectada, com progressões que “denunciam” sua origem. É como o escritor que sabe bem as regras gramaticais de sua língua: a pontuação aparece no lugar certo, o texto é limpo e sem redundâncias.

Antes que me acusem de tradicionalista, vale ressaltar novamente que essa erudição não é, de forma alguma, sinônimo de qualidade, a qual tem mais a ver com talento e dedicação. Mas, por exemplo, peguemos a banda mais famosa da história, os Beatles: dá para notar que Paul McCartney tem uma formação musical mais refinada que John Lennon, o que faz com que suas músicas sejam, em geral, mais assobiáveis, mais orquestráveis até. A força de Lennon está claramente nas palavras, embora também fosse um ótimo e sensível melodista.

Outros exemplos de roqueiros que vêm do clássico: Brian Wilson, Billy Joel, Rufus Wainwright, Elton John, Freddie Mercury, Matthew Bellamy (do Muse). Eu chutaria que os noruegueses do A-ha e os suecos do Cardigans e do ABBA também têm um pé no clássico, pelo jeito como constroem suas músicas e pela própria tradição nórdica de música erudita. Seria óbvio eu falar dos grupos progressivos e de alguns segmentos de heavy metal melódico também, mas aí a coisa está muito evidente, pois a herança clássica faz parte do próprio discurso desses estilos. O interessante, na minha visão, é notar como essa influência erudita aparece de forma sutil — e, portanto, sem tantas firulas — em canções pop.

Sutileza, aliás, é a palavra-chave para se notar que, às vezes, o refinamento não está numa canção pretensamente rebuscada e cheia de acordes do Ed Motta (um falso erudito, com formação “das ruas”), mas numa base simples ou num solo de guitarra do Olga, do Toy Dolls (esse sim, um cara de formação clássica, camuflado de punk).

O curioso caso de Janis Joplin

2009-07-28T18:52:00.000-03:00

Alguém aqui gosta de Janis Joplin? Eu não. Acredito que a quase totalidade dos leitores desse blog também se alinhe com a minha posição. Na verdade, conheci pouquíssimas pessoas que fossem fãs da ídola hippie, a tal “cantora branca de voz negra”. E o comentário geral que ouço é que todos acham o som “xarope” demais, chato mesmo, talvez só tragável para estudantes do quinto semestre de antropologia de universidades federais.

Para piorar a situação, as únicas vezes em que escuto Janis Joplin são por meio de cantoras iniciantes, insuportáveis e sem sal, que insistem em entoar versões à capela de Mercedez Benz, meio que para tirar onda. Mas isso é um nicho muito específico, somente comparável ao de guitarristas que testam seus instrumentos na loja tocando Stairway to Heaven, do Led Zeppelin, ou o arpejo de Paganini imortalizado por Steve Vai no filme Crossroads.

Vez ou outra, também leio sobre Janis Joplin em revistas de música e comportamento, lembrando de como ela era doidona, coisa e tal. Mas são sempre histórias meio deploráveis, que vão desde o dia em que um fotógrafo brasileiro recusou uma “transa” com a ídola hippie, por ela estar com bolachas Maria coladas nas costas nuas e suadas, até o dia em que foi sacaneada em sua cidade natal — Port Arthur, no Texas — mesmo depois de se tornar famosa. Ah, tem também as peripécias de Janis Joplin no Rio de Janeiro com o namorado brasileiro Serguei, mas essas histórias ninguém sabe exatamente se são realidade ou imaginação causada pelo alto consumo de substâncias lisérgicas.

Enfim, o que quero dizer é que Janis Joplin está, ao mesmo tempo, em todo lugar e em lugar nenhum. Ou seja, todos a conhecem, mas ninguém a ouve, o que gera uma espécie de contradição. Numa analogia pífia, é como a febre dos produtos da Amway nos anos 90: se ninguém os comprava, como os vendedores da base da pirâmide poderiam ficar ricos?

A minha impressão é que, um dia, os organizadores do Rock’n`Roll Hall of Fame vão, simplesmente, decidir retirar o nome de Janis Joplin de lá. A ação inédita virá pela óbvia constatação de que ninguém mais conhece música alguma da "cantora branca de voz negra" - exceto Mercedez Benz, talvez.

A unanimidade (in)contestável da Nação Zumbi

2009-07-24T18:03:00.000-03:00

A Nação Zumbi vai tocar na minha cidade neste sábado (25). Não precisei ler matéria em jornal ou mesmo ver outdoors para ter acesso a essa informação. Ela foi chegando de boca em boca, por amigos de diversos segmentos sociais que vinham me perguntar se eu iria à apresentação dos mangueboys. Meus “chegados” certamente vão. Eu ainda não sei.

A minha dúvida não vem do fato de eu desgostar da banda. Pelo contrário: sou fã. O lance é que dei uma enjoada do show deles, pois assisti a muitos nos últimos anos. Além disso, devo confessar que tenho ficado incomodado com uma certa unanimidade que gira em torno da Nação Zumbi, tanto por parte dos fãs quanto da imprensa, que insistem em colocá-los como “a melhor banda do Brasil”, uma espécie de gênios incontestáveis da raça. E o pior é que, talvez, os próprios membros da banda estejam se convencendo disso...

O que me fez notar essa unanimidade — burra, como diria Nelson Rodrigues — foi assistir a alguns shows da NZ em festivais. Lembro de a apresentação deles ser apontada como a melhor do evento antes mesmo de entrarem no palco. As pessoas sempre chegavam dizendo: — Foi demais, não foi? E a verdade é que, algumas vezes, a performance não tinha sido tão legal assim.

Um dos “pontos fracos” que enxergo atualmente na Nação é fato de o ritmo ter ficado devagar demais. Essa sensação fica nítida quando eles tocam músicas dos seus dois primeiros discos ainda gravados com Chico Science: Da Lama ao Caos e Afrociberdelia. Tudo bem, algum fã mais entusiasmado pode me contestar: mas isso é uma opção estética, uma aproximação proposital com o Dub, espécie de reggae doidão e cheio de efeitos. Hum ... eu até gostaria de crer nisso, mas, infelizmente, acho que essa “ralentada” vem também das limitações vocalísticas e performáticas de Jorge du Peixe.

Essa impressão de “mudanças por conta de limitação” ficou ainda mais clara para mim quando assisti a um show do Los Sebozos Postizos, projeto paralelo dos membros da Nação dedicado a versões para clássicos de Jorge Ben, Tim Maia, Beatles, entre outros. Novamente, todas as releituras tendiam de uma forma não muito natural para o lado “down” da coisa. Bem, alguém pode me dizer de novo que é a tal opção estética pelo ‘reggae doidão’. Não quero subestimar essa hipótese, até porque estou falando de uma banda que, já no primeiro disco, trazia uma música intitulada “Coco Dub”. Mas, como disse, acho que a limitação de Du Peixe, que “teve de optar” por usar um efeito delay na voz, auxiliou na busca por esse formato.

Da parte da mídia, também sinto uma certa vibração desmedida pelo Nação Zumbi. Lembro, por exemplo, que os projetos paralelos Maquinado (do guitarrista Lúcio Maia) e Três na Massa (do baixista Dengue e do baterista Pupilo) receberam ampla divulgação e fartos elogios da imprensa especializada. Ora, realmente os caras merecem esse destaque, até por sua importante contribuição ao rock brasileiro e, de forma geral, à MPB. Mas me recordo, por exemplo, de estar assistindo a um clipe do Três na Massa e, ao receber a visita de um amigo desavisado, ouvi dele: essa música não é muito legal, com um vocal que parece desafinado. E aí me caiu a ficha: até eu estava entrando na farsa da genialidade dos membros da Nação.

A minha intenção com essas críticas não é denegrir ou diminuir a importância da Nação Zumbi. Na realidade, o meu ponto é mais questionar essa unanimidade e excesso de reverência que giram em torno da banda, o que não considero muito saudável. Quando falei que até os próprios membros talvez estejam se convencendo dessa genialidade, estava me referindo ao fato de, na semana passada, assistir ao guitarrista Lúcio Maia indicar um clipe da NZ na edição especial de clássicos do programa Toca Aí, da MTV, em comemoração ao Dia Mundial do Rock. Considerei a escolha de um clipe da própria banda, num programa que exibia clássicos, meio esquisita e imodesta.

De qualquer forma, vale lembrar que assistir à Nação Zumbi é sempre uma aula de música. A alta qualidade que atingiram nestes 15 anos de estrada, desde o lançamento de seu primeiro disco, Da Lama ao Caos (1994), é de impressionar até mesmo o ex-guitarrista do Pink Floyd, David Gilmour, que elogiou os mangueboys durante a participação do grupo no programa do inglês Jools Holland.

Outro ponto louvável na carreira da banda é a forma como superaram a morte de seu líder, Chico Science. Conceitualista nato, Science também era um carismático frontman e porta-voz do grupo. A solução de colocar o grande brother de Chico e também conceitualista Jorge du Peixe nos vocais e letras foi mais do que acertada. E, se a banda passou um por período em que ainda buscava sua nova marca (nos discos CSNZ e Radio S.amb.A), desde 2002 vem lançando álbuns cada vez melhores (Nação Zumbi, Futura e Fome de Tudo).

Hoje tenho vários amigos respeitáveis que até preferem a atual Nação Zumbi àquela capitaneada por Chico Science. E, sob certo ponto de vista, a banda realmente amadureceu, principalmente na parte instrumental. Mesmo com toda essa moral e competência, acho que eles ainda estão longe de se tornarem incontestáveis, como quer boa parte de seus fãs e da imprensa.

Boas ações de uma rádio “maldita”

2009-07-21T11:32:00.000-03:00

A idéia desse texto surgiu a partir da comemoração do Dia Mundial do Rock, no último dia 13 de julho. Apesar de não dar muita bola para a data, resolvi usar o pretexto para homenagear esse estilo musical, que vem atravessando gerações como, talvez, a principal manifestação musical dos jovens. Neste ponto, vale informar que, quando digo rock, refiro-me a todas as suas variações ao longo desses cinqüenta e poucos anos de existência: do grindcore ao pop, do psicodelismo ao funk metal, do hard rock ao... emo (!) — bom, acho bom pararmos por aqui.

Nesta minha procura por algo que representasse o rock’n’roll, pensei em vários ícones: Chuck Berry, Elvis, Beatles, Led Zeppelin, The Clash, Nirvana. Achei que seria injusto escolher somente um deles e resolvi optar por algo que englobasse o estilo como um todo. Foi aí que me veio a idéia de homenagear uma rádio: a niteroiense Fluminense FM, conhecida como “Maldita”, emissora essencial na divulgação de bandas brasileiras dos anos 80 (como Paralamas, Legião e Kid Abelha, entre outras) e importantíssima na minha educação musical.

Conheci a Fluminense FM em 1988, quando me mudei para o Rio de Janeiro. Estava vindo de Recife, com 13 para 14 anos, e já gostava de música, mas meio que num segundo plano. O meu lance até então era o esporte. A mudança para o Rio me fez perder o ciclo de amigos que já havia construído na capital pernambucana, entrar no colégio mais chato que já estudei na vida e enfrentar o crowd não muito amistoso dos surfistas cariocas. Enfim, desânimo total, o que me fez permanecer em casa por mais tempo do que eu desejava. O lado bom era ter a companhia da Fluminense FM.

E, realmente, foi um impacto me deparar com a programação da “Maldita”. Em Recife, quase não existiam programas de rock alternativo na rádio: que eu me lembre, só havia o de um cara chamado Carlinhos, que passava aos sábados. Na Fluminense, a programação era toda alternativa, sete dias por semana, 24 horas por dia. E, neste ponto, vale lembrar que estávamos nos anos 80: ou seja, se você não tivesse com o disco em suas mãos, simplesmente não conseguia ouvir a música que tanto queria. Além disso, o mercado brasileiro não comportava o lançamento de álbuns mais alternativos, de bandas como Violent Femmes ou Dream Syndicate, por exemplo. O negócio era realmente bem difícil.

A Fluminense FM surgia, então, como um oásis no meio desse deserto fonográfico. Você podia ligar o rádio a qualquer hora e se deparar com uma música dos conhecidos Siouxsie and the Banshees, Echo and the Bunnymen, Jesus and Mary Chain e The Cure ou até de bandas mais obscuras, como That Petrol Emotion, Fields of Nephilim, Lords of the New Church (do ex-Dead Boy Stiv Bators), Toy Dolls ou dos brasileiros Violeta de Outono, Replicantes e De Falla. Ainda tinha espaço para apostas como The Woodentops, Screaming Blue Messiahs, Sugar Cubes, Mighty Lemon Drops e Godfathers, por exemplo. Os clássicos, como The Who, Jimi Hendrix e Led Zeppelin, também não eram esquecidos. Ou seja, era uma programação bem balanceada, que unia artistas consagrados e recentes, estrangeiros e brasileiros.

Os programas eram atrações à parte: bem pensados e prontos para caber em uma fita cassete. Lembro até hoje de vários deles (alguns nomes eu esqueci):

10h às 11h - McTwist – O nome derivado de uma manobra de skate já dava a pista: o som era focado nas preferências dos skatistas, o que, na época, significava basicamente hardcore e hip hop. Entre as bandas que costumavam tocar, estavam: Agent Orange, Suicidal Tendencies, Minor Threat, Beastie Boys, Run DMC, Oingo Boingo e Hüsker Dü. Como batia com o meu horário de aula, eu só ouvia nas férias ou quando faltava ao colégio.

13h às 13h30 – Esqueci o nome desse programa. A idéia era simples, mas prática: meia hora tocando músicas de uma banda, sem intervalo. Ou seja, bastava comprar uma fita K-7 de 60 minutos e colocar para gravar. Gravei várias fitas assim: The Clash, The Church, Dead Kennedys, Lloyd Cole and the Commotions, os californianos do “X”, etc. Cheguei a gravar um especial do T-Rex, mas não entendi muito o som da banda à época e taquei algo por cima.

20h às 21h – Também esqueci o nome desse programa. A idéia aqui era abrir espaço para a programação feita pelos ouvintes. Obviamente, a qualidade dependia do gosto da pessoa que mandava a programação. Mas já ouvi muita coisa legal. Lembro que de ter ouvido pela primeira vez “Dança do Semáforo”, da Plebe Rude, e “Popularidade”, do Escola de Escândalo, em um desses programas.

22h às 24h (quartas-feiras) Novas Tendências – Apresentado pelo DJ José Roberto Mahr, trazia as novidades do mundo da música – uma espécie de Lúcio Ribeiro das ondas do rádio. Como passava num horário meio tardio para um colegial como eu, muitas vezes tinha que deixar a fita gravando. Foi lá que conheci Pixies, Wedding Present e Soup Dragons, por exemplo. Lembro de uma outra banda californiana chamada Tragic Mulatto, que nunca vingou.

No começo de 1989, vim morar em Brasília. Nas minhas visitas ao Rio, no período de férias, sempre reservei um espaço para ouvir a Fluminense FM. Ao longo dos anos, notei que, apesar do aparecimento de outros bons programas, como o College Radio (apresentado por Rodrigo Lariú) e Hellradio (apresentado por André X e Tom Leão), a rádio foi caminhando para um lado mais comercial, meio pop-surfístico demais.

Simbolicamente, no ano de 1994, o Maskavo Roots, banda a qual eu integrava, foi chamada para tocar num festival promovido pela Fluminense FM. O evento ocorreu na praia de Ipanema e contou com a participação de Ira, Plebe Rude, Little Quail, Pelvs, O Rappa, Fausto Fawcett, entre outros. Algum tempo mais tarde, a rádio fecharia suas portas - tentando retornar vez ou outra, mas sem muito sucesso.

Passados 20 anos daquele meu contato intenso com a “Maldita”, ainda me impressiono com o refinamento e conhecimento de causa presentes em sua programação, indo desde as músicas até as vinhetas. É aquele tipo de experiência que, por acontecer tão cedo na sua vida, você não dá muita bola, acha que vai encontrar mais daquilo muitas vezes.

Mas não foi exatamente o que aconteceu: os anos foram passando e, infelizmente, não me deparei com programações de tamanha qualidade. Talvez a resposta esteja até numa questão simples: a Fluminense FM, provavelmente, não tinha tanto compromisso com o lucro – “mal” que faz com que a MTV, por exemplo, seja obrigada a - ou tenha a justificativa de - exibir programas insuportáveis de adolescentes/auditório.

Hoje, os podcasts e os canais cada vez mais segmentados cumprem o papel de luz no fim do túnel para os amantes da boa música. Espero que esses adolescentes que começam a gostar de rock e sacam bastante de tecnologia consigam boas fontes que lhes sirvam como oráculo. A Fluminense, no caso, foi o meu oráculo, a minha Escola do Rock.

Clash Futebol Rockers no Arena City Clube

2009-07-17T15:24:00.000-03:00

Neste sábado (18), o Clash City Rockers — banda tributo a Joe Strummer & Cia. da qual faço parte — vai se apresentar na edição especial de três anos da festa London Calling, que acontece no Arena Futebol Clube, a partir das 22h30.

Quem quiser “dar um chego lá na festeenha”, tá convidado. Fora o CCR, vai rolar Oasis Cover e mais um monte de DJs.

Os ingressos antecipados custam R$ 10. Na porta do evento, o preço sobe para R$ 15 (até 1h30) e R$ 20 (a partir de 1h31).

O Clash City Rockers surgiu nos anos 80, como um projeto paralelo de membros da Plebe Rude. Desde 2003, é formado por: Philippe Seabra (vocal e guitarra), Rafael Farret (teclado e backing vocal), Pedro Ivo (baixo e backing vocal), Txotxa (bateria) e eu (guitarra).

Como Philippe Seabra faz questão de frisar, trata-se de uma banda T-R-I-B-U-T-O e, não cover — embora ninguém, fora ele mesmo, saiba exatamente a diferença entre uma e outra.

Dia do Homem, Rock de Macho - um post descaradamente sexista

2009-07-15T15:09:00.000-03:00

Uma colega de trabalho leu no jornal e veio me avisar, em tom de brincadeira, que hoje é o Dia do Homem. Não sei nem quero saber por que a data foi criada, pois já sinto um certo cheiro de forçação de barra no ar. De qualquer forma, o mote veio a calhar para um tema sobre o qual eu estava, coincidentemente, pensando ontem: o rock de macho.

A idéia veio depois de um dia de cão, em que encontrei conforto num rock pesado qualquer. Notei que a agressividade da música batia com a minha e a soma disso acabou tendo um efeito tranqüilizador sobre o meu humor. “Raiva é uma Energia”, já dizia John Lydon na música Rise, do PIL. Engraçado é que o Green Day parodiou o verso para “Violência é uma Energia” no seu mais recente single, “Know Your Enemy”. De certa forma, os homens precisam de alguma dose de agressividade no seu dia-a-dia para a construção da sua própria calma. É por isso que inventaram o boxe, o futebol, a corrida de automóveis e, em última instância, o porradobol, símbolo máximo dos jogos (ou lutas) masculinos.

Agressividade tem tudo a ver com rock de macho, embora não seja a única variável que conta. Às vezes, um blues calmo do Almann Brothers ou do ZZ Top pode carregar muito mais macheza do que uma música barulhenta do Prodigy. Rock macho é, sei lá, um tipo de postura. A macheza está no ar, de forma sutil (palavra não muito presente no vocabulário masculino), e nem sempre é fácil de ser explicada e, principalmente, captada pelas mulheres. Mas o fato é que todo mundo sabe que, se rolar uma porrada entre a galera do ZZ Top e do Belle and Sebastian, quem ganha não são os "fofos" escoceses.

E quem seriam os maiores ícones do rock macho? De cabeça, eu lembro de AC/DC, Van Halen, Black Sabbath, Lynyrd Skynyrd e o maior de todos, ZZ Top. No Brasil, Camisa de Vênus é imbatível, seguido pelos pupilos do Matanza.

Deixa eu dar um exemplo como funciona esse lance de rock de macho. Há alguns anos, eu estava vendo um show do AC/DC na TV e, em determinado momento, o palco se abria para a entrada de alguns...CANHÕES. Sim, CANHÕES. Neste instante, as câmeras flagraram o delírio do público e ficou claro que 99% ali eram homens. As poucas mulheres presentes estavam nos ombros de seus namorados ou, se estavam sozinhas, tiveram que fingir achar legal a presença do material bélico no palco. Mas o fato é que a entrada de canhões era, claramente, uma mensagem quase criptografada de homem para homem.

O mesmo princípio de sociedade secreta masculina pode ser utilizado nos clipes de carros e mulheres de biquíni do ZZ Top, muito apreciado somente por homens, ou no grito animado e a plenos pulmões de “Piraaaaaaaanha”, por garotos nas pistas de dança, para completar o “Oh, Sílvia”, cantado pelo Camisa de Vênus. Ou seja, isso é macheza em seu estado mais puro: um mundo impenetrável para as mulheres. Aliás, já vi muita mulher dizendo que achava o Marcelo Nova nojento. E a resposta talvez seja: ele fala um outro idioma, incompreensível para as moças.

A propósito, ultimamente anda na moda as garotas dizerem que gostavam de brincar com os homens na infância, pois achavam a brincadeira com bonecas tediosa. Tenho a impressão que a maioria dessas mulheres modernas ficou decepcionada na adolescência, quando, ao primeiro acorde de um rock pesado, começou a ver seus amigos baterem cabeça que nem uns idiotas. E o que dizer então do primeiro convite para jogar porradobol?

“Hypael” Jackson

2009-07-13T10:41:00.000-03:00

Eu sei que o que vou falar é meio óbvio. Mas aqui vai só para constar: bastou o Michael Jackson morrer, para rolar o maior “hype” em cima da obra dele. Sábado mesmo, eu estava num casamento pra lá de popsônico e todas as três vezes em que alguma música do “Rei do Pop” tocou, a pista simplesmente bombou. Eram velhos, jovens e crianças, todos correndo para se sacolejar – e fazer o moonwalk (isso talvez seja o pior) - ao som de Beat It, ou Bad, ou Don’t Stop ‘Till You Get Enough.

Domingo, estava num restaurante e vi um grupo de pessoas conversando sobre o “Maicon” também. E aí, notei o poder de um artista tão gigantescamente popular: todos contavam algumas de suas experiências ao som do “Rei do Pop”, como se reivindicassem para si a exclusividade da intimidade com o ídolo. O pior é que, uma hora, o papo passou a ser sobre os 50 anos de carreira do Roberto Carlos e, no final, eu não sabia nem mais de qual Rei – o do Pop ou o da Jovem Guarda – eles estavam falando.

Bom, mas o fato é que Michael Jackson se foi e, agora, todos sentem falta dele – mesmo que não dessem a mínima bola para o que o ídolo estivesse fazendo musicalmente nos últimos 20 anos. É a tal necrofilia da arte, que “valoriza” a obra do artista depois de sua morte.

Até eu já sofri isso na pele, de uma forma muito louca e numa escala milhões de vezes menor. Quando a minha pequena e desconhecida ex-banda acabou, fui abordado por um amigo que me disse achar “deprê” o fim do grupo. Eu resolvi retrucá-lo: – Poxa, mas você nem ia mais ao nosso show. Que diferença faz? Ele, então, reconheceu que eu havia colocado um “ponto interessante”.

Ou seja, muitas vezes parece que lamentamos o fim somente por ele representar... o fim – não importa de quê, exatamente. Eu mesmo me incluo neste grupo dos que gostam que as “coisas estejam sempre à disposição”.

Por último, permitam-me cometer uma heresia neste momento de comoção e confessar-lhes: – Acho que estou ficando meio de saco cheio desse papo de Michael Jackson. Simplesmente, cansou. Não quero saber o que vão fazer com o dinheiro dele, o que vai acontecer com os filhos, nem se ele tomou remédios demais ou de menos. Ah, e o mais importante: não agüento mais ver tentativas de moonwalk nas pistas de dança!!!

Já que o enterro demorou tanto para acontecer, bem que podiam ter sepultado esse oba-oba junto com o corpo do “Rei do Pop”.

Dica de programa: Green Folkies no Cornhills Café

2009-07-11T03:06:00.000-03:00

A minha dica de programa para a noite deste sábado (11) é o show da dupla Green Folkies no Cornhills Café, que fica na 202 sul. Desta vez, não poderei assisti-los, pois tenho um casamento muito descolado para comparecer no mesmo horário (20h). Mas já fui há algumas apresentações deles e posso garantir que são ótimas.

O Green Folkies é formado por Fernando Brasil (violão, gaita e voz) e Flávio Pennachio (violino e banjo) e, como o nome antecipa, traz um repertório calcado em artistas folk (Bob Dylan, Donovan, Johnny Cash, Neil Young e Simon & Garfunkel) ou em versões em violão, violino e voz para roqueiros britânicos (Beatles, Stones, Van Morrison, etc).

Fernando Brasil, figura conhecida principalmente por seu trabalho à frente do Phonopop, é apontado por muitos como o melhor vocalista da geração 2000 do rock brasiliense. Na verdade, talvez seja o único que mereça o rótulo de cantor - um verdadeiro crooner!!! - por sua excelência vocal. Além disso, é um ótimo guitarrista, melodista e profundo conhecedor do rock dos anos 60, principalmente a vertente britânica. Ele utiliza essas ferramentas para montar um repertório diferenciado, que une de forma inteligente artistas americanos e ingleses; antigos e novos (no show rola até os "mudernos" The Fratellis).

Flávio Pennachio é uma espécie de “Stephanie Grappelli do cerrado”, pois utiliza o violino com trejeito popular e até jazzístico, sem se apegar tantos aos classicismos ligados ao instrumento. Ao longo do tempo, ele foi ganhando desenvoltura como solista (hoje, o repertório da dupla conta até com música instrumental), e passou também a tocar banjo e pandeiro.

Para quem acompanha o trabalho do Green Folkies desde o começo, dá para sentir que a dupla está cada vez mais afiada e o seu show, dinâmico. Esse aprimoramento tem os feito conquistar um grupo fiel de admiradores, nos quais se incluem desde amigos próximos até o fenômeno teen Mallu Magalhães.

Mas a inusitada história de como a Mallu Magalhães conheceu e caiu em elogios ao som do Green Folkies, só os integrantes da dupla podem contar...

Ramones em Brasília? Eu Vou — A Farsa

2009-07-09T17:19:00.000-03:00

Confesso que demorei a entender o nome da festa que trará a apresentação de CJ Ramone & banda para Brasília. Depois um tempo é que a ficha caiu. Ah, os organizadores então querem maquiar, fingir que isso é um show do Ramones, talvez para enganar as pessoas desinformadas, que ainda não sabem que os três membros principais da banda já foram dessa para melhor!!!

De qualquer forma, continuo achando bizarro o nome “Ramones em Brasília? Eu vou – A Festa”. Do alto da minha ignorância publicitária, achava que bastava divulgar o show como CJ Ramone & banda — e, simplesmente, informar no subtítulo que o cara tinha sido baixista da lendária banda punk novaiorquina.

Mas não. Eu estou a anos-luz de entender o que é uma boa divulgação e, por isso, nunca inventaria o nome “Ramones em Brasília? Eu Vou – A Festa”. O pior é que, por curiosidade, talvez eu compareça ao evento, já que ouvi dizer que o baterista é ex-membro do Kyuss e do Queens of the Stone Age e o guitarrista é Daniel Rey, produtor de vários discos do Ramones.

Mas, sinceramente, dá até desânimo ir num show que se chama “Ramones em Brasília? Eu Vou – A Festa”. O pior é que, como a cidade onde moro é um ovo, é bem capaz de eu conhecer algum produtor do evento. Poxa, se isso rolar, já peço desculpas de antemão. Mas entenda, meu caro amigo, eu não poderia deixar de sacanear um evento que se chama “Ramones em Brasília? Eu Vou — A Festa”.

Mais Hüsker Dü

2009-07-08T10:16:00.000-03:00

Continuando no tema Hüsker Dü, segue um texto que o amigo Júnior Elcio, também grande fã do trio de Minneapolis, escreveu há alguns anos para o site Alucináticos, mas que acabou nunca sendo publicado. Por apresentar um enfoque mais minucioso e informativo, acredito que ele complete bem as lacunas deixadas pelo meu relato. O legal é que, apesar de trilharem caminhos diferentes, os dois textos acabam convergindo em diversos pontos.

Prometo que, depois dessa overdose de Hüsker Dü, não escrevo mais nada sobre nenhum artista de Minneapolis — com exceção de Replacements e Prince, talvez (rs).

HÜSKER DÜ - VOCÊ SE LEMBRA?

Alguns anos antes de cometer suicídio, Kurt Cobain mencionou em uma entrevista que uma de suas influências musicais era uma banda de Minneapolis chamada Hüsker Dü. Foi o bastante para que um dos grupos mais influentes e importantes do rock underground norte-americano tivesse sua obra redescoberta e ficasse um pouco mais conhecido do grande público — e principalmente da "pequena crítica"...

Para quem não conhece ou não se lembra, o Hüsker Dü foi formado em 1979 pelo guitarrista e vocalista Bob Mould, pelo baterista e também vocalista Grant Hart e também pelo baixista Greg Norton. Foi uma banda inovadora e muito influente no som que se ouve em grupos que surgiram nos anos 90 e até hoje em dia. Viraram meio que um mito pelo que realizaram musicalmente. O trio ajudou a mudar a direção do rock and roll alternativo de um modo estrutural, mesmo nunca se mostrando uma banda extremamente conhecida. Ao longo de seus quase nove anos de existência, eles poliram um punk rock/hardcore primal até chegarem em um estilo que, na época, não tinha classificação (como as inúmeras que vemos hoje em dia). Eles souberam mesclar peso e melodia como ninguém e seus discos influenciaram bandas como Pixies, Superchunck, Soul Asylum, Replacements, além da já mencionada Nirvana. Dizem até que o H.D. seria uma das bandas seminais do famigerado movimento Emo (Emotional Hardcore), mas essa heresia é uma das maiores cretinices já ditas sobre essa ótima e pouco conhecida banda.

O Hüsker Dü foi a primeira banda alternativa a assinar com uma gravadora grande e são lembrados por terem feito isso também sem se deixarem manipular ou perder o controle criativo por pressões de vendagem. Nunca aliviaram pra ninguém, nunca comprometeram suas composições. Acreditaram na música que faziam e isso foi o bastante.

Em 1979, Bob Mould cursava universidade e trabalhava numa loja de discos quando conheceu Grant Hart e Greg Norton. Os três tinham influências musicais diferentes, mas compartilhavam o gosto pelo hardcore e punk rock.

Mould e o baterista Hart — coisa não muito comum, diga-se — combinaram suas habilidades de compor, tocar e cantar composições com melodias consistentes, muitas vezes seguindo estruturas usadas em canções pop, mas que não deixavam de ser punk rocks originais.

Em 1981, o trio lançou seu primeiro single "Statues" por um selo local. Logo em seguida, saiu seu primeiro disco "Land Speed Record". Gravado ao vivo, contém 17 porradas sonoras. Mais tarde, naquele mesmo ano, saiu "In a Free Land", tão pesado e rápido quanto o anterior. Em 1982, veio "Everything Falls Apart", o primeiro álbum da banda gravado em estúdio. Nessa época, o grupo começou a viajar incessantemente pelos EUA, tocando em pequenos lugares. Juntamente com bandas como Minutemen, R.E.M., Black Flag e The Meat Puppets, o Hüsker Dü formou um núcleo de bandas independentes que conquistaram fama por excursionarem incessantemente e assim tendo seus discos tocados em inúmeras rádios universitárias.

Depois do lançamento de "Metal Circus" em 83, o H.D. se desenvolveu musicalmente em um ritmo veloz com Mould e Hart como compositores e vocalistas no disco lançado em 1984, o elogiadíssimo "Zen Arcade". Este foi um álbum duplo - algo completamente inovador no chamado underground - e mostrava a banda em um momento de ampliação de seus horizontes musicais, apresentando canções mais afiadas e dando mais a atenção e espaço para estrutura instrumental além da busca de elementos para sair do padrão "guitarra-baixo-bateria". Um bom exemplo disso é a faixa "Hare Krsna", onde a parte instrumental hipnótica é preponderante e mostra bem a habilidade de composição e principalmente o poder sonoro do Hüsker Dü.

Nessa época, Bob Mould e Grant Hart começaram a desenvolver uma rivalidade interna na banda e também uma perigosa dependência de álcool e drogas. Mesmo assim, o grupo lançou dois discos em 1985: "New Day Rising" e "Flip Your Wig", que foram bem assimilados por público e crítica. O primeiro mostra o trio produzindo canções pop, mas de peso constante, e o segundo, por sua vez, é considerado o trabalho mais acessível do H.D., entretanto sem ter feito concessões ao mainstream da época.

Após o lançamento de "Flip Your Wig", o Hüsker Dü se tornou a 1º banda pós-punk independente do início dos anos 80 a assinar contrato com uma major, no caso a Warner Brothers. O bom "Candy Apple Grey" saiu em 1986. Durante esse mesmo ano, a tensão entre Mould e Hart aumentou. Mould iniciou um processo de desintoxicação, porém Hart piorou seu estado ao aumentar seu abuso de álcool e drogas, chegando a se viciar em heroína. Mesmo assim, eles conseguiram gravar outro álbum duplo: "Warehouse: Songs and Stories", de 87, sendo considerado pela crítica um dos melhores trabalhos da banda.

Nesse ano, a banda se preparava para mais uma série de shows de divulgação do álbum recém-lançado quando seu empresário, David Savoy, cometeu suicídio na noite anterior ao início da excursão. Mesmo assim, a banda optou pela turnê, mas a morte de Savoy foi a gota d'água nos problemas internos que não se resolviam. Após os shows de divulgação do álbum "Warehouse", o grupo não fez mais apresentações naquele ano iniciando rumores que logo poria fim a sua atividade musical. Em janeiro de 88, o baterista Hart foi "saído" da banda e assim o Hüsker Dü acabou.

A antiga edição da revista brasileira Bizz cobriu um show dos Dü em 1987. Eles mal se dirigiam à platéia e emendavam suas composições umas atrás das outras. Isso não impedia que tocassem covers como "Sheena is a Punk Rocker" dos Ramones ou "Eight Miles High", do Byrds. Era "música pela música" e somente isso. Mas o que mais impressionou o jornalista na época foi o fato de, após um show arrasador, Mould, Hart e Norton estarem na saída esperando para cumprimentar e agradecer a presença do público. Atitude essa talvez fruto de uma época e coisa que não se vê muito hoje em dia...

Em matéria de vídeos, o Hüsker Dü não poderia ser mais fiel a suas gravações de áudio: registros toscos em vhs, vídeos semi-amadores, com exceção do hit "Could You Be The One", melhor produzido, é verdade, mas que mostra o trio tocando em um cenário comum com projeções de luzes coloridas. E por mais paradoxal que seja, toda essa "produção" foi capaz de captar banda em seu em estado bruto. Um primor de simplicidade e, por isso mesmo, brilhante.

Bob Mould é um caso a parte. Um guitarrista talentoso, mas, acima de tudo, um excelente e prolífico compositor e letrista. Com o entrosamento e o peso que Grant Hart e Greg Norton ofereciam, seus riffs marcantes e uma expressiva noção de melodia, compôs prolificamente nos anos de banda e após. Logo depois da separação, Mould desenvolveu uma criativa carreira-solo lançando dois álbuns: "Workbook" (que tem uma faixa com o curioso nome de "Brasilia Crossed With Trenton") e "Black Sheets of Rain". Depois formaria a banda Sugar em 1992, lançando dois ótimos discos: "Copper Blue" e "File Under: Easy Listening". A (boa) banda Sugar acabou em 95 e Mould voltou a sua carreira-solo.

Grant Hart, compositor e letrista eclipsado pela “fama” de Mould, lançou dois álbuns-solo após o término do Hüsker Dü e somente depois de controlar seu vício, montou uma banda - Nova Mob - que lançou dois discos, o último em 1994. E o baixista Greg Norton, que sempre usou um vistoso bigode bem no estilo daqueles mestres-cucas caricatos, prosaicamente, virou chefe de cozinha (!!!)

Ouvir a obra do Hüsker Dü é entender melhor o som que é feito hoje em dia, e ainda, anunciado como novidade extrema. E, ao mesmo tempo, conhecer músicas que podem parecer datadas, mas, ao se prestar bem atenção, são, na verdade, composições atemporais. É como se você ouvisse hoje pela primeira vez e pensasse: "Isso parece com alguma coisa... eu já ouvi algo parecido... eu lembro disso..." Só que "isso" foi feito 10, 15 anos atrás e, de algum modo, perdura até hoje. Uma curiosidade: o nome da banda foi tirado de um jogo de trívia dinamarquês dos anos 50 e ironicamente significa exatamente isso: “Você se lembra?”

Hüsker Dü. Ainda hoje, você se "lembra" ?

Tese Hippie + Antítese Punk = Síntese Hüsker Dü

2009-07-06T16:41:00.000-03:00

Um dos meus vários projetos que nunca saíram do papel foi um trabalho final da faculdade de jornalismo, no qual eu propunha estudar a história do rock por meio das capas de disco. Cheguei a preparar pré-projeto e encontrar um orientador, mas a falta de um recorte adequado, somado à ausência de conhecimento teórico na área de artes plásticas e à ansiedade de sair o mais rápido possível da universidade, fez a idéia naufragar. Acabei trocando-a por algo muito mais nobre e excitante intelectualmente: um jornalzinho para o bandejão da universidade, em parceria com um amigo. Professores da banca fingindo-se não enganados daqui, alunos fingindo-se não enganando de lá, o que importa é que me formei, depois de cinco anos e meio com a mesma pergunta na cabeça: - O que estou fazendo nesta m*?

Voltando ao meu projeto imaginário, cheguei a pensar em várias imagens que poderiam ilustrar a minha teoria. Um dos objetos de estudo já estava demarcado: a capa do disco Warehouse: Songs and Stories, do Hüsker Dü. Além de ser escolhida pelo imparcial critério da admiração artística, ela entrou no meu projeto - mental, é sempre bom lembrar - por se encaixar como uma luva na base teórica do meu estudo: a Dialética Hegeliana (atualizada para “dialógica” pelo meu orientador), na qual toda tese gera uma antítese, as quais, somadas, dão origem a uma síntese.

(Abre parênteses: agora, acho que agora me excedi. Quem quiser parar de ler o texto neste momento, tem todo o direito de fazer isso. Fecha parênteses).

No caso, a tese seriam as capas e cartazes coloridos, com toques oníricos, de bandas psicodélicas do final dos anos 60 (Beatles, Pink Floyd, Byrds, Grateful Dead, Jefferson Airplane e outros) e a antítese, as capas chapadas, muitas vezes em preto e branco, serigráficas, quase em formato jornalístico, dos grupos punks do final da década seguinte (Clash, Sex Pistols, Buzzcocks, The Jam e outros). A capa e a contracapa de Warehouse: Song and Stories, embora tragam o colorido psicodélico, não caminham tanto para o lado “sonhador” dos grupos dos anos 60, mas para algo mais decadente, pessimista, típico do fim da era Reagan — num clima bem “It’s the End of the World as We Know It (and I Feel Fine)”, profetizado pelo colegas de underground R.E.M na mesma época.

O mais legal é que essa opção gráfica expressa perfeitamente o que é o som do Hüsker Dü: a banda que deixou para trás a tônica de protesto social punk e passou a falar de sentimentos profundos, confusos; que trouxe a melodia para um movimento que se pautava quase que exclusivamente pela agressividade sonora. Como todo artista em processo de amadurecimento, essas características foram surgindo ao longo da carreira da banda, que começou tosca, rápida e pesada (no álbum Land Speed Record, de 1981), mas foi flertando aos poucos com o “flower power”, em músicas como Hare Krsna (do clássico Zen Arcade, 1983) ou na versão para o marco zero do psicodelismo: Eight Miles High, do The Byrds. O álbum Warehouse: Songs and Stories é, portanto, o ápice desse amadurecimento, quando a banda já tinha encontrado a sua marca e tava cheia de moral no circuito independente norte-americano.

Lembro-me da primeira vez que vi a capa desse disco: no verão de 1989, fui passar férias em Recife, na casa de um amigo que trabalhava na loja de discos Allegro Cantante. Numa das minhas visitas à loja, ele me mostrou o disco daquela banda que tocava Don’t Wanna Know If You Are Lonely (do álbum Candy Apple Grey, de 1986), única música que eu conhecia deles até então. Confesso que, ao me deparar com a foto do Hüsker Dü na contracapa, fiquei decepcionado: os caras usavam roupas do dia-a-dia, sendo que deles estava sem sapato e vestindo camisa rosa e o outro usava um bigode à Salvador Dali. Poxa, até aquele momento, do alto dos meus 15 anos, eu achava que um cara que tocava sons mais rápidos tinha que se vestir com jaqueta de couro preta, ou com roupas rasgadas ou, pelo menos, usar uma bandana na cabeça. Aquela simples foto de contracapa acabara de abalar parte das minhas crenças musicais, trazendo uma sutileza que eu ainda não era capaz de apreender.

Para reforçar essa confusão, lembro que, um pouco depois de ver aquela chocante foto da contracapa, li uma matéria na revista Bizz que continha um trecho mais ou menos assim: “ (...) e bandas inclassificáveis como Hüsker Dü e New Model Army”. Caramba, como assim? Como uma banda pode não ter classificação? Existem tantos rótulos no rock (punk, pós-punk, psicodélico, hardcore, hard rock, etc) e essas bandas simplesmente não se encaixam em NADA?

O mais interessante é que essa sonoridade do Hüsker Dü acabou sendo uma das grandes influências para grunges e indies da década seguinte, revelando que, na verdade, o trio de Minneapolis estava à frente do seu tempo. Do meu lado, o que posso dizer é que aquela decepção que tive aos 15 anos, ao olhar para a foto da contracapa de Warehouse, só foi se transformando, com o tempo, em admiração. Se em algum momento, a síntese proposta por aquela banda não rotulável abalou o meu eixo, em outro, tornou-se parte do meu norte.

PS: Acabei me atendo tanto a essa questão da capa, que não falei muito do lado sonoro do disco. Warehouse é um álbum produzido a partir do talento e do duelo de egos dos compositores e vocalistas da banda, o guitarrista Bob Mould e o baterista Grant Hart. Acabou se tornando um disco duplo, recheado de belas canções pop, exatamente para aliviar a disputa de espaço entre os dois. Apesar da excelência nas composições, o Hüsker Dü tinha um ponto fraco: eles eram péssimos em estúdio, o que faz com que a qualidade de gravação de todos os seus discos estejam entre as piores do rock!!!

Edgard no Ar – Forgotten Boys, Retrofoguetes e Lanny Gordin

2009-07-01T18:48:00.000-03:00

Nesta terça à noite, ao chegar em casa, liguei a TV e vi que estava passando o programa Edgard no Ar, no Multishow. As atrações eram os paulistas do Forgotten Boys, os baianos do Retrofoguetes e a lenda da guitarra Lanny Gordin, que, entre importantes trabalhos com os tropicalistas, gravou o disco Fa-Tal, da Gal Costa, e ainda tocou com o Hermeto Pascoal.

Essa é a terceira edição que assisto do programa. Já tinha visto um com Móveis Coloniais de Acaju e Macaco Bong e outro com Nação Zumbi e Curumim. O formato é interessante: pautado no inglês Jools Holland, no qual os convidados se apresentam lado a lado, contando, às vezes, com a participação do apresentador. O som, a propósito, é muito bem equalizado, coisa rara na TV brasileira até pouco tempo atrás. Um dos pontos que ajuda nesta qualidade sonora é o próprio aprimoramento dos equipamentos das bandas brasileiras. Se hoje é possível encontrar amplificadores Orange no palco, antes o que reinava era o famigerado Jazz Chorus, da Roland.

Mas voltando à edição de ontem, a banda que mais gostei foi o Retrofoguetes, principalmente pelo ótimo guitarrista Morotó Slim. Ele e o também excelente baterista Rex são ex-membros do Dead Billies, banda responsável por um dos melhores shows que já vi no circuito independente brasileiro (Goiânia Noise, 2001). O legal de assistir ao Morotó tocando é notar o domínio que ele tem da guitarra de rockabilly e surf music, frutos de dedicação e alguns anos de estrada. As composições também são boas, fugindo do lugar comum prevalecente no gênero.

As únicas derrapadas do Morotó foram nos covers. O primeiro foi Stray Cat Strut, do Stray Cats, em que ele engasgou nas últimas frases do solo. Neste ponto, vale ressaltar o quanto as frases do Brian Setzer são difíceis de serem tocadas. Eu arriscaria dizer que nunca vi um guitarrista brasileiro tocar bem Stray Cats, até porque, em certos aspectos, a guitarra de Brian Setzer está num grau de dificuldade maior do que a do Jimi Hendrix.

A outra derrapada do Morotó foi no solo de Sunshine of Your Love, do Cream. Na verdade, o solo dele não chegou a ter notas erradas, mas deu para notar que os longos bends do blues não eram o seu forte. Um cara perfeito para tocar essa música seria o canhoto Gabriel Guedes, do Pata de Elefante, que entende do riscado quando o assunto é Eric Clapton.

Aliás, já que estamos falando em grandes guitarristas, vale a pena citar a participação especial de Lanny Gordin no Edgard no Ar. Ele tocou uma música que acredito ser de sua autoria, junto com os competentes Os Wilsons, banda de apoio do Edgard, e mandou uns solos atonais/dissonantes de fazerem inveja a Vernon Reid (Living Colour) e Lee Ranaldo (Sonic Youth). O que dá para notar é que, embora não esteja 100% em forma, Lanny Gordin é dono de uma musicalidade realmente diferenciada. O solo dele em Sunshine of your Love foi dos mais malucos que ouvi recentemente.

A terceira e grande atração da noite foi o Forgotten Boys, grupo atuante na cena independente paulistana e brasileira. Acho-os competentes, mas um pouco "mascarados". E esta característica, na minha opinião, acaba afetando o som deles, pois parece faltar-lhes uma certa "entrega" à música. O resultado sonoro, então, fica mais próximo do que deveria de suas influências (Rolling Stones e bandas proto-punks). E o pior (ou melhor) é que o guitarrista e vocalista Gustavo e o baixista Zé parecem ser bem ligados em música, conhecedores mesmo. Ou seja, potencial não lhes falta.

Um último ponto que eu gostaria de ressaltar é que o Edgard está aparecendo demais. Nesta edição, cantou três covers (ainda rolou Hound Dog, do Elvis Presley), enquanto só ouvi cada atração tocar uma música. Tudo bem que ele parece se esforçar para pegar as músicas, que são até bem escolhidas pela produção, de acordo com as atrações. Mas a impressão é que o programa está mais centralizado nele do que deveria. Se continuar assim, corre o risco de virar um Jô Soares dos programas de música.

Para quem quiser assistir a esta edição do programa, ela ainda passará nesta quinta (2), às 13h; na sexta (3), às 01h e às 07h30; no sábado (4), às 18h, e na segunda (6), às 8h.

Everybody’s Changing: gol de placa do rock inglês

2009-06-30T11:32:00.000-03:00

A banda inglesa Keane não tem muita moral com a crítica, embora sejam bons na venda de discos. Já os vi tachados de sub-Radiohead e até de sub-Coldplay, o que, para qualquer roqueiro que se preze, chega a ser vexaminoso. Do meu lado, guardo simpatia por eles: acho que compõem bem e são bons de arranjo. Podem não ser o grupo mais criativo e estiloso do mundo e, provavelmente, não lançarão nenhuma tendência, mas fazem corretamente o dever de casa, que é produzir boa música.

Na verdade, esse post não é para falar propriamente do Keane, mas de uma canção composta por eles: o mega hit Everybody’s Changing. Estava comprando um presente no último sábado e, enquanto esperava pelo empacotamento do produto, fiquei ouvindo essa música, que tocava ao fundo numa estação de rádio qualquer. Torci para que a moça demorasse um pouco mais no embrulho, para que eu tivesse um pretexto para continuar dentro da loja até o fim da canção.

Para mim, Everybody’s Changing é o exemplo da música em que tudo deu certo para a banda. O compositor trouxe uma idéia bruta acima da média, a banda trabalhou com competência nessa idéia, que ganhou uma letra caprichada e recebeu uma gravação à altura. É como se fosse um jogo de futebol, em que o time ganha de lavada por entrar coeso em campo, mesmo não sendo tão superior assim ao adversário.

Everybody’s Changing tem então essa conjunção astral positiva, a começar pela a frase marcante de piano e a levada de bateria suave, mas pulsante. A entrada do vocal, afinadíssimo e com timbre tendendo para o agudo, engrandece ainda mais a composição, travando um duelo com o riff do piano dentro da dinâmica, em que, quando um entra, o outro sai. A harmonia é um caso à parte: em tom maior e sem dissonâncias, parece ser influenciada por música erudita, mas sem os excessos de um rock progressivo, o que a torna refinada e naturalmente agradável aos ouvidos. Para arrematar, a letra traz um certo ar nostálgico, que deságua num refrão “ganchudo”.

É engraçado, mas o fato de o Keane ser uma banda comandada pelo piano — embora no último disco tenham dado uma guinada rumo a um som mais viril, digamos assim — revela muito do rock inglês para mim. Sempre achei que uma das diferenças entre o rock britânico e o americano é o fato de os ingleses terem uma educação musical mais tradicional, voltada para o piano e o clássico, enquanto os americanos são mais crias do violão, da batida pulsante (herança do Blues). Obviamente, essa não é uma regra rígida: você pega os ingleses Led Zeppelin ou mesmo representantes do Punk 77, por exemplo, e vê que o que manda ali é o instrumento de cordas, é a pulsação. E, por outro lado, os americanos Brian Wilson e Rufus Wainwright são totalmente “do piano”.

Mas, em linhas gerais, a minha impressão é que a harmonia e melodia são mais refinadas na Inglaterra (e na Europa, como um todo) e a pulsação, o rock mais cru, tem mais força nos Estados Unidos. Talvez essa seja uma das explicações para o processo cíclico de alternância entre norte-americanos e ingleses na hegemonia do rock: num momento, quem manda é a harmonia; em outro, o público prefere a pulsação e o som mais visceral. E, neste ponto, a relação parece ser de admiração e competição entre os dois lados, com influência mútua. Parodiando a frase que define a relação futebolística entre Brasil e Argentina: é como se os roqueiros americanos adorassem odiar o rock inglês, enquanto os roqueiros ingleses odiassem admirar o rock americano.

No meio dessa disputa acirrada, Everybody’s Changing é um gol de placa do rock inglês.

“Maicon” Jackson (1958-2009)

2009-06-26T11:39:00.000-03:00

Acompanhando as notícias da morte de Michael Jackson, não vi ninguém falando de um dos seus mais importantes legados à cultura brasileira: a introdução na nossa língua do vocábulo “Maicon”, nome que passou a batizar milhares de garotos pelo País – em sua quase totalidade, de origem pobre. Hoje, podemos encontrar “maicons” até na lateral da seleção brasileira.

Mas o que importa mesmo é a sua música. Com um talento diretamente proporcional à sua loucura, Michael teve uma carreira quase irrepreensível até o disco Thriller (1982), o álbum mais vendido da história. Depois, a sua música foi se deteriorando à medida que seu rosto desfigurava e a pele branqueava.

Não sou grande conhecedor de sua obra, mas é muito difícil não ser tocado pelos primeiros singles do Jackson 5 e por discos como Off The Wall (1979) e Thriller (1982) – espécies de Revolver e Sergeant Pepper’s do “Rei do Pop”. Considero o Thriller, a propósito, o disco mais bem produzido que já ouvi, em grande parte devido ao trabalho do mestre Quincy Jones. Ali está tudo no lugar: não tem instrumento sobrando ou faltando, a timbragem dos instrumentos é de extremo bom gosto e a execução dos músicos é perfeita e “com alma”. Com a cama forrada por Jones, Michael Jackson entrou na parceria com quatro composições (Billie Jean, Beat It, Wanna Be Startin’ Something e a faixa título), além de um vocal poderoso.

Paradoxalmente ao início da negação de sua negritude, os clipes de divulgação do Thriller acabaram abrindo as portas da MTV para os artistas negros norte-americanos – que, até aquele momento, eram renegados pela emissora. Aliás, neste ponto, cabe lembrar que a qualidade e esforço de produção dos clipes do Thriller fizeram com que este tipo de divulgação atingisse novos patamares — inclusive financeiros.

Voltando à cobertura pela imprensa, cheguei a assistir na GloboNews uma entrevista com o jornalista musical Arthur Dapieve sobre o legado de Michael Jackson para a música moderna. Achei que ele quis mostrar um equilíbrio e sofisticação na sua análise e acabou diminuindo a importância do “Rei do Pop”, colocando-o somente como mais um no pacote de música negra norte-americana pós-James Brown.

De fato, talvez Michael Jackson esteja musicalmente abaixo de James Brown, Al Green, Stevie Wonder, Marvin Gaye e outros ícones da música negra norte-americana. Mas o que coloca numa posição de destaque, na minha opinião, é a união de suas canções com o seu lado performático (incluindo o fato de ser exímio dançarino, como seu mestre James Brown), o seu carisma diante do grande público e a sua compreensão elevada de como a indústria musical funciona. Foram esses aspectos que o tornaram fenômeno, servindo de influência para uma variada gama de artistas – alguns de baixa qualidade, é verdade – nos últimos vinte e cinco anos (de Beyoncé a Justin Timberlake; de Black Eyed Peas a Fall Out Boy).

A morte de Michael Jackson, por conta de sua popularidade, acabou ofuscando o falecimento de outra celebridade, a ex-Pantera e super gata Farrah Fawcett. Numa dessas estranhas coincidências da vida, a Bela e a Fera acabaram deixando o mundo no mesmo dia, com destaque na imprensa para a Fera.

Órfãos da Nação: elo entre o rock brasiliense dos 80’s e 90’s

2009-06-21T02:07:00.000-03:00

Eu tenho uma teoria sobre o disco Órfãos da Nação, lançado em 1989 pelo grupo BSB-H: acho que ele é a ponte entre o rock brasiliense dos anos 80 (Legião, Plebe, Capital, Escola de Escândalo, etc) e dos anos 90 (Raimundos, Oz, Little Quail, DFC, Os Cabeloduro e outros). A minha posição se baseia no fato de que o BSB-H, à época formado por Alex Podrão (vocal), Paulo Delegado (baixo), Grillo (guitarra) e Sérgio Bolacha (bateria), já estava antecipando muito do rock pesado que iria preponderar nos anos 90, mas ainda com alguns traços da década anterior.

Órfãos da Nação é o segundo disco do BSB-H, banda que nasceu de uma espécie de dissidência mais pesada do Detrito Federal. A estréia deles aconteceu em 1986, com o lançamento do álbum Ataque às Hordas do Poder, split com a banda Stuhlzapfchen Von "N" (que cantava em alemão (!) e viria a se tornar depois o ARD).

Se o primeiro disco o BSB-H era mais hardcore, no Órfãos da Nação a banda veio com uma produção mais elaborada e um som pautado no moderno estilo crossover, de bandas como DRI, English Dogs e, principalmente, Suicidal Tendencies. Esse passo à frente, fez com que eles deixassem de lado o punk mais clássico que havia influenciado Legião & Cia e se alinhassem ao som que a molecada estava curtindo na época. E quem seriam esses moleques? Exatamente os caras que formariam (ou já haviam formado) as bandas que despontariam em meados dos anos 90.

Além do som, outras variáveis contribuem para essa condição de elo entre passado e futuro do disco Órfãos da Nação. Em primeiro lugar, a temática das letras estava mudando: ainda existia o cunho de protesto político e social (Dead Neves e Digo Não), mas já surgiam músicas que falavam de skate, por exemplo (Skate ou Morra, Skate não é Crime e Power Banks). Neste ponto, o próprio visual da banda deixava de lado a influência do vestuário punk e pós-punk inglês e se aliava à descontração californiana (bandanas, bermudas, etc).

No lado mercadológico, o BSB-H também apontava para novos rumos: Órfãos da Nação foi lançado por uma gravadora independente, a paulista Devil Discos, revelando uma alternativa às majors. Além disso, o vocalista Alex Podrão, ao contrário dos membros de Legião, Capital e Plebe, era figurinha fácil na cidade. Você podia encontrá-lo num ponto de ônibus ou na loja da Devil, no Conic. Isso, para um garoto de 15/16 anos, não é qualquer coisa: afinal de contas, Podrão era aquele mesmo cara que havia aparecido na TV Globo, no programa Mixto Quente, no verão de 1985/86, tocando com o Detrito Federal.

É lógico que o BSB-H não estava sozinho nessa jornada rumo aos anos 90. Outras bandas da cidade, como Volkana, P.U.S., Filhos de Menguele e o próprio Detrito Federal (liderado por Cascão), também tiveram a sua fatia na história, mas nenhuma dessas conseguiu materializar um produto tão fechado concetualmente e num momento tão oportuno quanto o BSB-H, em Órfãos da Nação.

Não se pode esquecer também que todo um cenário de rock independente estava se estabelecendo no Brasil – principalmente em São Paulo. Do lado do rock pesado, bandas como Grinders, Lobotomia, Não Religião, Mercenárias, Ratos de Porão e outras também já estavam na mesma sintonia do BSB-H, deixando de lado as velhas influências dos anos 80 e com um pé nos 90’s. Além disso, uma outra corrente de bandas mais "leves", como De Falla, Kães Vadius, Violeta de Outono, Vzyadoq Moe e Picassos Falsos, também já traziam algo diferente do que se vira no começo da década. E não se pode esquecer do Sepultura, que trafegava numa via completamente inovadora e exitosa para o mercado brasileiro: cantando em inglês e lançando pela gravadora holandesa Roadrunner. Foi a mistura de isso tudo que acabou desembocando no que viria a se tornar mainstream no nos anos 90.

De qualquer forma, no meu ponto de vista, a garotada mais nova não tinha tanto saco para o rock cabeça de um Vzyadoq Moe, Akira S ou Fellini. Essas bandas vieram a influenciar caras que já eram mais velhos no final dos 80’s, como o pernambucano Chico Science, por exemplo, que chegou a gravar a música Criança de Domingo, do Funziona Senza Vapore (projeto de ex-integrantes do Fellini). É por isso que acredito que, em Brasília, o Órfãos da Nação, do BSB-H, tenha tido um efeito tão forte: veio ao encontro de uma molecada cheia de energia e, ao mesmo tempo, aberta para novas tendências.

PS: Se o Órfãos da Nação serviu como elo entre o rock brasiliense dos anos 80 e 90, o disco de estréia da banda Divine, lançado em 1997, para mim é a ponte entre os anos 90’s e 00’s do rock candango. Mas isso é assunto para outro post.

Demasiadas influências

2009-06-19T16:45:00.001-03:00

É impressão minha ou tá meio na moda, entre as bandas independentes modernas, colocar informações não somente musicais entre as influências? Nem sei direito o que acho dessa tendência – na verdade, talvez tenha uma certa implicância, pois me soa como “quero ser diferente”. De qualquer forma, navegando em sites como My Space ou Trama Virtual, é comum se deparar com as seguintes informações:

Banda: Flambados em Ácido (artista fictício)
Influências: Beatles, lego, bola de gude, Black Sabbath, Mussum, comandos em ação, Broken Social Scene e Luis Buñuel.

E o pior é que são sempre umas coisas meio nonsense, que misturam música, referências da infância e algum cineasta cabeça. Sei lá, de tanta busca pela diferença, acabou virando lugar comum. Será que estou ficando um veterano ranzinza?

Haverá outro caminho para o Lab Clássicos?

2009-06-18T15:30:00.000-03:00

Durante as manhãs, costumo assistir à faixa de programação Lab Clássicos da MTV, enquanto me arrumo para o trabalho. Geralmente, fico com a TV ligada das 7h15 às 7h55, revezando entre a MTV e o telejornal Bom Dia Brasil. Quando a matéria jornalística é interessante, deixo na Rede Globo. Quando o clipe é bom, fico na MTV. Vez ou outra, a parada é dura e, então, me pego trocando rapidamente de um canal para o outro, a cada 10 segundos, para ver se consigo pegar as duas informações.

O Lab Clássicos é a faixa que mais gosto na MTV: primeiro, porque é concentrada apenas na exibição de videoclipes, deixando de lado o perfil adolescente adotado pela emissora nos últimos anos; segundo, porque os clipes, geralmente, são de bandas legais. Hoje, por exemplo, peguei a seqüência: Soundgarden, Mad Season, Hüsker Dü, Minutemen e fIREHOSE. Gostei da lógica da programação: começando com bandas de Seattle (Soungarden e Mad Season), partindo para o que as influenciou na cena indie norte-americana dos anos 80 (Hüsker Dü e Minutemen), e terminando no elo entre Minutemen e fIREHOSE: o baixista e herói indie Mike Watt.

Apesar dos méritos evidentes na programação do Lab Clássicos, guardo também minhas críticas. Uma delas é ter a impressão de que alguns clipes se repetem bastante. É o caso de There’s No Other Way, do Blur. Sempre que me deparo com esse vídeo, vem-me a pergunta: — Será que não há outro clipe do Blur no acervo da MTV? Bom, é lógico que tem. De cabeça, já lembro de Coffee and TV, Tender, Song 2, Country House e Boys and Girls. Mas, por algum motivo, There’s No Other Way tá sempre lá, imbatível.

Outro ponto negativo no Lab Clássicos: a programação costuma se focar muito nas décadas de 80 e 90. A explicação é meio lógica: o formato atual do videoclipe e própria a MTV surgiram nos anos 80. Então, a quantidade de clipes produzidos de lá para cá é muito maior do que nos anos 60 ou 70. Mesmo assim, tenho a impressão de que a coisa poderia ser mais bem balanceada. É muito difícil ver, por exemplo, um vídeo do Chuck Berry, do Led Zeppelin ou do Jimi Hendrix. Cantores clássicos da música negra norte-americana, então, como Curtis Mayfield, Marvin Gaye ou Supremes, ou outros reggaes que não sejam Bob Marley, são quase impossíveis de serem vistos. De repente, eles passam antes ou depois de eu ligar a televisão. Mas acho que seria muito azar da minha parte me deparar tanto e quase tão somente com There’s No Other Way.

Um terceiro ponto: a faixa de programação se chama Lab Clássicos, mas, na verdade, tornou-se um espaço para clipes antigos, de artistas não necessariamente consagrados. Já vi vídeos de grupos meia boca da década passada, tipo Spin Doctors. Se não me engano, rolou um do “regueiro branco” Snow outro dia também. Ora, isso não tem nada de clássico. Na verdade, teria mais lógica a faixa se chamar NAFTALINA (ou algo do gênero), nome que a Transamérica já usou num programa que se propunha a tocar velhos hits.

A impressão que fica é que a MTV parece ser hoje dominada por funcionários membros de bandas independentes paulistas, os quais acabam impondo as suas preferências musicais na programação. Nesse ponto, acaba sendo mais fácil assistir a um clipe do Pavement ou do Blur do que de outro do Frank Zappa ou do Deep Purple. Se não for isso, a causa do desequilíbrio no Lab Clássicos só pode ser fruto de displicência e preguiça dos programadores, mesmo.

Por fim, sei que, em termos de produção, seria mais caro e trabalhoso, mas aquele formato do antigo Clássicos MTV, apresentado pelo Fábio Massari, era perfeito. Além de passar os clipes, o Reverendo (acho meio ridícula essa alcunha, mas precisava de um sinônimo) ainda dava informações valiosas sobre os artistas apresentados. O programa era informativo e, ao mesmo tempo, divertido. Ah, e só exibia clássicos de verdade.

Surf Music ... Australiana

2009-06-16T15:54:00.000-03:00

De uns tempos para cá, tenho redescoberto algumas bandas australianas dos anos 80, que, no Brasil, eram muito populares entre surfistas: INXS, Australian Crawl, Hoodoo Gurus, Midnight Oil, The Church, Spy vs. Spy e GANGgajang. Esse reencontro aconteceu via You Tube, provavelmente num acesso de saudosismo da minha parte. É engraçado, pois devo parte da minha aproximação com o rock ao surfe, esporte que pratiquei com alguma seriedade entre 1985 e 1988, quando morava em Recife e, depois, no Rio de Janeiro. Meu irmão, quase 10 anos mais velho do que eu, foi quem me apresentou as bandas “do momento” e gravou as primeiras fitas de rock para mim.

O estouro de uma banda no meio do surf acontecia (e ainda acontece), muitas vezes, graças à aparição de alguma de suas músicas nos filmes e/ou vídeos do gênero. Desta forma, lembro-me de Talking Heads tocando no vídeo The Performers (1984); de INXS, num vídeo dedicado ao bicampeão mundial Tom Carroll; de Hoodoo Gurus, no filme Beyond Blazing Boards, e, já nos anos 90, de bandas como Offspring e Pennywise servindo como trilha sonora para o “novo surfe” dos jovens (à época) Kelly Slater, Rob Machado e cia., na série de vídeos Momentum.

Como a maioria dos discos não era lançada no Brasil – com exceção de INXS e Midnight Oil, talvez – o jeito era gravar de quem os trazia do exterior. Em tempos modernos de fácil acesso à internet, até quem viveu naquela época esquece o quanto era trabalhoso conseguir determinados sons (não lançados no Brasil): ir à loja da esquina para comprar uma fita K-7 virgem, marcar uma ida à casa do amigo ou conhecido para gravar o disco, deixar a fita gravando por cerca de uma hora (trocando-a de lado a cada 30 ou 45 minutos). O fato é que, muitas vezes, ter a fita ou disco de um grupo desconhecido era uma espécie de prêmio, digno de tiração de onda com os amigos que não o possuíam.

Mas voltando ao rock australiano em si. Depois de tantos anos sem ouvir essas bandas, lembrei que algumas delas eram mais do que lembranças saudosistas: elas possuíam qualidade musical. O Australian Crawl, por exemplo, tem ótimos arranjos, letras irônicas e “para cima” e um guitarrista de mão cheia. Já o Hoodoo Gurus traz uma pegada mais roqueira, com influências de Beatles e rock sessentista em geral, além de um instrumental competente e ótimo vocalista. O INXS dispensa apresentações, mas é uma banda, infelizmente, não muito levada a sério no Brasil. Quem quiser prestar a atenção neles vai se deparar com um pop competentíssimo, com arranjos excelentes, instrumentistas de alto nível e um vocalista com boa voz e carismático – o finado Michael Hutchence. O Midnight Oil também é uma ótima banda, que chegou a ser candidata ao posto “novo U2”, por volta de 1988. O som deles traz um jogo afiado de guitarras (que remetem ao Clash, em alguns momentos) e letras ecologicamente engajadas do ativista carecão Peter Garret – só acho a batida, às vezes, meio repetitiva. O The Church traz um som mais psicodélico, com influências de folk e apoiados na voz cool do frontman Steve Kilbey. As únicas bandas que, para mim, não passaram no teste do tempo são as da safra imediatamente posterior: GANGgajang e Spy vs. Spy.

O sucesso alcançado pelo filme Pulp Fiction, em meados dos anos 90, fez com que muitos artistas da verdadeira surf music (norte-americana, dos anos 60) fossem redescobertos pelo grande público: Dick Dale, The Tornadoes, The Revels, The Trashmen, The Ventures, entre outros. Esse fato colocou em xeque o rótulo utilizado – pelo menos, no Brasil – para designar as bandas australianas dos anos 80. Algumas matérias publicadas na imprensa musical à época até chegaram a desdenhar Australian Crawl & cia., ironizando o fato de terem sido chamados erroneamente de surf music até aquele momento.

Rótulos à parte, essa geração australiana dos anos 80 acabou deixando um legado bem interessante para o rock mundial, com suas composições leves, ensolaradas e espertas – muitas vezes na contramão da sobriedade em voga na Inglaterra. Além disso, marcaram um momento importante de profissionalização e divulgação do surfe no mundo, o que ajudou a identificá-las com o esporte. Nesse sentido, mesmo que não tenham sejam os verdadeiros pais da criança, tais grupos acabaram conquistando, no imaginário popular, o direito de receber a alcunha de surf music.

Enquanto não pego “as manha” do podcast, seguem alguns títulos para serem baixados, os quais podem dar uma boa idéia do rock feito na Austrália nos anos 80:

LADO A

1 – Boys Light Up – Australian Crawl
2 – This Time – INXS
3 – Bittersweet – Hoodoo Gurus
4 – Under the Milky Way – The Church
5 – Beds Are Burning – Midnight Oil
6 – Credit Cards – Spy vs. Spy
7 – Gimme Some Loving – GANGgajang

LADO B

1 – Errol – Australian Crawl
2 – Don’t Change – INXS
3 – Leilani – Hoodoo Gurus
4 – Reptile – The Church
5 – US Forces – Midnight Oil
6 – Don’t Tear It Down – Spy vs. Spy
7 – Shadow of your Love - GANGgajang